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Brian Butler, photo courtesy of Brian Butler

Brian Butler, photo courtesy of Brian Butler

Brian Butler, genius filmmaker, performer artist and musician – who featured in many worldwide museums and renowned art events, as well as in the fashion scene, as it is evidenced by the short film he made by teaming with Kenneth Anger years ago for the brand Missoni – explores art and magick (as he uses to name magic, word reminding the one which has used by Aleister Crowley, though the artist wants differentiating from that) through his work. This is the core of his life and work, giving rise to an intense, strong imagery, where it shines the cult of senses, perception and its subversion, being some leitmotivs marvelously embodied in his works as his last one, “Choronzon working destroys minds”, a ritualistic performance enhanced by paradoxical sound frequencies, atmospherical ionization, strobostopic effects, electrostatic generators, augmented realities and the real volcano which will be staged in Stromboli on 17th July 2015 and accompanied by the screening of the cult film by the visionary Kenneth Anger “Lucifer Rising” and it will open the 2015 edition of Volcano Extravaganza, “In favour of a total eclipse”, not to be missed happening, organized by the Fiorucci Art Trust and curated by Milovan Farronato. Brian, nice individual – who is currently in Stromboli to end the works for performance – talked about this project as well as about the meaning magic in the short following interview.

Magic as source of culture, consciousness and inspiration, to which extent it does feature in your life?

“100 percent – it does with everyone really – the important thing to realize is every act is a magical act”.

Art and magic, could you talk me about this dialogue which is impressed in your work?

“Magick(spelled with a k to differentiate it from vulgar forms by Aleister Crowley) is an Art and Science. Both of these to me are the same”.

Could you talk me about with your work with Kenneth Anger, how did it start?

“It started like most things -at the beginning. We had a few things in common such as being on time and communicating without speaking”.

You will star in the 2015 edition of art event Volcano Extravaganza, “In favour of a total eclipse”, presenting a performance, what is the idea which is embodied in it?

“I decided to take on the most dangerous and powerful occult ritual ever known. The evocation Choronzon”(I quote Aleister Crowley to depict the core of this ritual: “the name of the Dweller in the Abyss is Choronzon, but he is not really an individual. The Abyss is empty of being; it is filled with all possible forms, each equally inane, each therefore evil in the only true sense of the word-that is, meaningless but malignant, in so far as it craves to become real. These forms swirl senselessly into haphazard heaps like dust devils, and each such chance aggregation asserts itself to be an individual and shrieks, “I am I!” though aware all the time that its elements have no true bond; so that the slightest disturbance dissipates the delusion just as a horseman, meeting a dust devil, brings it in showers of sand to the earth.”).

What are your forthcoming projects?

“After I leave the Stromboli island I am travelling to London for working on my feature film “The Great Beast”, a biopic based on the life of Aleister Crowley”.

ART & MAGICK: UNA CONVERSAZIONE CON BRIAN BUTLER

Brian Butler, geniale regista, performer artist e musicista – protagonista in vari musei di tutto il mondo e in rinomati eventi d’ arte, come anche nell’ ambito della moda, come felicemente dimostra il cortometraggio da lui realizzato anni fa collaborando con Kenneth Anger per il brand Missoni – esplora arte e “magick” ovvero la magia attraverso il suo lavoro (così è solito chiamarla, lemma che richiama il termine usato da Aleister Crowley, benché l’ artista voglia da esso differenziarsi). Questo è il cuore della sua vita e della sua opera che dà vita a un intenso, forte immaginario in cui splende il culto dei sensi, la percezione e la sua sovversione, alcuni motivi ricorrenti racchiusi nei suoi lavori, come l’ ultimo “Choronzon working destroys minds”( “Choronzon lavorando distrugge le menti”, una performance ritualistica arricchita da paradossali frequenze sonore, ionizzazione atmosferica, effetti strobostopici, generatori elettrostatici e dal vulcano che sarà allestita a Stromboli il 17 luglio 2015, sarà accompagnata dalla proiezione della pellicola di culto del visionario Kenneth Anger “Lucifer Rising” e aprirà l’ edizione 2015 di Volcano Extravaganza, “In favour of a total eclipse”, happening imperdibile, organizzato dal Fiorucci Art Trust e curato da Milovan Farronato. Brian, simpatica individualità che è al momento a Stromboli a ultimare i lavori per la performance – ha parlato di questo progetto ed anche di arte e magia nella breve intervista che segue.

Magia come fonte di cultura, consapevolezza e ispirazione, in che misura è protagonista della tua vita?

“ Il 100 per cento – lo è davvero per tutti – la cosa importante da capire è che ogni singola azione è un’ atto di magia”.

Arte e magia, mi parli di questo dialogo che è impresso nel tuo lavoro?

“Magick(sillabato con una k per differenziarlo dalle forme volgari di Aleister Crowley) è un’ arte ed una Scienza. Ambedue sono la medesima cosa per me”.

Mi racconti del tuo lavoro con Kenneth Anger, come ha avuto inizio?

“É cominciato come la maggior parte delle cose – in principio. Avevamo un paio di cose in comuni come l’ essere puntuali e il comunicare senza parlare”.

Sarai protagonista dell’ edizione 2015 dell’ evento d’ arte Volcano Extravaganza, “In favour of a total eclipse”, presentando una performance, qual’ è l’ idea in essa racchiusa?

“Ho deciso di impegnarmi nel più pericoloso e potente rituale occulto che sia mai stato conosciuto. L’ evocazione Choronzon”(cito Aleister Crowley per dipingere il nucleo di questo rituale: il nome dell’ Abitante dell’ Abisso è Choronzon, ma non è in realtà un individuo. L’ Abisso è privo di essere; è colmo di tutte le forme possibili, ognuna ugualmente insulsa, ognuna perciò malvagia nel vero senso della parola –ciò è, inutile ma maligno, fin quando non desidera diventare reale. Queste forme vorticano alla cieca all’ interno di mucchi disordinati come turbini, ed ognuna di queste possibilità di aggregazione afferma di essere un individuo e urla, “Io sono io!”, pur consapevoli tutto il tempo che i propri elementi non abbiano un vero legame; al punto che il più sottile disturbo fa sparire la delusione come un fantino, che incontra un turbine, lo porta in pioggia di sabbia sulla terra.”).

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

“Dopo Volcano Extravaganza, mi dirigerò a Londra per lavorare al mio lungometraggio “The Great Beast”( “La Grande Bestia”), un film biografico che si basa sulla vita di Aleister Crowley”.

brian

www.brianbutler.com

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Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

It’s black, black and still black. Lights and shadows, rarefied atmospheres, eroticism and sensuality, rush and passion join to the grotesque and drama. A primordial lyricism talking about openness, sharing and humanity and subverts the cliches of conventional thought. A hug on film wrapping and revealing the quintessence of man. This is the dark, deep and delicate sign of Mustafa Sabbagh, a simplicity reminding of the verses by Patrizia Cavalli (“it’s all so simple…yeah it was so simple, that is the evidence, I almost don’t believe that. For that it’s necessary the body: you touch me or you don’t touch me, you hug me or you distance me, the rest is for lunatics”). It’s an very intimate experience to talk about the Jordan artist, as I was pleased to collaborate with him months ago, share moments of life and creativity, know the artist as well the man and appreciate his genius, deepness and great aesthetic sensitiveness, container of a libertarian ethic, but especially because, talking about him, I talk about myself or rather about a world, a vision of the world and a thought which is deeply alike: sceneries telling about the man and celebrating the life in passion, pulsations and strength. His art, giving rise to many aesthetic references, featuring the grotesque as non-conventional standard of beauty, is explored by the body, the nude and recently by the black. This color – telling also about myself – is the leitmotiv of the new series of works he made which will be presented during “Risen from the dead”, solo exhibition – curated by Roberto Rattiwhich will be opened on 15th May 2014 in Bergamo at the Traffic Gallery. This is one of the three exhibitions that are held in Italy, featuring Mustafa. In fact it runs through 1st June 2014 in Sassuolo at the Magazzini criminali-Paggeria arte the solo exhibition “Almost true-Drusilla manent” and “Delightful horror”, solo exhibition that will be opened on 23rd May in Milan at the Format gallery. A vibrant artist, a bright and generous man who talked about himself and his art with simplicity and genuineness, telling about himself in the following interview, a conversation made of assonances, vibrations and correspondences about the black and its blazes and about the lights and shadows of humanity.

The blaze of black, light embodied in your new works about those I would want knowing more concerning its rise, could you talk me about that?

“The rise of black work is in the spirit of daring, but especially in an intimate need of reflection I had.

