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Nature, its culture, that is the main feature of nineth edition of Floracult, event created by the pioneering fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi which will be held from 20th to 22nd April 2018 at the I Casali del Pino, in La Storta, in the Rome countryside. Many will be the suggestions and initiatives connected to that as workshops, book-launches and permanent installations to discover the place surrounding us and new ways to start a deep dialogue, harmony with the natural world and its hosts. Stories of life as the one which will be told ( on 20th april 2018 at 10:30 am) by Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti along with Isabella Casati di Monticelli who will talk about their experiences lived with Mario, the father, who introduced in the floristic marked many different plants that became of common usage. Walking in the wood will be the core of talk by the architect and  environmentalist Filippo Lapadula ( which will be held on 20th April 2018 at 3:30 pm). “And now it changes”, that is the title of book by Andrea Degl’ Innocenti, journalist and co-founder of project Italia che cambia (which will be presented on 20th April 2018 at 17:30), which embodies a series of visions and actions to make this country more sustainable, fair and successful. A wonderful experience joining architecture, interior design and botany gave rise to Pnat, the projecting team coordinated by Stefano Mancuso and featuring the architects Antonio Girardi and Cristiana Favretto who will tell about their experience ( on 21st April 2018 at 3:30 pm), evidencing how the plants can be used as sensors, model for innovation and means to purity the air. During this event it will presented “Breath”, an installation evidencing to which extent the plants can be filters to remove the pollution there is in the atmosphere. Another precious consciousness is the one by the professor of arborea culture Giuseppe Barbera who invites, through the book the wrote, “To embrace the trees” ( its launch will be held on 21st April 2018 at 5:00 pm featuring the journalist, music expert and enthusiast gardener Carlo Massarini). The ending day of Floracult will feature a talk with an iconic persona of fashion and design scene, Li Edelkoort, who created Bloom, a magazine launched in 1998, to increase the contemporary lifestyles inspired by the love for the plants, flowers and garden. Many will be the permanent events as the art installation “Matter in the air” – curated by the artist Marijcke van der Maden along with Oriana Impei, professor of sculpture at the Rome Arts Academy, who will present the works by emerging Italian and foreigner emerging artist, made by drawing inspiration from the Casali del Pino -, the one by ArteViva which will show the art of loom as well as the many exhibitors of natural products, flowers, plants, Epicurean delights, garments and accessories. A not to be missed happening in a special place to discover and enjoy, where to go and come back.

 

 

NATURA É CULTURA: LE MERAVIGLIE DI FLORACULT

 

I Casali del Pino, photo by N

La natura, la sua cultura, questa la protagonista della nona edizione di Floracult, evento creato dalla pionieristica fashion designer e fervente attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi che si terrà dal 20 al 22 aprile 2018 presso I Casali del Pino, a La Storta, nella campagna romana. Molteplici le suggestioni e iniziative a essa legate quali workshops, presentazioni di libri ed eventi permanenti per scoprire il luogo che ci circonda e nuovi modi per avviare un profondo dialogo, un’ armonia con il mondo naturale ed i suoi ospiti. Storie di vita come quell ache sarà raccontata ( il 20 aprile 2018 alle ore 10:30) da Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti insieme ad Isabella Casati di Monticelli che parleranno delle loro esperienze vissute con Mario, il padre, che ha introdotto nel mercato florovivaistico svariate piante divenute di uso comune.. Passeggiare per il bosco sarà  il tema del talk dell’ architetto ed ambientalista Filippo Lapadula (che avrà luogo il 20 aprile alle ore 15:30). “E adesso si cambia”, codesto, il titolo del libro di Andrea Degl’ Innocenti, giornalista e co-fondatore del progetto Italia che cambia (che sarà presentato il 20 aprile alle ore 17:30), il quale racchiude una serie di visioni ed azioni per rendere questo paese più sostenibile, equo e felice. Una meravigliosa esperienza che unisce architettura, design e botanica ha dato vita a Pnat, il team di progettazione coordinato da Stefano Mancuso di cui sono protagonisti gli architetti Antonio Girardi e Cristiana Favretto, i quali narreranno la loro esperienza ( il 21 aprile 2018 alle ore 15:30), dimostrando il modo in cui le piante possano essere usate come sensori, modello per l’ innovazione e mezzo per purificare l’ aria. Durante tale evento sarà presentata “Breath”, un’ installazione che dimostra in che misura le piante possano fungere da filtri per rimuovere l’ inquinamento atmosferico. Un’ altra preziosa consapevolezza è quella del professore di coltura arborea Giuseppe Barbera che invita, tramite il suo libro, a “Abbracciare gli alberi” ( la cui presentazione si terrà il 21 aprile 2018 alle ore 17:00 con il giornalista, esperto di musica e appassionato giardiniere Carlo Massarini). La giornata conclusiva di Floracult avrà quale protagonista un iconico personaggio dello scenario della moda e del design, Li Edelkoort, la quale ha creato Bloom, un magazine lanciato nel 1998, per incentivare gli stili di vita contemporanei che si ispirano alle piante, ai fiori ed al giardino. Molteplici gli eventi permanenti tra cui l’ installazione artistica “Materia nell’ aria” – curata dall’ artista Marijcke van der Maden assieme a Oriana Impei, docente di scutura presso l’ Accademia di Belle Arti di Roma -, le quali presenteranno le opere di artisti emergenti italiani e stranieri, realizzate traendo ispirazione dai Casali del Pino -, quella di ArteViva che mostrerà l’ arte del telaio come anche i diversi espositori di prodotti naturali, fiori, piante, delizie epicuree, abiti ed accessori. Un evento imperdibile in un luogo speciale, da scoprire e apprezzare, in cui andare e ritornare.