Naturally these works are a technical dare, concerning a realm which is more specifically forma: to take a picture of the #000, to give deepness to that color which is par excellence a non-color, is what I mean when I talk about the return to the “art in limb” – art as manual and material ability, and which is not just, or not only, conceptual.

Anyway the series of black works arises first of in the 1999, restarted now due the coincidence with my thought about the current unhappy time in the social and cultural realm. I tried to give multidimensionality to the color as a try for evidencing the black, the more black of black, by using the art as a metaphor of society, has more deepness, more lights, more interpretations….and openness.

After all, who did decide the black personifies the negativity? It’s one of many mental, mistifying stocks and resulting from different kinds of legacy, we take for granted due to that terrible machinery which is called “conformism”. I switch off the light to relax myself…”.

 

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Your photographs make concrete an unique style giving rise to many assonances as the sense of drama Artemisia Gentileschi, Caravaggio and Bacon, the fetishism by Pierre Molinier and his suggestions beyond gender, the grotesque by Leigh Bowery. To which extent these suggestions did influence or are inspired you?

“I love every artist you mentioned, and I could mention other thousand of artists, coming from the film to visual arts, from literature to fashion, including also the people who marked my life in certain times, the ones who make take in the present, the ones who will do that in the future…but it would be just only a list of names, and the list of names aren’t so much fruitful”.

What I can tell you it’s I am a vampire sucking, a sponge absorbing, also being unconscious, and I am sure – as I experiment it on my own skin, moment after moment – all of the suggestions I escheat, sooner or later they re-emerge in my compositions, I feed myself with them like a vampire and I release them like a sponge, sifted by the filter of my conscious and unconscious rework.

It’s not all about where do you bring, it’ about where do you take…”.

 

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Nudity, essentiality and eroticism, to which extent do they become part of your work and you as individual?

“It’s to the extent I am what I photograph, considering that my shoots are all genuinely selfies. Nudity essentiality and eroticism are so much part of my photographs as well as they are part of my life –exactly as well as my perception of beauty and ugliness, fear and joy, all of that makes me a man.

I tell you that in the more Terencean sense of word”.

 

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

What are the projects you are working on?

“I would take me a time for relax myself after the three solo exhibitions we will open in May and before an exhibition which will be held on October in Lausanne (anyway I don’t know to which extent I will be able to do that) to recharge my batteries and focus on new projects now I keep lovingly on my mind.

After all it has always been the mind, the favorite starting point of my best journeys…”.

THE NEW BLACK: L’ ARTE & LE MERAVIGLIE DI MUSTAFA SABBAGH

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Nero, nero e ancora nero. Luci e ombre, atmosfere rarefatte, erotismo e sensualità, impeto e passione si uniscono al grottesco e al dramma. Un lirismo primordiale che parla apertura, condivisione, umanità e sovverte i clichés del pensiero convenzionale. Un abbraccio su pellicola che avvolge e svela la quintessenza dell’ uomo. Questo è il segno oscuro, profondo e delicato di Mustafa Sabbagh, un’ essenzialità che ricorda i versi di Patrizia Cavalli (“è tutto così semplice…sì era così semplice, è tale l’ evidenza, che quasi non ci credo. A questo serve il corpo: mi tocchi o non mi tocchi, mi abbracci o mi allontani. Il resto è per i pazzi”). Parlare dell’ artista giordano è un’ esperienza estremamente intima, avendo avuto il piacere di collaborare con lui mesi fa e condividere attimi di vita e creatività, conoscere oltre all’ artista l’ uomo e apprezzarne l’ acume, la profondità e la grande sensibilità estetica, contenitore di un’ etica libertaria, ma soprattutto perché parlando di lui, parlo anche di me stessa o meglio di un mondo, una visione del mondo e un pensiero profondamente affine: scenari che raccontano l’ uomo e celebrano la vita in passione, pulsazioni e forza. La sua arte, che si presta a plurimi riferimenti estetici, di cui è protagonista il grottesco quale standard anticonvenzionale di bellezza, è esplorata attraverso il corpo, il nudo e da ultimo il nero. Questo colore – che racconta anche me stessa – è il leitmotiv della sua nuova serie di opere che sarà presentata in occasione di “Risen from the dead”, personale – curata da Roberto Rattiche sarà inaugurata il 15 maggio 2014 a Bergamo presso la Traffic Gallery. Questa è una delle tre mostre che si tengono in Italia di cui Mustafa è protagonista. Prosegue infatti a Sassuolo presso i Magazzini criminali-Paggeria arte fino al 1° giugno 2014 la personale “Almost true-Drusilla manent” e “Delightful horror”, personale che sarà inaugurata il 23 maggio a Milano presso la Format gallery. Un vibrante artista, un uomo brillante e generoso che ha parlato di sé e della sua arte con semplicità e genuinità, raccontandosi nell’ intervista che segue, una conversazione fatta di assonanze, vibrazioni e corrispondenze sul nero e i suoi bagliori e sulle luci e ombre dell’ umanità.

Il bagliore del nero, luce racchiusa nelle tue nuove opere di cui vorrei sapere di più in merito alla loro genesi, me ne parli?

“La genesi dei neri sta nello spirito di sfida, ma soprattutto in una mia intima esigenza di riflessione.

In ambito più specificamente formale, questi lavori sono certamente una sfida tecnica: fotografare lo #000, fornire profondità al colore per antonomasia non-colore, è ciò che intendo quando parlo di ritorno all’ “arte nell’arto” – l’arte come capacità manuale e materiale, e non più, o non soltanto, concettuale.

Ma la serie dei neri nasce innanzitutto nel lontano 1999, ripresa ora in coincidenza con il mio ragionamento sull’attuale momento infelice, dal punto di vista sociale e culturale. Ho cercato di dare multidimensionalità al colore come tentativo di dimostrazione che anche il nero più nero, usando l’arte come metafora della società, ha più profondità, più luci, più chiavi di lettura… e di apertura.

Del resto, chi ha deciso che il nero incarna il negativo? È uno dei tanti stock mentali, mistificanti e figli di vari tipi di retaggio che diamo per buoni a causa di quel meccanismo agghiacciante che si chiama “conformismo”. Io, per rilassarmi, spengo la luce…”.

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Le tue fotografie concretizzano uno stile unico che si presta a molteplici assonanze quali il senso del dramma di Artemisia Gentileschi, Caravaggio e Bacon, il feticismo di Pierre Molinier e le sue suggestioni beyond gender, il grottesco di Leigh Bowery. In che misura queste suggestioni ti hanno influenzato o ispirato?

“Amo ognuno degli artisti che hai citato, e potrei citartene almeno altri mille, dal cinema alle arti figurative, dalla letteratura alla moda, fino a parlarti delle persone che hanno segnato la mia vita in determinati periodi, quelle che lo fanno nel presente, quelle che lo faranno in futuro… ma non sarebbe altro che una lista di nomi, e le liste di nomi non sono poi così feconde.

Quello che posso dirti è che sono un vampiro che succhia, sono una spugna che assorbe, anche inconsapevolmente, e so per certo – perché lo sperimento sulla mia pelle, momento per momento – che tutte le suggestioni da me incamerate prima o poi riaffiorano nelle mie composizioni, come un vampiro me ne nutro e come una spugna le rilascio, setacciate attraverso il filtro della mia rielaborazione – conscia e inconscia.

Non è da dove prendi, è dove porti…”.

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Nudità, essenzialità ed erotismo, in che misura queste ultime diventano parte della tua opera e della tua individualità?

“Nella misura in cui io sono ciò che fotografo, al punto che i miei scatti, in realtà, sono tutti autoscatti. Nudità, essenzialità ed erotismo, così fanno parte delle mie foto tanto quanto fanno parte della mia vita – esattamente come la mia percezione di bellezza e di bruttezza, di paura e di gioia, di tutto ciò che mi fa uomo.

Nel senso più terenziano del termine”.

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

Quali sono i progetti che hai in cantiere?

“In cantiere? Direi più in bottega…

Dopo le tre personali che inaugureranno a maggio, e prima di una mostra a Losanna ad ottobre, vorrei prendermi un periodo di riposo (in realtà, non so quanto ne sarò capace) per ricaricarmi e per mettere a fuoco nuovi progetti che, per ora, accudisco amorevolmente in mente.

Del resto è stata sempre la mente, il punto di partenza privilegiato dei miei migliori viaggi…”.