 

Me, myself and I at Floracult, inviting to embrace the nature, photo by Meo Fusciuni

 

 

www.floracult.com

 

 

 

 

Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

Activism, counterculture instilling doubts in a direct and provocative way, successful evocation of drifts by Guy Debord(, celebrated philosopher who wrote the anarcho-situationist masterpiece “The society of spectacle”, very contemporary book which depicts the passage of capitalistic society, based on economy and money, where everyone is resulting from what he has, from having to appearing. The thought which is embodied in it is a photography of this age of political-cultural decadence and consumption arising from consumerism). This is a mere synthesis of making by Joe Corrè, bright fashion designer, businessman ( who created yesterday the luxury underwear brand Agent Provocateur, instead today of A Child of the Jago, as well as of Illamasqua, renowned make-up brand), and strong social activist, more specifically Climate Revolution, campaign supported by his mother Vivienne Westwood against the global warming. He, on the 26th november 2016, started an initiative, “Burn Punk London”, or rather to give rise to a funeral pyre and burn all of the memorabilia punk he owned ( the New York Times told they amounted to five millions of pounds). The fundamental reason connected to this gesture, a genuine destructive act of protest, arises from a tangible fact, the commodification of a cultural movement which was alternative, disapproving the mass culture – and it has as its icons his father Malcom McLaren and mother -, which has engulfed into the mainstream  just for commercial purposes, re-edited in a empty way and also dignified by who provocatively features in the cover of a single track by the Sex Pistols, made in 1977 by Jamie Reid, the queen Elisabeth (who considered 2016 as the year of punk). The single track was “God save the Queen” by Sex Pistols( which ends with “no future”, become famous slogan of punk movement) and some day after it was the fortieth anniversary of their first album, “Anarchy in the UK”.

 

The “God save the queen” single track cover by Jamie Reid, 1977

His vinyl copy has been the first relic to be burned( later it has followed the trousers owned by Johnny Rotten, live concerts records and other precious rarities). Corrè asserted: “it’s about trying to get people to get their head around the difference between price and value. It’s about drawing attention to the hypocrisy of these establishment institutions now making money out of these pastiche versions. Forty years to go from public enemy number one to everyone seeing the UK as the birth of punk, so that’s now a valued tourist attraction item that we can use. That happened two years ago. Instead today other things happen. That act didn’t run out, but it became art ( as the punk which – as it says Joe Corrè – will born again from its ashes as the Arabian phoenix, in another form. Anyway, as the principle of mass conservation by Lavoisier teaches, “nothing is lost, nothing is created, everything is transformed”), photography, an illustrated documentary featuring in “Ash from Chaos”, an exhibition which will be held from 20th to 28th April 2018 in London at the Lazinc gallery. A not to be missed happening to pay homage to past, present, celebrating a gesture which suggests to look at today in a questioning, conscious, libertarian and assertive way.