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

 

mustafa 3

 

 

Mustafa Sabbagh

Mustafa Sabbagh

 

 

www.mustafasabbagh.com

 

 

 

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

The release of “Pierrot Lunaire”, new film by Bruce LaBruce, awarded during the latest edition of Berlin International Film Festival with the jury award, has been the successful chance of talking with him about gender, dandyism, love and freedom. The movie he made reinterprets the work by Schönberg, joining to a true story, emphasized by a marvelous photography depicting that queercore aesthetics which made famous the brilliant Canadian filmmaker, dressed up by Expressionist suggestions. It’s an engaging drama giving rise to many reflections about the gender, the freedom of constructing its own dimension and much other. A smashing conversation, embodied in the following interview, as it always happen when I talk with him, pleasant interlude where it shines ideas and visions, those libertarian and libertine ideas, precious, deep words revealing a way of thinking I share and celebrate.

How does it arise Pierrot Lunaire?

“I was approached by the actor Susanne Sachsse and the conductor Premil Petrovic in 2011 to direct a stage version of Schoenberg’s Pierrot Lunaire, with Susanne as Pierrot and Premil conducting the music. We mounted the production at the Hau Theater in Berlin, at the beautiful old Hebbel Am Ufer Theater, and I was quite pleased at how it turned out. I had some good documentation of two of the four performances, which gave me the idea to turn it into an experimental film. So I got funding from the Ontario Arts Council in Canada and my producer Jurgen Bruning got some money from the Medienboard in Berlin so that we could shoot additional material to combine with the stage footage to make the movie”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

 

That queercore aesthetics – which is a leitmotiv of your work – now joins to Expressionist suggestions on film, does it result from the theme of movie or instead does it just depict the current dimension of your creative path?

“I’ve always been drawn to German Expressionism, and my interpretation of Pierrot Lunaire gave me the opportunity to explore the aesthetic. I used the conventions of silent film – the overly emotive acting, the intertitles, the melodrama – combined with nods to German Expressionism and Grand Guignol. When I discovered that Schönberg had been heavily influenced by Grand Guignol, the project really began to make sense to me. Grand Guignol was a French theatrical movement in the late 19th Century characterized by the grotesque and the macabre, set in a working class milieu. Decadent yearnings, guilt, and graphic horrors, such as decapitation and amputated body parts, and altered states of consciousness brought on by drugs or hypnosis, were common themes. Even the guillotine, which I incorporated for the “dick-apitation”, was often featured in Grand Guignol!”

Your Pierrot Lunaire follows the same structure of one by Schönberg, though the main difference is Pierrot’s gender. Why did you choose of making a female Pierrot who plays and wants being a man?

“I was intrigued by the fact that in the late 19th Century and early 20th Century, the Cult of Commedia turned Pierrot into a female character. In the 16th Century, Pierrot was a male character who mourned the loss of his wife. As he evolved, he became a powerless, unmanly, brooding, manipulative and obsessively passionate figure, isolated and prone to jealousy and violence. This apparently translated into females playing the role! This cross-gendered role playing gave me the idea to apply the Schönberg piece to a true story that has become a kind of urban legend in Toronto. In the late seventies, a young woman who lived as a man was found out to be a “gender impostor” by his girlfriend’s wealthy father, who forbade him from ever seeing his daughter again. Desolate and enraged, he hired a cab, drove to the outskirts of town, murdered the cab driver and cut off his genitals, and crazy-glued them to his vagina. He then went to show his “real” cock to his girlfriend and her father. It seemed to me like the perfect story for Pierrot Lunaire”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

The gender in the story represents the personal tragedy of Pierrot and also an artifice, emphasized by the chapter of movie titled “the dandy”, concerning Pierrot. Why did you use this archetype, is it due to the attitude having both Pierrot and the dandy who follow and/or embody an artificial ritual which becomes lifestyle (oriented to externality in order to be recognized in the way one presents oneself, appear and it does not concern the way of being) or does it arise from other?

“The Dandy archetype is a performative interpretation of masculinity with a feminine edge. “Pure” masculinity is supposed to be natural, unaffected, and unconscious. The Dandy, who is very consciously presenting an image, is already “betraying” this “pure” masculinity. The fastidiousness and theatricality of the Dandy image also go against traditional ideas of masculinity. My film is very much about the performance of gender. Pierrot, a biological female, performs masculinity in his everyday life, and on stage performs a Deitrich-type character – a female performing as a male. So there is layer upon layer of gender performance. The father performs his masculine drag on stage (in Pierrot’s mind), and even Columbine performs femininity, the character played by two different actresses. The male dancers at the burlesque house also perform their masculine drag for Pierrot, a woman posing as a man pretending to be interested in men as sex objects, but actually really wanting to become them and to possess their penises! It’s very complex!

If the dandy would correspond to this artificial image, he would be an empty container of elegance, a mere surface justifying and being the necessary and sufficient condition for its existence, do you agree with that and more specifically what do you think about the archetype of dandy?

“I like this contradiction, that the Dandy performs a kind of “feminized masculinity”. Pierrot in my movie is identified as a “butch dandy”, i.e., he is a biological female performing a more masculine version of the feminized male, perhaps overcompensating for his biological lack as a male. Of course with so many layers of artifice and performance, ultimately one runs the risk of peeling back all the layers to find nothing beneath – an emptiness or void”.

To which extent the stereotypes, misunderstandings, repressions of behavior and frustrations does arise from the paradigm of gender?

“Gender can be very unimaginative and traditional. Obviously even people who are transgendered often succumb to traditional gender stereotypes: the trans-female who tries to be even more feminine than a “real” woman, to outperform her, or the trans-male who overcompensates with macho behavior and a super-swaggering masculinity that can even be hostile to women. But there are also transgendered people who more imaginatively balance masculinity and femininity, or who transcend both by becoming something completely other”.

 

still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Do you think which is possible to go beyond gender in the human interaction without being marginalized? (it is not about to break of superstructures, it’s about to make them more flexible)

“I’m not always convinced that marginalization has to be such a negative state. If one celebrates difference and uniqueness, one necessarily exists as a kind of outsider. One is going against the grain, being a nonconformist in a conformist world. The most mistrusted people in the world are those who don’t present a recognizable or reassuring image of gender. They are considered pariahs”.

Do you think the genderization of society, human relationships is a easier way to control the masses, though it makes the individual less free?

Well, for me it signifies more a lack of imagination, or even laziness . It’s much easier for parents to impose certain strict gender configurations onto their children, and it’s easier to get by in the world if one conforms to predefined roles. Sometimes it’s also a matter of going against nature or biology, which could be construed as a kind of freedom. But not everyone has the “stomach” for it!

Does the transgender or all the gender neutral approaches and individuals featuring in the contemporary times (as it is evidenced in the life and work of Justin Vivian Bond) represent the freedom, the emancipation of an individual from a genderizing society which divides and creates categories, ghettos by using gender?

“I find artists like Justin Vivian BondVaginal Davis and Zachary Drucker really inspiring because they present such a complex and individualistic and fluid expression of gender. These are people who are unique; they are their own category. Their personae challenge all sorts of conceptions and misconceptions about both masculinity and femininity, and throw into doubt their mutual exclusiveness”.

Gender is not sex, another issue featuring in the film, considered as strictly connected to love, the love of Pierrot for Columbine, a romantic vision, is this idea part of you?

“Love and romance always present the opportunity to transcend gender. One can form a romantic attachment to not only a person, but also to an idea, a movement, an object. If love is blind, then it can be blind to gender. It’s a transcendental force”.

What are your forthcoming projects?

I am developing several film projects, including Ulrike’s Brain, a kind of sequel to my movie The Raspberry Reich, having to do with feminist revolutionaries. I will also be releasing my own perfume later this year, as a kind of performance. It is called “Obscenity”.

 

GENDER, DANDISMO, AMORE & LIBERTÀ: UNA CONVERSAZIONE SEMPLICE CON BRUCE LABRUCE

 

L’ uscita di “Pierrot Lunaire”, nuova pellicola di Bruce LaBruce, insignita del premio della giuria durante l’ ultima edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino, è stata la felice occasione per parlar con lui di gender, dandismo, amore e libertà. Il suo film reinterpreta l’ opera di Schönberg, che si unisce a una storia vera, enfatizzata da una meravigliosa fotografia che dipinge quella estetica queercore che ha reso famoso il brillante regista canadese, condita da suggestioni espressioniste. È un avvincente dramma che dà vita a plurime riflessioni riguardo al gender, alla libertà di costruirsi la propria dimensione e molto altro. Una formidabile conversazione, racchiusa nell’ intervista che segue, come sempre accade quando parlo con lui, piacevole interludio in cui splendono idee e visioni, quelle idee libertine e libertarie, preziose, profonde parole che svelano un modo di pensare che condivido e celebro.

Come nasce Pierrot Lunaire?