 

“ASH FROM CHAOS” DI JOE CORRÉ ALLA GALLERIA LAZINC DI LONDRA

 

Joe Corrè during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

 

Attivismo, contro-cultura che insinua dubbi in modo diretto e provocatorio, action-propaganda, felice evocazione delle derive di Guy Debord(, celebre filosofo autore del capolavoro anarco-situazionista “La società dello spettacolo, libro estremamente contemporaneo che dipinge il passaggio della società capitalistica, basata sull’ economia e sul denaro, in cui si è in quanto si ha, dall’ avere all’ apparire. Il pensiero in esso racchiuso è una fotografia di questa epoca di decadenza politico-culturale e consunzione derivante dal consumo). Questa, una mera sintesi del fare di Joe Corrè, brillante fashion designer, imprenditore (creatore ieri del brand di lingerie Agent Provocateur, oggi di A Child of the Jago, nonché di Illamasqua, rinomato marchio di make-up) e fervente attivista nel sociale, più specificamente nella Climate Revolution, campagna sostenuta dalla madre Vivienne Westwood contro il fracking e il surriscaldamento della terra. Costui, il 26 novembre 2016, ha avviato un’ iniziativa, “Burn Punk London”, ovvero dar vita a una pira funebre e bruciare tutte le memorabilia da lui possedute (che secondo il  New York Times avevano il valore di cinque milioni di sterline). Il motivo sotteso a tale gesto, un autentico atto distruttivo di protesta, nasce da un fatto tangibile, la mercificazione di un movimento culturale, il punk, che era alternativo e critico alla cultura di massa – e aveva quali sue icone il padre, Malcom McLaren e la madre-, il quale era stato fagocitato dal mainstream per fini meramente commerciali, rieditato in chiave vuota e dignificato anche da colei che provocatoriamente appare sulla cover di un album dei Sex Pistols, realizzata nel 1977 da Jamie Reid, la regina Elisabetta di Inghilterra (la quale aveva proclamato il 2016 l’ anno del punk). ll singolo era “God save the Queen” dei Sex Pistols( che si chiude con “no future”, divenuto celebre slogan del movimento punk) e qualche giorno dopo ricorreva il quarantesimo anniversario del loro primo album, “Anarchy in the UK”.

 

Joe Corrè along with Vivienne Westwood his mother during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

La sua copia in vinile è stata la prima reliquia ad esser bruciata ( poi son seguiti i pantaloni appartenuti a Johnny Rotten, registrazioni di concerti e altre preziose rarità). Corrè spiegava che ciò “ è finalizzato a far in modo che la gente ponga attenzione sulla differenza tra prezzo e valore. Il mettere in evidenza l’ ipocrisia delle istituzioni dell’ establishment che adesso ricavano denaro da queste versioni che hanno la foggia di pastiche. Quaranta anni per passare da nemico pubblico numero uno a oggetto che può essere usato come valida forma di attrazione turistica, poiché tutti vedono la Gran Bretagna come la nascita del punk”. Tutto ciò accadeva due anni fa. Oggi invece accade altro. Quell’ atto non si è esaurito, ma è diventato arte (come il punk che secondo Joe Corré rinascerà dalle sue ceneri, come l’ araba fenice, in un’altra forma. D’altronde, come insegna il principio di conservazione della materia di Lavoisier “nulla si crea, nulla si distrugge, ma tutto si trasforma”), fotografia, un documentario illustrato  protagonista di “Ash from Chaos”, una mostra che si terrà dal 20 al 28 aprile 2018 a Londra presso la galleria Lazinc. Un appuntamento imperdibile per onorare il passato, il presente, celebrando un gesto che invita a guardare alla quotidianità in modo critico, consapevole, libertario e assertivo.

 

photo courtesy of Burn Punk London

 

 

www.burnpunklondon.com

 

 

 

Krištof Kintera, photo by N

“To see the world in a grain of sand and heaven in a wild flower”, auguries of innocence, verses by William Blake that remind the suggestions connected to “Hidden Beauty”, the exhibition, curated by Marina Dacci (renowned curator who manages the Max Mara Art Prize for Women at Max Mara Fashion Group) and the artist Krištof Kintera which runs in Rome at the Z2O Sara Zanin Gallery through 19th May 2018 and showcases the works by a group of artists as Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. It’s banished the obvious and reasonable in the name of a maze of languages and representations that join and overlap, based on the responsiveness of audience. It doesn’t exist just one only way, there are a variety of paths, metaphor of life, where one is the road and different are its paths as well as the ways chosen by individuals that lighten the beauty, the one which is hidden.