“Sono stato avvicinato dall’ attrice Susanne Sachsse e dal direttore d’ orchestra Premil Petrovic nel 2011 per dirigere una versione teatrale del Pierrot Lunaire di Schönberg’s con Susanne nei panni di Pierrot e Premil che dirigeva la musica. Abbiamo allestito la produzione presso il Teatro Hau a Berlino, nella bel vecchio Teatro Hebbel Am Ufer, mi ha davvero rallegrato il modo in cui è stato prodotto. Avevo un po’ di documentazione di due delle quattro performance, che mi ha dato l’idea di trasformare ciò in una pellicola sperimentale. Così ho ottenuto i finanziamenti dall’ Ontario Arts Council in Canada e il mio produttore Jurgen Bruning ha ottenuto del denaro da Medienboard a Berlino sicché abbiamo potuto girare ulteriori scene da unire al filmato dello spettacolo per realizzare il film”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

 

L’ estetica queercore – che è un leitmotiv della tua opera – si unisce adesso a suggestioni espressioniste, ciò deriva dal tema del film o invece dipinge soltanto l’ attuale dimensione del tuoi iter creativo?

“Sono stato sempre attratto dall’ espressionismo tedesco, e la mia interpretazione di Pierrot Lunaire mi ha offerto la possibilità di esplorare l’ estetica. Ho usato i paradigmi del cinema muto – la recitazione oltremodo capace di generare emozioni, gli inter-titoli, il melodramma – abbinato ai gesti dell’ espressionismo tedesco e del Grand Guignol. Quando ho scoperto che Schönberg è stato pesantemente influenzato dal Grand Guignol, il progetto ha davvero iniziato ad avere un senso per me. Il Grand Guignol era un movimento teatrale francese della fine del 19° secolo, caratterizzato dal grottesco e dal macabro, allestito in contesto da classe operaia. Decadenti desideri, il senso di colpa e crudi abomini come la decapitazione e l’ amputazione di parti del corpo, e stati di coscienza alterati derivanti dalle droghe o dall’ ipnosi erano temi comuni. Anche la ghigliottina, che ho incorporato per la “dick-apitation” (“decapitazione del cazzo”), era spesso protagonista del Grand Guignol!”

 

Il tuo Pierrot Lunaire segue la medesima struttura di quello di Schönberg, benché la principale differenza sia il gender di Pierrot. Perchè hai scelto di realizzare una versione femminile di Pierrot che recita la parte dell’ uomo e vuole esser uomo?

“Sono stato intrigato dal fatto che alla fine del 19° secolo e l’ inizio del 20° secolo il culto della Commedia dell’ Arte aveva trasformato Pierrot in un personaggio femminile. Nel 16° secolo Pierrot era un personaggio maschile che piangeva la perdita della moglie. Quando si è evoluto, è divenuto una figura inerme, effeminata, pensierosa, manipolatoria ed ossessivamente appassionata, solitaria e prona alla gelosia e alla violenza. Questo è stato tradotto in donne che recitavano il ruolo! L’ interpretazione di questo ruolo cross-genderizzato mi ha dato l’ idea di applicare l’ opera di Schönberg a una storia vera che è divenuta una sorta di leggenda metropolitana a Toronto. Alla fine degli anni Settanta una giovane donna che viveva come un uomo è stata scoperta di essere “un impostore nel genere” dal benestante padre della sua ragazza che gli ha proibito di vedere sua figlia nuovamente. Afflitto e infuriato ha chiamato un taxi, si è diretto nella periferia della città, ha assassinato il tassista e gli ha tagliato i genitali e li ha follemente incollati alla sua vagina. Poi si è recato a mostrare il suo “vero” cazzo alla sua ragazza e al padre di lei. Mi sembrava la storia perfetta per Pierrot Lunaire”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Il gender nella storia rappresenta la tragedia personale di Pierrot e anche un artificio, enfatizzato dal capitolo del film intitolato “il dandy” che riguarda Pierrot. Perchè ti sei avvalso di questo archetipo, è dovuto al fatto che sia Pierrot sia il dandy seguono e/o racchiudono in sé un rituale artificiale che diventa uno stile di vita(orientato all’ esternalità al fine di essere riconosciuti nel modo in cui uno si presenta, appare e non riguarda il modo in cui si è) o deriva da altro?

“L’ archetipo del dandy è una interpretazione performativa di mascolinità con una punta femminile. La “pura” mascolinità si presume esser naturale, spontanea e inconsapevole. Il dandy, che sta presentando molto consapevolmente un immagine, sta già tradendo questa mascolinità “pura”. La meticolosità e la teatralità dell’ immagine del dandy va anche contro l’ idea tradizionale di virilità. Il mio film riguarda molto la messa in scena del gender. Pierrot, una donna dal punto di vista biologico, inscena la mascolinità nella sua quotidianità e sul palcoscenico recita un personaggio alla Dietrich – una donna che si esibisce come un uomo. Così c’è  una stratificazione della rappresentazione del gender. Il padre rappresenta il suo travestimento maschile sul palco (nella mente di Pierrot) ed anche Colombina, inscena la femminilità, il personaggio interpretato da due diverse attrici. I ballerini alla casa del burlesque inscenano anche il loro travestimento da uomo per Pierrot, una donna che si atteggia da uomo, finge di essere interessata agli uomini come oggetti sessuali, ma allo stato attuale vuole solo essere come loro e possedere i loro peni! È una situazione molto complessa!”

Se il dandy corrispondesse a questa immagine artificiale, sarebbe un vuoto contenitore di eleganza, una mera superficie che giustifica ed è la condizione necessaria e sufficiente per la sua esistenza, sei d’ accordo e più specificamente che ne pensi dell’ archetipo del dandy?

“Mi piace questa contraddizione, che il dandy rappresenti una sorta di “virilità femminilizzata”. Pierrot nel mio film è identificato come “un dandy mascolinizzato”, esempio, è biologicamente donna che rappresenta una versione più maschile dell’ uomo femminilizzato, forse per sovracompensare la sua deficienza biologica come uomo. Naturalmente con molteplici strati di artificio e rappresentazione, in ultimo uno corre il rischio di rimuovere tutti gli strati per trovarci dietro nulla – un vuoto o lo spazio”.

In che misura gli stereotipi, le incomprensioni, le repressioni del comportamento derivano dal paradigma del gender?

“Il gender può essere molto privo di fantasia e tradizionale. Ovviamente anche le persone che sono transgenderizzate sovente soccombono dinanzi ai tradizionali stereotipi di genere: la trans-femminile che prova ad essere ancora più femminile di una “vera” donna, di superarla, o il trans-maschile che sovracompensa con il comportamento da macho e una super-spavalda virilità che può risultare anche avversa alle donne. Ma ci sono anche altre persone transgenderizzate che con più fantasia bilanciano virilità e femminilità o trascendono entrambe per diventare completamente qualcos’ altro”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Pensi che sia possibile andare oltre il gender nella interazione senza essere marginalizzati? (non è una questione di rompere le sovrastrutture, ma di renderle più flessibili)

“Non sono sempre convinto che la marginalizzazione debba essere una condizione del tutto negativa. Se si celebra la differenza e l’ unicità, si esiste necessariamente come una sorta di outsider. Si va contro il grano, si è anticonformista in un mondo conformista. Le persone più guardate con diffidenza al mondo sono quelle che non presentano una riconoscibile o rassicurante immagine di genere. Sono considerati dei reietti”.

Ritieni che la genderizzazione della società, delle relazioni sia un modo più facile per controllare le masse, anche se rende l’ individuo meno libero?

“Bene, per me equivale più a una mancanza di immaginazione o anche pigrizia. È molto più facile per i genitori imporre alcuni strette configurazioni di gender nei bambini ed è più facile cavarsela nel mondo conformandosi a ruoli predefiniti. Qualche volta è anche un problema di andar contro la natura o la biologia che potrebbe esser costruito come una sorta di libertà. Ma non tutti hanno “lo stomaco” per fare ciò!

Il transgender o tutti gli approcci e individui neutrali al gender protagonisti della contemporaneità (come si evince nell’ opera e nella vita di Justin Vivian Bond) rappresenta la libertà, l’ emancipazione dell’ individuo da una società genderizzante che divide e crea categorie, ghetti avvalendosi del gender?

“Trovo che artisti come Justin Vivian Bond, Vaginal Davis e Zachary Drucker siano davvero di grande ispirazione perché presentano un espressione del gender estremamente complessa, individualistica e fluida. Queste sono persone che sono uniche, sono la loro stessa categoria. La loro personalità cambia ogni sorta di concezione e idee sbagliate riguardo alla virilità e femminilità e mette in dubbio la loro esclusività reciproca”.