Pavla Scerankovà , photo by N

It’s an old, complex and willingly incomplete which opens the way to many solicitations, reflections as well as to the getting of new consciousnesses. This precious and touching showcase, including dynamic installations – as the installation sewing machine which is working by Anna Hulačovà who successfully depicts the beauty as picture, impressed in a memory in motion, her memory, the one of his grandmother who way behind the sewing machine and the marvelous works by Richard Wiesner under the sign of a surreal constructivism -,tangible representations of what is often hidden to the ego, goes out from a physical place, the gallery to people unusual places where are exhibited the works by Krištof Kintera (a vintage store, gym, bikes seller, flowers store, an artisanal pastry shop, a restaurant and a special place, much loved by me, the Antica Libreria Cascianelli, a bookshop of old books where I use going and coming back), works of matter as a container of cream, a cement flower under the sign of lightness, irony, immediacy and incisiveness. Serene and pure thoughts reveal a synthesis which is finely structured, where it shines clearly a libertarian and synaesthetic approach, a kindness, being the matrix of this tale on art and its features. The plaudit, mine, is for who succeeds to develop projects like this, that are alternative in the most vibrant way, as they track new ways to communicate under the sign of art, talk in an intelligible way about sense, by using sense and value to a bunch of people and, the most important thing, touch.

Richard Wiesner talking about the work he made, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Anna Hulačovà, photo by N

 

“HIDDEN BEAUTY/BELLEZZA NASCOSTA” ALLA Z2O SARA ZANIN GALLERY DI ROMA

 

Krištof Kintera, photo by N

“Vedere il mondo in un granello di sabbia e il cielo in un fiore selvatico”, auguri di innocenza, versi di William Blake che richiamano alla mente le suggestioni connesse a “Hidden Beauty”, la mostra, curata da Marina Dacci (rinomata curatrice che si occupa del Max Mara Art Prize for Women presso il Max Mara Fashion Group) e dall’ artista Krištof Kintera che prosegue a Roma presso la Galleria Z2O di Sara Zanin fino al 19 maggio 2018 ed espone il lavori di un gruppo di artisti quali Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. Un progetto ambizioso e felice, dar vita a un metalinguaggio che si interroga e presenta la bellezza, l’ immagine e l’ idea ad essa sottesa, nonché la memoria, le emozioni, i sentimenti legati ad essa quale esperienza e stile di vita. Banditi l’ ovvio e il ragionevole in nome di un groviglio di linguaggi e rappresentazioni che si uniscono e sovrappongono in base alla responsività del pubblico. Non esiste una sola via, ma una molteplicità di percorsi, metafora della vita in cui una è la strada e svariati sono invece i suoi sentieri come anche i percorsi intrapresi dagli individui, che illuminano la bellezza, quella nascosta.

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

Una storia antica, complessa e volutamente incompleta che apre la via a diverse sollecitazioni, riflessioni come anche all’ acquisizione di nuove consapevolezze. Questa preziosa ed emozionante rassegna, comprensiva di installazioni dinamiche – come la macchina da cucire di Anna Hulačovà che felicemente ritrae la bellezza in immagine, impressa in un ricordo in movimento, il suo, quello della nonna dinanzi alla macchina da cucire e le meravigliose opere di Richard Wiesner dal surreale costruttivismo – , rappresentazione tangibile di ciò che sovente è celato all’ io, esce da un luogo fisico, la galleria e popola luoghi insoliti in cui sono ospitate le opere di Kristof Kintera (un negozio vintage, una palestra, un rivenditore di biciclette, un negozio di fiori e piante, una pasticceria artigianale, un ristorante e un luogo speciale, a me molto caro, l’ Antica Libreria Cascianelli, dove son solita andare e tornare), opere materiche come un contenitore di crema, un fiore di cemento, all’ insegna di leggerezza, ironia, immediatezza e incisività. Camminare avvolti di bellezza. Pensieri sereni e puri rivelano una sintesi finemente strutturata, in cui fulgido riluce un approccio libertario e sinestetico, una gentilezza, matrice di questo discorso d’ arte e dei suoi protagonisti. Il plauso, il mio, va a coloro che riescono a dar vita progetti di questo tipo, alternativi nel senso più vibrante del termine, poiché tracciano nuove strade per comunicare sotto il segno dell’ arte, parlano in modo intellegibile di senso, con senso e valore a una generalità degli individui e, cosa più importante, emozionano.

Krištof Kintera at the Antica Libreria Cascianelli, photo by N

 

Krištof Kintera at the Antica Libreria Cascianelli, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Me. myself and I visiting the exhibition outside the gallery along with Ines Musumeci Greco, photo by N

 

Me myself and I along with the artists (Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà, Richard Wiesner), the art dealer Sara Zanin and curator Marina Dacci, photo courtesy of Z2O Sara Zanin Gallery

 

 

www.z2ogalleria.it

Nazzarena Poli Maramotti, Alessandro Sarra, on his back an artwork by Nazzarena Poli Maramotti and the curator Davide Ferri, photo by N

It was recently held at the Rome Z20 Sara Zanin Gallery, a talk featuring some of the artists who were part of the exhibition “Average waves in unprotected waters” which here took place, a laudable initiative to question about art, promote its culture and know better the works by artists. The curator of exhibition Davide Ferri explored the concept and dichotomy between the abstract and visual painting, also telling about the idea from which arises the concept and name of exhibition and asking to the brilliant Nazzarena Poli Maramotti and Alessandro Sarra for their point of view concerning some concepts that are the cornerstones of art critique, art history, though they aren’t able to tell and describe the emotion underlying to the artwork and the gesture of artist. That is another story and it was not the core of this laudable moment of culture sharing which made me think again about questions as the communication, expression of art as strong thought and its intelligibility. The experience of art is like a breath, a scent, something entering inside of you and make you feel, think about. To be able to talk about that, it has no need of jumbled architectures, many refined words, it just needs to be simple, immediate and modest. The exasperation of concepts often turns into an onanistic experience which pushes away from vision, understanding of the artwork and dries the knowledge. Modesty has been and is my way to talk about art. That is what I told many years ago to Lòrànd Hegyi (art critic who has been the Director of Vienna Ludwig Modern art Museum and currently manages the Modern Art Museum of Saint- Étienne) when I explained him my way to talk about contemporary art. He smiled me and told me that was also his way, adding he wrote a book on this topic. I smiled him too – though I didn’t write a book on modesty in the art critique-, being very happy to share the same idea with an individual who, instead of me, has made and produced much culture in this field. I also smile now thinking again about that, as well as to this happy circumstance which reminded me something which is part of my life experience, my thought and my doing.

 

“MOTO ONDOSO STABILE” UN DIALOGO SULL’ ARTE ALLA GALLERIA Z2O SARA ZANIN

 

Untitled, oil on canvas, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Si è recentemente tenuto presso la Galleria Z20 Sara Zanin di Roma un talk di cui sono stati protagonisti alcuni degli artisti che hanno fatto parte della mostra “Moto ondoso stabile” che ivi aveva luogo, una lodevole iniziativa per interrogarsi sull’ arte, promuoverne la cultura e conoscere meglio i lavori degli artisti. Il curatore della mostra Davide Ferri ha esplorato la dicotomia tra pittura astratta e visiva, raccontando anche l’ idea da cui è scaturito il concept della mostra e chiedendo alla brillante Nazzarena Poli Maramotti ed a Alessandro Sarra il loro punto di vista inerente alcuni concetti che sono le pietre miliari della critica e storia dell’ arte, benché non siano idonei a raccontare e descrivere l’ emozione sottesa all’ opera d’ arte ed al gesto dell’ artista. Questa è un’ altra storia e non era il cuore di questo lodevole momento di condivisione di cultura che mi ha riportato alla mente alcune problematiche quali la comunicazione, l’ espressione dell’ arte quale pensiero forte e la sua intelligibilità. L’ esperienza dell’ arte è come il respiro, un profumo, qualcosa che entra dentro te e ti fa sentire, pensare. Per parlare di ciò, non sono necessarie farraginose architetture, né tante sofisticate parole, bisogna soltanto essere semplici, immediati e modesti. L’ esasperazione di concetti sovente si trasforma in un’ esperienza onanistica che allontana dalla visione, comprensione dell’ opera d’ arte e inaridisce la conoscenza. La modestia è stato ed è il mio modo di parlar d’ arte. Questo è ciò che ho detto parecchi anni fa a Lòrànd Hegyi (critico d’ arte che è stato Direttore del Museo d’ Arte Moderna Ludwig di Vienna e attualmente dirige il Museo di Arte Moderna di Saint- Étienne) quando gli spiegavo la modalità con cui parlavo di arte contemporanea. Costui mi ha sorriso e mi ha detto che era anche il suo modo, aggiungendo che aveva scritto un libro su questo argomento. Gli ho sorriso anche io – pur non avendo scritto un libro sulla modestia nella critica d’ arte -, essendo oltremodo lieta di condividere la medesima idea con un individuo che, diversamente da me, aveva fatto e prodotto tanta cultura in questo ambito. Sorrido anche adesso ripensando a ciò, come anche a questa felice circostanza che mi ha ricordato qualcosa che fa parte della mia esperienza di vita, del mio pensiero e del mio fare.