Il gender non è il sesso, un’ altra questione protagonista della pellicola, considerata strettamente legata all’ amore, all’ amore di Pierrot per Colombina, una visione romantica, questa idea fa parte di te ?

“L’ amore e la storia d’ amore offrono sempre la possibilità di trascendere il gender. Si può creare un attaccamento romantico non soltanto verso una persona, un’ idea, un movimento, un oggetto. Se l’ amore è cieco, può quindi esser cieco al gender. É una forza transcendentale”.

Quali sono i progetti che hai in cantiere?

“Sto sviluppando diversi progetti cinematografici, che includono Ulrike’s Brain, una sorta di sequel del mio film The Raspberry Reich che ha a che fare con le rivoluzionarie femministe. Lancerò anche il mio profumo nell’ arco di quest’ anno come una sorta di performance. È chiamato “Obscenity”.

Bruce LaBruce

Bruce LaBruce

www.brucelabruce.com

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South is nothing”, the first feature film by the brilliant Reggio Calabria filmmaker Fabio Mollo, comes in Rome, after the success got at the Toronto Film Festival and runs in the Rome Film Festival. The movie, a drama which is full of feelings and hopes, set in Reggio Calabria, produced by B24 film in collaboration with RAI Cinema and interpreted by Vinicio Marchioni, Miriam Karlkvist and Valentina Lodovini, will be screened on 13th November at 11:30 am, a screening for schools featuring the movie in the section “Alice nella città” at 4:30 pm at the Auditorium, Sala Santa Cecilia and will be in the cinemas since 28 November. The film – which is the development of short film “Giganti” -, talks about the big pain and confusion of a family, a sister, Grazia, a teenager who lost her brother. A personal suffering overlapping with an atavic suffering, the degrading emptiness of a community being  hard put where “South is nothing” – as the granny of Pietro asserts – “and nothing happens”. A provocative assertion being the title of movie about which  movie’s title Fabio Mollo talked in the following interview.

How does it arises “The South is nothing”, a drama talking about a sad status quo as well as love and hope?

“The inspiration of movie is its own title “The South is nothing”. It’s a provocation to that mentality under the sign of code of silence and resignation with which many generations have educated. It’s a story of young anger and breach of that mentality. It’s a dramatic movie having strong elements of magic realism”.

The film is set in Reggio Calabria, city where – like me – you are born , what are the past and present memories, emotions connected to it?

“I think and hope the movie doesn’t talk just only about Reggio Calabria, but it tells about the story of a generation as a whole. Reggio it’s a starting point, where the Straight of Messina, with its strips of land being extremely close, but separated forever, becomes metaphor of movie’s characters.”

What are the ideas you are working on?

“To make always projects that are ambitious and necessary”.

 

“IL SUD É NIENTE” DI FABIO MOLLO AL FESTIVAL DEL CINEMA DI ROMA

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Il Sud è niente”, il primo lungometraggio del brillante regista reggino Fabio Mollo, dopo la felice accoglienza al Toronto Film Festival, giunge a Roma  e partecipa al Festival del Cinema di Roma. Il film, una dramma pieno di sentimenti e speranze, ambientato a Reggio Calabria, prodotto da B24 film in collaborazione con RAI Cinema e interpretato da Vinicio Marchioni, Miriam Karlkvist e Valentina Lodovini, sarà proiettato martedì 13 novembre alle ore 11:30, una proiezione per le scuole essendo il film incluso nella sezione “Alice nella città” alle ore 16:30 presso l’ Auditorium, Sala Santa Cecilia e sarà nei cinema a partire dal 28 novembre. La pellicola – che è il consolidamento del cortometraggio “Giganti” -, parla del grande dolore e confusione di una famiglia, di una sorella, Grazia, una teenager che ha perso il proprio fratello. Una sofferenza personale che si sovrappone a un male atavico, il degradante vuoto di una comunità che è economicamente in difficoltà in cui “il sud è niente” – come afferma la nonna di Pietro – “e niente succede”. Una provocatoria affermazione che è il titolo del film di cui Fabio Mollo ha parlato, nell’ intervista che segue.

Fabio Mollo

Fabio Mollo

Come nasce il Sud e’ niente, un dramma che parla di un triste status quo, ma anche di amore e speranza?

“L’ispirazione del film è il titolo stesso “Il sud è niente”. È una provocazione a quella mentalità di omertà e rassegnazione alla quale sono state educate intere generazioni. È una storia di rabbia giovane e di rottura nei confronti di quella mentalità. E’ un film drammatico, ma con forti elementi di realismo magico”.

La pellicola e’ girata a Reggio Calabria, città in cui – come me – sei nato, quali sono i ricordi le emozioni, presenti e passate che sono legati a essa?

“Credo e spero che il film non parli solo di Reggio Calabria, ma racconti la storia di una intera generazione. Reggio è un punto di partenza, dove lo stretto di Messina, con i suoi lembi di terra che sono estremamente vicini, ma per sempre separati, diventa metafora dei personaggi del film.”

Quali sono le idee a cui stai lavorando?

“Fare sempre progetti che siano ambiziosi e necessari”.

Marko Matisyk, photo by Philip Suddick

Marko Matisyk, photo by Philip Suddick

Emotions, a powerful creative energy, humility, genius, modesty and positivity, a generous and bright personality shines in Marko Matysik, special individual and smashing eclectic creative with whom I was pleased of talking about, amazed and happy of sharing ideas about fashion, creativity and contemporary times. To talk about Marko and introducing him and the works he make properly it’s not so easy, being Marko a volcano of creativity, arisen since his childhood – age when he passed the time making paper princesses as gift to his mother’s friends, spent travelling around the world with his Anglo-German hotelier parents and absorbing the minutiae of jet-set life. Later he graduated with honors at the London St. Martin’s school of Art and started dressing princesses, working at the Victor Edelstein atelier ( the preferred couturier of Diana, the Princess of Wales). Then he established his own label “Marko Matysik” in 1995, working in Paris and London in the realm which is his passion, the couture and continuing  working for many private haute couture clients internationally under this label – including the making wedding dress for Tamara Beckwith and an accessories collection presented every season in Paris at Colette, belts being something which goes beyond belts, about whose I recently talked, created by joining antique ribbons, fabrics and buckles from the 15th to 18th century, giving rise to luxury creations collected by personas as Madonna, Donatella Versace, Karl Lagerfeld and Daphne Guinness.

Marko Matysik and the reportage he made featuring in Vogue China October 2005 issue

Marko Matysik and the reportage he made featuring in Vogue China October 2005 issue

Luxury, a luxury idea which is quite far away from the idea of luxury embodied in most of luxury brands’ commercials and in their logos impressed on the items they made, it’s the genuine idea of luxury which is the one developed through his work, connected to the idea of uniqueness, timeless elegance and style, embodies a refined craftsmanship and precious materials and successfully makes concrete creativity under the sign of its free expression and experimentation. In fact art is the main feature of Marko’s creative process in the realm of fashion as well as in other realms connected to that he explores as fashion consulting (for companies as Belmacz, Boudicca, Krizia, and also as creative director for Marie-Helen de Taillac) styling, fashion illustration, and fashion journalism (as editor in chief for Big Show, contributing fashion editor for World of Interiors, Drama and Vogue worldwide magazine, including a monthly page in Vogue Japan and Vogue China) by using of an emotional approach and care for detail. That is the exploration of the same field, the haute couture and luxury by using another medium and holding the same artistic approach.

Marko Matysik and the illustrations he made featuring in Vogue China April 2006 issue

Marko Matysik and the illustrations he made featuring in Vogue China April 2006 issue

That is what shines in the series of painting he made, works commissioned by Vogue China, turned into illustrations featuring along with photographs and interviews he made in an editorial on couture fashion week, genuine artworks that were exhibited by the London Fashion Illustration Gallery,  an agency owned by William Lyng ( Marko’s agent) at the London Mayor Gallery (in 22A Cork Street). A smashing creative energy and the beauty of an precious individual who celebrates and successfully makes concrete fashion and elegance as an artwork it is what is embodied in the following interview, arisen from a marvelous conversation with Marko Matysik where he generously talked about himself, telling about the core of is work, its creative path and forthcoming projects.

Christian Lacroix seen by Marko Matysik

Marko Matysik

How did you start working in the realm of fashion?

“Since I was a child, at age of 4 I was obsessed with princesses since I was a child, at age of 4, I designed dresses having bows, I loved everything which shined. One day a friend of my mother who saw my sketches told me: “you will become and you will make my dresses”, but I still wasn’t conscious of that, of what I would wanted to do when I would has been older. I was fascinated by suggestions, colors when I go out, walking on the street, I looked at the shops windows and I set up a shop window for a boutique at the age of 11-12, a fantastic experience I continued doing for two years. Later, I showed at the age of 13 my sketch book to Manfred Schneider, a very famous couturier in Munich, I landed my first job as design assistant and I became a luxury addict. Then I studied at the London St. Martin’s School of Art and after I graduated I started working for Victor Edelstein and later I created my own brand.

Marko Matysik

Marko Matysik

Beyond that I started working in the realm of fashion journalism and illustration. That has happened for random. Since I ended the St. Martin’s, a friend of mine I saw during a party, a fashion journalist told me he had to cover fashion week, go to the fashion shows, make a reportage and he didn’t feel like doing that, therefore I told him: don’t worry, if you want I can do that. Thus all that started. Having already my clients I felt myself like outside reality, therefore that has been a successful chance for me to enter into the reality. Resulting also from that I made illustrations for Vogue”.

Marko Matysik on Vogue China

Marko Matysik on Vogue China

What is the leitmotiv – if there is a leitmotiv or rather an element – joining your different creative expression you make concrete as illustrator, fashion writer and fashion designer?

“It’s the creativity, the freedom of experiment creativity without limits. That is one of the reasons for which I love the realm of haute couture. Here I am not responsible for a huge office, a huge staff, I don’t deal with a big pr office, I have less limits in terms of creativity and designing. Nevertheless I never desired getting a huge studio, I prefer being selfish in this sense and standing alone, the collaboration is important, but I prefer – it’s a privilege – working by myself, as I don’t want being responsible to manage a big team. Thus it has also happened with the work which has commissioned to me by Vogue China concerning the haute couture fashion week. It has been a privilege for me after the hectic rhythm of haute couture fashion week and its magic working for a month on the paintings and spending my time at the Nicholas Bernstein’s studio – placed in the area of Hammersmith – with whom I collaborated where he would painted then I would painted on top or viceversa. He – who hasn’t a classical background –  inspired very much my work which has been something spiritual, to paint has been a kind of escapism, having spent one month alone painting, a medium which is more different than drawing. To use oil on canvas, instead of drawing, also reaches the spread of color in the studio where you work, as the Nicholas’ studio which is full of color spread in the room. Anyway to paint has emphasized the magic atmosphere of haute couture fashion show I had the privilege of seeing. An escapism which make you feel safe. There is a big magic and creativity in the dream-provoking couture and also in its backstage. In fact the backstage is what I cover in my reportages, as I like to look at a garment, touch it, feel how it’s a dress, the movement it makes and it is a magic and the sound a fabric makes as the paper taffeta is an emotion. I consider myself as a privileged one, having the chance of seeing periodically my little fashion family and being able of enjoying all that.

Marko Matysik

Marko Matysik

Coming back to the theme of fashion, I am focused on the field of couture and luxury, as this realm has many potentialities in the free creative expression and experimentation, instead the ready-to-wear reaches more compromises in order to create something which pleases to more people. And it’s a big pressure for me having more people to satisfy, I have my commissions that make all that more spontaneous, fun and free, having just only two or three women on mind, one client to satisfy who is happy for what I make and makes me happy for what I make.

Marko Matysik

Marko Matysik

Concerning my collection of belts – as the silver chatelaine, which is available at giftlab.com -, it has arisen spontaneously, it is also connected to something emotional, though is the result of a detailed search for textiles, materials and ancient and contemporary decorating elements in the realm of belts. It’s an emotional experiences as it arises from going out and visiting Carol Graves Johnson, specialized in belts and owner of company Cingular, going to her house which is on the other bank of Thames. That is connected to something emotional, the joy which arises from seeing Carol and working together on the belts.

Marko Matysik

Marko Matysik

Considering the leitmotiv of my work and its designing process, the main purpose is to give a deep, meaningful dimension, something having a soul, it’s not only about to give something which is new, it’ s all about that, it’s about many global influences and it’s about it’s all about being part of this mélange of periods of times and of details. I am incredibly curious, I research on the background of my project to get the happier result. I am more connected to the art environment and I think the most enjoyable thing is to inspire others. Instead thinking about what I create the leitmotiv is being feel appeal considered I tend to specialize in items for people that already have everything”.

Marko Matysik

Marko Matysik

What are the forthcoming projects you are working on?

“I am art directing a video, styling two shoots, making an Haute Couture soft trouser suit with coat and blouse and starting up super chic accessories collection (gloves, hats and other items) created by upcycling and I am making the monthly diary page for Vogue Japan”.

ARTE, MODA, CREATIVITÀ & SARTORIALITÀ: IL RACCONTO EMOZIONALE DI MARKO MATYSIK

Marko Matysik, photo by Philip Suddick

Marko Matysik, photo by Philip Suddick

Emozioni, passione, una ponderosa energia creativa, umiltà, genialità, modestia e positività, una generosa e brillante personalità splende in Marko Matysik, speciale individualità e formidabile, eclettico creativo con cui sono stata lieta di parlare, piacevolmente sorpresa e felice di condividere idee in tema di moda, creatività e contemporaneità. Parlare di Marko e presentare lui ed il suoi lavori in modo appropriato non è facile, essendo Marko un vulcano di creatività, nata sin dall’ infanzia, epoca in cui passava il tempo a fare principesse di carta da regalare alle amiche della madre, trascorsa viaggiando per il mondo con i suoi genitori, albergatori anglo-americani e assorbendo le minuzie della vita del jet-set. Successivamente si è diplomato con lode presso la St. Martin’s school of Art di Londra ed ha cominciato a vestire le principesse, lavorando all’ atelier Victor Edelstein (il couturier preferito di Diana, la Princesss del Galles). Ha poi creato il proprio marchio “Marko Matysik” nel 1995, lavorando a Parigi e Londra nell’ ambito che è la sua passione, l’ alta moda e continuando a lavorare internazionalmente con la sua etichetta per plurimi clienti privati di altamoda – che include la realizzazione dell’ abito da sposa per Tamara Beckwith and una collezione di accessori presentata ogni stagione a Parigi da Colette, cinture che sono qualcosa che va oltre le cinture, di cui ho recentemente parlato, create unendo nastri antichi, tessuti e fibbie dal 15° al 18° secolo, dando vita a creazioni di lusso, collezionate da personaggi quali Madonna, Donatella Versace, Karl Lagerfeld e Daphne Guinness.

Marko Matysik

Marko Matysik

Il lusso, un idea di lusso che è ben lungi dall’ idea di lusso racchiusa nelle pubblicità dei brand di lusso e nei loro loghi impressi nei capi da loro realizzati, è l’ autentica idea del lusso che è quella consolidata attraverso la sua opera, connessa all’ idea di unicità, eleganza e stile senza tempo, racchiude in sé una raffinata artigianalità e preziosi materiali e concretizza felicemente la creatività all’ insegna di una libera espressione e sperimentazione. Infatti l’ arte è il tratto principale dell’ processo creativo di Marko nell’ ambito della moda come anche in altri ambiti ad essa connessi che esplora nelle vesti di consulente di moda (per aziende quali Belmacz, Boudicca, Krizia ed anche nelle vesti di direttore creativo per Marie-Helen de Taillac) styling, illustrazione e giornalismo di moda (quale direttore editoriale di Big Show, contributing fashion editor per World of Interiors, Drama ed i Vogue magazines di tutto il mondo, che comprende una pagina mensile su Vogue Japan e Vogue China) avvalendosi di un approccio emozionale e della cura per il dettaglio. È l’ esplorazione del medesimo ambito, l’ alta moda e il lusso mediante l’ uso di un altro mezzo di comunicazione e conservando il medesimo approccio artistico.

Marko Matysik on Vogue China

Marko Matysik on Vogue China

Ciò è quel che splende bella serie di dipinti da lui realizzati, lavori commissionati da Vogue China, trasformati in illustrazioni che sono protagoniste unitamente a fotografie ed interviste da lui realizzate di un editoriale sulla settimana dell’ alta moda, autentiche opere d’ arte che sono state esposte dalla Fashion Illustration Gallery di Londra , agenzia di proprietà di William Lyng ( l’ agente di Marko) resso la Mayor Gallery (in 22A Cork Street) di Londra. Una formidabile energia creativa e la bellezza di una preziosa individualità che celebra e concretizza felicemente la moda ed eleganza quale opera d’ arte è quel che è racchiuso nella intervista che segue, nata da una meravigliosa conversazione con Marko Matysik in cui si è generosamente raccontato, parlando del nucleo centrale della sua opera, del suo iter creativo e dei progetti futuri.

Marko Matysik

Marko Matysik

Come hai iniziato a lavorare nell’ ambito della moda?