 

In un posto nascosto, Nazarena Poli Maramotti, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

 

www.z2ogalleria.it

 

Strumpet & Pink featuring in “Undressed: A Brief History of Underwear at the London Victoria & Albert Museum

The knickers becomes an artwork, that is the core of the couture British brand Strumpet & Pink, created by Lisa Z Morgan and Melanie Propert, which also featured in “Undressed: A Brief History of Underwear”, exhibition held during this year in London at the Victoria and Albert Museum. Catchy are the names of the items – “Princess and the pea”, “Dreaming of Jade”, “Nude eve”, “Fifi”, that talk about lightness, sensuality and poetry, emphasized by retro suggestions and precious materials as silk satin, crepe, tulle and a fine manufacture that depicts a elegance under the sign of a timeless charm.

 

 

IL FASCINO SENZA TEMPO DELLE MUTANDE: STRUMPET & PINK

 

Fifi knickers by Strumpet & Pink

Le mutande diventano un opera d’ arte, questa è il cuore del brand inglese di couture Strumpet & Pink, creato da Lisa Z Morgan e Melanie Propert, che sono state protagoniste di “Undressed: A Brief History of Underwear”, mostra tenutasi quest’ anno a Londra presso il Victoria and Albert Museum. Accattivanti, i nomi dei capi –  “Princess and the pea”, “Dreaming of Jade”, “Nude eve”, “Fifi” – che parlano di leggerezza, sensualità e poesia, enfatizzata da suggestioni retro e materiali preziosi quali il raso, la crêpe di seta, il tulle e di una raffinata manifattura che ritrae un’ eleganza all’ insegna di un fascino senza tempo.

Nude Eve knickers Strumpet & Pink

 

Nude eve knickers by Strumpet & Pink

 

Dreaming of Jade knickers by Strumpet & Pink

 

princess and the pea knickers by Strumpet & Pink

 

Mimi knickers by Strumpet & Pink

 

 

www.strumpetandpink.com

 

 

 

 

 

Deserto, Nazarena Poli Maramotti, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Thinking dynamism, a strategies of lines, which talks about signs, draws, tracks of different paths, by the brilliant Nazzarena Poli Maramotti, along with Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra and Jessica Warboys, the artists featuring in the exhibition “Average waves in unprotected waves” – which is also the title of a celebrated novel by Anne Tyler -, curated by Davide Ferri, running through 2nd February 2018 at the Rome Z2O Sara Zanin Gallery. The suggestive showcase documents the symphony of a gesture, the rush and longing of artist, of whose rhythms, rituals and alchemies tell about the natural world, depicted in its lightness, simplicity and eternal mystery.

IL DINAMISMO PENSANTE: “MOTO ONDOSO STABILE” ALLA GALLERIA Z20 SARA ZANIN DI ROMA

In un posto nascosto, Nazarena Poli Maramotti, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Dinamismo pensante, una strategia delle linee che parla di segni, disegni, tracce di diversi percorsi, della brillante Nazzarena Poli Maramotti, unitamente a Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra e Jessica Warboys, gli artisti che sono protagonisti della mostra “Moto ondoso stabile” – che è peraltro il titolo di un celebre racconto di Anne Tyler -, curata da Davide Ferri  la quale prosegue fino al 2 febbraio 2018 presso la Galleria Z2O Sara Zanin. La suggestiva rassegna documenta la sinfonia di un gesto, l’ impeto e anelito dell’ artista, i cui ritmi, rituali e alchimie raccontano il mondo della natura, colto nella sua leggerezza, semplicità ed eterna imperscrutabilità.

photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

 

www.z2ogalleria.it

Rick Owens, photo by N

It successfully follows, running through 25th March 2018Subhuman Inhuman Superhuman”, the exhibition featuring the work by Rick Owens, told by a catalogue by Electa (embodied in a special box in limited edition including also the unseen perfume he made, civet and grey amber scented). Twenty years are illustrated by memorabilia, catalogues, pictures, some were taken by Rick Castro – one of them features the father of photographer – fetishes, videos telling the artistic path by Owens along with garments and furniture.

Rick Owens, photo by N

The sulfur and timeless atmosphere, emphasized by the site-specific installation created by fashion designer, gives rise to a genuine Gesamkunstwerk, the idea of total work of art by Wagner where different channels of communication dialogue between themselves. The charming showcase depicts signes, ideas, suggestions, one of them reinterprets the performative experience by a legendary artist, Leigh Bowery, drawing a way beyond good and evil, a mystic synaesthesia where the beyond sanctifies human being in its instinctual rush and grotesque romanticism.