“Da bambino, all’ età di quattro anni ero ossessionato dalle principesse, disegnavo vestiti con i fiocchi, amavo tutto ciò che brillava. Un giorno un’ amica di mia madre che ha visto i miei disegni mi ha detto: “diventerai couturier e mi farai i vestiti”, ancora però non ero consapevole di ciò che avrei voluto fare da grande. Ero affascinato dalle suggestioni, dai colori, quando uscivo per strada osservavo le vetrine dei negozi e all’ età di undici-dodici anni ho allestito una vetrina per una boutique, una esperienza fantastica che ho fatto per circa due anni. In seguito all’ età di tredici anni ho mostrato il mio libro di schizzi a Manfred Schneider, un couturier molto famoso a Monaco, ho avuto il mio primo lavoro avuto il mio primo lavoro nelle vesti di design assistant e sono divenuto un patito del lusso. Ho poi studiato alla St. Martin’s School of Art di Londra e non appena mi sono diplomato ho iniziato a lavorare per Victor Edelstein e ho creato il mio brand.

Marko Matysik

Marko Matysik

Oltre a ciò ho iniziato a lavorare nell’ ambito del giornalismo di moda e nell’ illustrazione. Ciò è avvenuto casualmente. Una volta conclusa la St. Martin’s un mio amico incontrato in occasione di un party, un giornalista di moda, mi diceva che doveva effettuare un reportage della fashion week, andare alle sfilate, fare un reportage e non ne aveva per nulla voglia, sicché gli ho detto: non preoccuparti se vuoi potrei farlo io. Così è cominciato tutto ciò”. Avendo già i miei clienti mi sentivo avulso dalla realtà, pertanto questa per me è stata una felice occasione per entrare nella realtà. Anche in ragione di ciò ho realizzato le illustrazioni per Vogue”.

Marko Matysik

Marko Matysik

Qual è il leitmotiv – se esiste un leitmotiv o meglio un elemento – che accomuna la tua diversa espressione creativa che concretizzi nelle vesti di illustratore, giornalista di moda e fashion designer?

“E’ la creatività, la libertà di sperimentare la creatività senza limiti. Questa è una delle ragioni per cui amo l’ ambito dell’ alta moda. Ivi non sono responsabile di un grande ufficio, un grande staff, non ho a che fare con un grande ufficio di pubbliche relazioni, ho meno limitazioni in termini di creatività e progettazione. Peraltro non ho mai desiderato disporre di un ampio studio, preferisco essere egoista in questo senso e bastare a me stesso, la collaborazione è importante, ma preferisco – è un privilegio – operare da solo non volendo essere responsabile di gestire un grande team. Così è accaduto anche con il lavoro a me commissionato da Vogue China inerente la settimana dell’ alta moda. Dopo il ritmo frenetico della settimana dell’ alta moda e la sua magia è stato un privilegio per me, lavorare per un mese ai dipinti e passare il mio tempo presso lo studio – ubicato nei dintorni di Hammersmith – dell’ artista Nicholas Bernstein con cui ho collaborato precedentemente dipingendo prima l’ uno e poi l’ altro a vicenda. Costui – che non ha un background classico – ha ispirato molto il mio lavoro che è stato qualcosa di spirituale, dipinge è stato una sorta di escapismo, avendo passato un mese da solo a dipingere, una modalità ben diversa dal disegnare. Usare l’ olio su tela, diversamente dal disegno, implica la dispersione del colore anche nello studio in cui lavori, come lo studio di Nicholas, pieno di colore sparso per gli ambienti. Peraltro dipingere ha enfatizzato la magica atmosfera delle sfilate di alta moda che ho avuto il privilegio di vedere. Un escapismo che fa sentire al sicuro. C’è grande magia e creatività nella couture che provoca il sogno e anche nel suo backstage. Infatti il backstage è l’ ambito che documento nei miei reportage, poiché mi piace vedere un capo, toccarlo, sentire come è un abito, il movimento che esso fa ed è di per sé una magia ed il il suono che fa un tessuto quale il taffetà ad effetto carta è un emozione. Mi considero un privilegiato, avendo la possibilità di incontrare la mia piccola famiglia della moda periodicamente e potere apprezzare tutto ciò.

Marko Matysik

Marko Matysik

Tornando alla moda, sono concentrato sul settore della couture e del lusso, poiché questo ambito ha maggiori potenzialità di libera espressione creativa e sperimentazione, mentre con il pret â porter si devono fare maggiori compromessi al fine di creare qualcosa che piaccia a più persone. E per me è una grande pressione avere più persone da soddisfare, ho le mie commissioni che rendono tutto ciò più spontaneo divertente e libero, avendo soltanto due, tre donne in testa, una cliente da soddisfare che è felice di ciò che faccio e rende felice me per ciò che faccio.

Marko Matysik

Marko Matysik

Riguardo alla mia collezione di cinture  – quali la silver chatelaine che è disponibile su giftlab.com – è nata spontaneamente, anche essa è legata a qualcosa di emozionale, pur essendo frutto di una ricerca dettagliata di tessuti, materiali ed elementi di decoro antichi e recenti in materia di cinture. È un esperienza emozionale, poiché nasce dall’ uscire e far visita a Carol Graves Johnson, specialista di cinture e proprietaria dell’ azienda Cingular, andando a casa sua che si trova dall’ altra parte della riva del Tamigi. Ciò è connesso a qualcosa di emozionale, alla gioia di vedere Carol e insieme lavorare alle cinture.

Marko Matysik

Marko Matysik

Considerando il leitmotiv del mio lavoro e la sua progettazione, la principale finalità è offrire una dimensione profonda, densa di significato, qualcosa che abbia un anima, non è soltanto offrire qualcosa che sia nuovo, è ciò su cui esso verte, è una questione di molteplici influenze globali e dell’ essere parte di questo mélange di epoche e di dettagli. Sono incredibilmente curioso, faccio ricerche considerando il background del mio progetto al fine di ottenere il risultato più felice. Sono più connesso all’ ambiente dell’ arte e ritengo che la cosa più gradevole sia ispirare gli altri. Pensando invece ciò che creo il leitmotiv sono l’ essere sostenibile, la sensazione di appeal, considerando che tendo a specializzarmi in oggetti per gente che ha già tutto”.

Marko Matysik

Marko Matysik

Quali sono i progetti futuri a cui stai lavorando?

“Sto curando la direzione artistica di un video, lo styling per due servizi fotografici, realizzando un completo di alta moda composto di morbidi pantaloni, cappotto e camicia e avviando una collezione super chic di accessori creati mediante surciclo (guanti, cappelli e altro) e lavorando alla mie cronache sulla pagina mensile di Vogue Japan“.

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik

Marko Matysik on Drama, photo by Ram Shergill

Marko Matysik on Drama, photo by Ram Shergill

Marko Matysik on Drama, photo by Ram Shergill

Marko Matysik on Drama, photo by Ram Shergill

Marko Matysik

the silver chatelaine by Marko Matysik, available at Giftlab.com

 

Vincent Law

Vincent Law

 

Vincent Law, is a young, brilliant fashion blogger Hong Kong native and based in Canada, in Calgary, editor of blog on fashion and lifestyle Binzento Vincente. He is part of the current, promising generation of fashion bloggers who create genuine contents and are driven by a pure passion for fashion. I was pleased to talk about with him about his work, inspiration as well as the current status of fashion blogosphere, an idea which was born by talking together and gave rise to a double interview we made via Skype we share today on our blogs, a collaborative project which explores the ideas and value impressed in the blogs, talks about the fashion culture and fashion information under the sign of sharing, a value I celebrate and make concrete with my modest actions.

How did you start fashion blogging?

“This question is perhaps always the first question I ask fashion bloggers. Now that this question gets thrown back at me, I realize that it is not as easy to answer as I thought it would be. After all I was never a journalist, nor studied fashion. The only thing that was carried over my shoulder for fashion was the word ‘passion’. I always knew that if my family had given me more faith in pursuing fashion, I would probably not be picking science as my major. Not that I didn’t like my science background – in fact, I ought to thank my parents for persuading me into that direction, because fashion became a ‘commodity’ in my life, something I can live or live without. The passion for fashion in me grew even more because there is no pressure for me to make a living out of it, and no pressure how people would perceive what I approve or disprove.