Rick Owens, photo by N

Storm and stress, the tension drama of individual, tender and feral, where passion, spiritual energy, reveals also as “friction between the soul and the outer world” (as yesterday the filmmaker Andrej Tarkovskji depicted at best in the masterpiece he made “Stalker”). A not to be missed happening which witnesses an essential chapter of yesterday and today conceptual fashion history.

 

MODA COME GESAMKUNTWERK: RICK OWENS AL MUSEO DELLA TRIENNALE DI MILANO (2)

 

Rick Owens, photo by N

Prosegue felicemente fino al 25 marzo 2018Subhuman Inhuman Superhuman”, la mostra che ha quale protagonista l’ opera di Rick Owens, raccontata da un catalogo di Electa (una special box in edizione limitata che contiene anche il suo profumo inedito allo zibetto e ambra grigia). Un ventennio illustrato da memorabilia, cataloghi, fotografie alcune di Rick Castro – una delle quali ritrae il padre del fotografo -, feticci, video che raccontano l’ iter artistico di Owens unitamente ad abiti e arredi.

 

Rick Owens, photo by N

L’ atmosfera sulfurea e senza tempo, enfatizzata dalla installazione site-specific creata dal fashion designer, dà vita ad un’ autentica Gesamkunstwerk, l’ opera d’ arte totale di wagneriana memoria in cui più canali di comunicazione dialogano tra di loro. L’ affascinante rassegna ritrae, segni, idee, suggestioni, una delle quali reinterpreta l’ esperienza performativa di un artista leggendario, Leigh Bowery, disegnando una via al di là del bene e del male, una mistica sinestesia in cui l’ oltre santifica l’ umano nel suo impeto pulsionale e grottesco romanticismo.

 

Rick Owens, photo by Rick Castro featuring his father, photo by N

Tempesta e impeto, il dramma tensivo dell’ individuo, tenero e ferino, in cui la passione, energia spirituale, si rivela anche quale “attrito tra l’ animo e il mondo esterno” (come ha magistralmente dipinto ieri su pellicola il regista Andrej Tarkowskji nel suo capolavoro “Stalker”). Un evento imperdibile che testimonia un imprescindibile capitolo della storia della moda concettuale di ieri e oggi.

 

Rick Owens, photo by N

 

Rick Owens, photo by N

 

Rick Owens, photo by N

 

Me, myself & I on a furniture by Rick Owens, photo by N

 

www.rickowens.eu

www.triennale.org

 

 

Rick Owens, photo by N

It will be opened tomorrow in Milan at the Triennale Design Museum “Rick Owens. Subhuman Inhuman  Superhuman”, the exhibition – running through 25th March 2018 – documenting the work by the celebrated fashion designer Rick Owens. It is a wide showcase of materials, drawings, pictures, furniture, videos, accessories and garments telling about the suggestions, impulse and the ideas on the move that are the core of his work and poetry. Conflicting, primal impulses are recomposed: the eternal and barbarical, life, death and hope, the solemnity of grotesque, kindness, fierce, heroism and sensuality  is made concrete through a unique play of ensembles and deconstructions giving rise to his sign, talking about his inner alphabet. It is an overwhelming story “about the balance of control – as the fashion designer says – and collapse and the temptation to overdo either”.

Rick Owens ( remindind the work by Leigh Bowery) at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens, photo by N

Rick Owens, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens at ths Triennale Design MuseumRick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

http://www.triennale.org
http://www.rickowens.eu

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

It will be opened on 1st  December 2016 in Rome at the Giustini/Stagetti Galleria O the exhibition “Per filo e per segno” – running through 16th January 2017 – featuring the new rugs and embroideries made by the renowned British designer Allegra Hicks, celebrated name in the realm of textile and interior design. It’s a bright synergy between shapes and colour, focused on creating a new perception of domestic space. That is the research by Hicks, which is embodied in the new works she made that will be presented during this event. Here it will be on show four big wool rugs along with two wide panels that depicts Rome landscapes, reinterpreted by the artist, enriched by the furniture of Modern Italian Design from the collection of gallery, successful way marking the idea of creative: “the rugs must give you the sense of continuity, create an island for the furniture, anchor in the ground”. A not to be missed happening to enjoy the work of a vibrant, eclectic designer.

 

“PER FILO E PER SEGNO”, I NUOVI TAPPETI & PANNELLI DI ALLEGRA HICKS ALLA GALLERIA O GIUSTINI/STAGETTI DI ROMA

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Roman fireworks, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

 

Sarà inaugurata l’1 dicembre 2016 a Roma presso la Galleria O Giustini/Stagetti la mostra “Per filo e per segno” – che proseguirà fino al 16 gennaio 2017 – di cui saranno protagonisti i nuovi tappeti e pannelli realizzati dalla rinomata designer inglese, celebre nome nell’ ambito del textile ed interior design. Una brillante sinergia tra forme e colore, volta a creare una nuova percezione dello spazio. Questa, la ricerca della Hicks che è racchiusa nei suoi nuovi lavori che saranno presentati durante questo evento. Ivi saranno in mostra quattro grandi tappeti unitamente a due ampi pannelli che dipingono le vedute di Roma, reinterpretate dall’ artista, arricchite dagli arredi di Design Italiano Moderno provenienti dalla galleria, felice alchimia che rimarca l’ idea della creativa: il tappeto deve dare il senso di continuità, creare un’ isola per i mobili, ancorarli a terra”. Un evento imperdibile per scoprire e apprezzare l’ opera di una vibrante, eclettica designer.

 

Allegra Hicks, Roman fireworks along with the Modern Italian Furniture collection from the Gallery, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Roman fireworks along with the Modern Italian Furniture collection from the Gallery, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

 

 

http://giustinistagetti.com

www.allegrahicks.com

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A carpet,  timeless story talking about refinement, experimentation, color, craftsmanship where the ancient wisdom meets contemporary times, geometries depicting symbolisms, animistic and shamanic suggestions. This is the vibrant core of new work by brilliant and eclectic designer Stephan Hamel which will feature in the opening of exhibition project “Zitanpixel”, curated by Francesca Alfano Miglietti of whose opening will be held on 9th November 2016 in Milan, at 7:00 pm at Nonostante Marras (awesome space joining and celebrating fashion, art and culture created by the renowned fashion designer Antonio Marras) and will be open to public through 9th January 2017. Color, color and more color, a leitmotiv of the work by Stephan finds a different context, the carpet, object used by gipsy people to feel themselves like being at home everywhere they are. The boho-gipsy elegance makes this object a fetish to have which also embodies an eloquent metaphor of humanity, successfully evoking the uniqueness and complexity of every single life, its texture, the core of color and signs that make it where geometries become the sedimentation of experiences as well as artisanal wisdom. A double reading, a dual path which is drawn  by a not to be missed event to discover, find again and enjoy a way of being, making, creating and an object telling about the lifestyle of contemporary, nomadic globe-trotters.

“ZITANPIXEL”: L’ELEGANZA E UNICITÀ BOHO-GIPSY DI STEPHAN HAMEL DA NONOSTANTE MARRAS

Me, myself & I along with Stephan Hamel, photo by N

Me, myself & I along with Stephan Hamel, photo by N

 

Un tappeto, una storia senza tempo che parla di raffinatezza, sperimentazione,  colore e artigianalità in cui la sapienza antica incontra la contemporaneità, geometrie che raffigurano simbolismi, suggestioni animistiche e sciamaniche. Questo il cuore vibrante del nuovo lavoro del brillante ed eclettico designer Stephan Hamel che sarà  protagonista della opening del progetto espositivo “Zitanpixel”, curato da Francesca Alfano Miglietti la cui opening  si terrà il 9 novembre 2016 alle ore 19:00 a Milano presso Nonostante Marras (meraviglioso spazio che unisce e celebra la moda, l’ arte e la cultura creato dal noto fashion designer Antonio Marras) e sarà aperto al pubblico fino al 9 gennaio 2017. Colore, colore e ancora colore, un leitmotiv dell’ opera di Stephan trova un nuovo contesto, il tappeto, oggetto usato dai gitani per sentirsi a casa ovunque siano. L’ eleganza boho-gipsy rende quest’ oggetto un feticcio da avere che peraltro racchiude in sé una eloquente metafora dell’ umanità, evocandone felicemente l’ unicità e la complessità di ogni vita, della sua trama, del nucleo di colore e segni di cui si compone in cui le geometrie diventano sedimentazione di esperienze nonché  di saggezza artigianale. Una doppia lettura, un percorso dualistico disegnato da un evento imperdibile per scoprire, ritrovare e apprezzare un modo di essere, fare,creare  e un oggetto che racconta il lifestyle dei globe-trotter nomadici contemporanei.

www.stephanhamel.com

www.antoniomarras.com