My blogging journey started in June 2011. I was (and still am) a freelance reporter who goes around the city interviewing fascinating people and attending events. Calgary, the current city I live in Canada, is not exactly the most fashion-focused place in the world. Despite that, I saw the potential for growth and expansion in this young city. There is so much room for “trial and error” that pretty much whatever you do at that time you can easily be the ‘pioneer’ if successful, especially in fashion. And during that period, there was an uprising of emerging talents, which I really admired. Perhaps the reason why I looked up to these new and emerging fashion designers was because I never got a chance to attempt their paths in my life. Some of these designers were indeed fantastic – they had great designs, craftsmanship, and boldness to start a “fashion revolution”’ in Canada. The major problem here however, was that there was disconnection between our fashion designers here and the rest of the world. No one really knows these people, nor we have the platforms for them to showcase their work, give them their voices, and prove themselves to the world. With that in mind, I decided to start my own fashion blog: Binzento Vincente (http://Binzento.com) specifically for those purposes. I wanted to give as much as possible the space and freedom on my blog to highlight new and emerging fashion designers, artists and talents. The blog also give me the creative space to explore and express myself, in my own words, my thoughts about the past, the present, and the future in fashion. I don’t intend my readers to agree everything I write, but I do appreciate that my blog can help new fashion designers gain exposure.

Another reason why I started my blog was because of my interest in learning. I always tell people my philosophy of ‘curiosity is what keeps us young’. Constant learning to me is important, and from meeting various people understanding their ideas I was able to gain knowledge from it. I believe knowledge is the only thing that will live on when I die, and will get passed along to the next person. In the last couple years, I met so many great people with very creative mindsets. I felt like I learned more in a two-year period than my previous decade in school”.

What are your search and the core of your work?

“When it comes to selecting the stories to write about, I really look for things that come across as genuine, whether its people or events. I like to write about things that will benefit my readers, or add to my knowledge. My interviewees should be someone who has passion for what they do. They must also create things that I feel original and interesting. I also love people who are multi-faceted, and work consistently with an opened mind, and willing to change when necessary. I constantly search for things that inspire me everyday. Some of them don’t even have to be fashion related. Sometimes I come across people who are not in the fashion world, but exhibit a very unique sense of style, either in their sense of fashion or their lifestyle. I find these people absolutely fascinating, and would usually contact them for an interview, for some of them, it’s a special feeling when a blogger wants to invite them to be featured on his blog even though they don’t consider themselves to be anything related to fashion. This is how the column on my blog: Real People w/ Real Styles was born. It’s a feature I try to update regularly about people that I met and found them to be very stylish.

The core of my blog should contain information that I hope my readers would feel ‘Thanks for sharing that, now I know after reading it. I love to incorporate both pictorial and text to elevate the quality of information that is being fed through my blog and social media. I want to accommodate both visual and logical readers. Perhaps that has to do with my science background, where rationality for everything is important. Yet I also don’t want to eliminate any relevant emotions in my writings to personalize my blog, which sometimes are hard to explain through logic sense. When I begin writing a post, the first thing I do is to make a mental note to myself and ask: “what is the purpose of this post?” I think it’s important for a successful blog to be able to explain what each photo represent, or an over view of what the event you attended was about. When I click that “post” button, then I ask myself again : “was the purpose of this post fulfilled?” Sometimes I would go back and review my older posts over and over again, to make sure that I got the message I want across, and also correct any minor grammar errors. After all English is not my mother tongue, so I want to ensure that my post is as near perfect as possible.

I feel that many blogs out there lacked the original content needed to stay unique. Social media such as Tumblr, Facebook and Pinterest have certainly played a central role help building bloggers’ presence and rapid spreading of information but I found that many bloggers only like the idea of “getting famous” for the things they do without wanting to put much effort. It’s absolutely critical for me to appropriately credit and cite works that were by others. The people who created the material spent their countless hours and precious time to generate these contents that were worth sharing. On my blog, I tried to maintain this ideal – taking my own photos, write my own words. It’s not easy when your blog is merely a hobby, a vehicle to satisfy your desire for fashion, especially your daily routine such as daytime job and family commitments are always the top priorities. However I enjoy every minute of it, knowing that some one out there will read what you wrote – your thoughts translated into photos and words”.

What do you think about the status of fashion blogosphere, the current status quo, decadence, further changes and/or what will feature in it during the forthcoming times?

“This is a difficult question to answer, as it is very subjective and many possibilities. One thing like I mentioned before, the current status of fashion blogosphere is the lack of originality. We pay too much attention on the blogger him/herself and not fashion on its own. I like to be called a “good blogger” or “blogger with substance” rather than being noticed with the things I wore or the people I met. It’s a reward I am seeking, to be recognize as a good writer, or content creator. I know I am not the best, but I am willing to learn and fix mistakes. I like criticisms, because I know these are the feedbacks that will help guide me to the next level.

I know that bloggers are often mistaken to be non-professionals and to many businesses, it’s not worth any monetary incentives. This is something I wished to change. It’s not that I believe ‘money’ is a critical issue, but passionate bloggers spent much of their time to research, to write, and to share information – much like a real publication. If a big business is wishing to dap into the blogosphere market to advertise and make profit, I strongly believe in monetary incentive for bloggers, paying them the right amount for their contribution. Though this is not a huge factor for my work, I think sometimes even a thank you note or acknowledge would give the blogger the appreciation they deserve and a testimony for them to move forward. On the other hand, this expectation was never needed for me when working with emerging talents and new designers. My rule of thumb for working with these talents is simply “as long as I like the work, and it gives me positive energy”. I want to showcase their work because I think its something beautiful to add to the blogosphere community.

Competition between fashion blogs is another feature I experienced. I think that if your blog is unique (original), this should never be a problem. Instead of competing, I would rather embrace the fast growing number of bloggers, scout the ones that suit my philosophy, learn the things that they do better, and work together. I am very much for collaboration between bloggers. Like working with Nunzia (Fashion Beyond Fashion Blog) this time for this exchange of blogger ideas in a letter, it’s a voluntary and mutual movement. I really appreciate Nunzia’s take on the fashion world, her words are strong and moving because she writes with reasons. “Fashion Beyond Fashion” is one of those artistic blogs that sees fashion beyond material goods, and focuses on the process, the history, and the creativity behind it.

I am unsure what the forthcoming blogosphere will be like. Humans are readily adaptable to changes, and we in present time (could be a bad thing) evolve parallel to technologies. Bloggers, like many other people, will find themselves trapped always wanting to be the “first” to share the latest fashion scoop or news. Our hands will forever be busy with smartphones taking Instagram photos, updating Facebook status, Tweeting every moment at fashion shows. I do not want to be stuck in this zone, which I have been for a while. Instead of thinking how the blogosphere should change, perhaps every individual blogger should take the responsibility for his/her own actions, and change whatever aspect of their blogs that makes him/her happy. For Binzento Vincente, I hope to continue to write with my heart, contribute filling gaps in the fashion community with unseen talents and giving voice to new designers that deserves to be heard”.

IL BLOGGING DI UN FASHION BLOGGER: IDEE & PERLE DI SAGGEZZA DI BIZENTO VICENTE

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Vincent Law, è un giovane, brillante fashion blogger, nato a Hong Kong e residente in Canada, a Calgary, editor del blog di moda e lifestyle Binzento Vincente. Costui fa parte dell’ attuale promettente generazione di fashion bloggers che creano contenuti autentici e sono animati da una pura passione per la moda. Mi ha rallegrato parlare con lui del suo lavoro, della sua ispirazione come anche dell’ attuale stato della blogosfera, un’ idea che è nata parlando insieme e ha dato vita a una doppia intervista che abbiamo realizzato attraverso Skype che oggi condividiamo sui nostri blog, un progetto collaborativo che esplora le idee e valori impressi nei blogs parla della cultura e dell’ informazione di moda all’ insegna della condivisione, valore che celebro e concretizzo con le mie modeste azioni.

Come hai iniziato con il fashion blogging?

“Questa domanda è probabilmente sempre la prima domanda che faccio ai fashion bloggers. Adesso che questa domanda è rivolta a me, comprendo che non sia così facile rispondere a essa come pensavo che fosse. Dopo tutto, non sono mai stato un giornalista, né ho studiato moda. L’ unica cosa che mi ha portato a fianco della moda sia stata la parola “passione”. Ho sempre saputo che se la mia famiglia mi avesse dato più fiducia nel seguire la moda, probabilmente non avrei intrapreso la scienza quale mia facoltà universitaria. Ciò non significa che non apprezzi il mio background culturale – infatti, devo ringraziare i miei genitori per avermi persuaso a intraprendere quella direzione, dal momento che la moda è diventato un “bene” nella mia vita, qualcosa con o senza la quale posso vivere. Peraltro la passione per la moda è cresciuta ancora di più in ragione dell’ assenza in me di alcuna pressione per farmi guadagnare con essa, e nessuna influenza inerente al modo in cui la gente potrebbe accorgersi di ciò che approvo o disapprovo.

Il mio viaggio nel mondo del blogging è iniziato nel giugno 2011. Ero (e sono ancora) un reporter freelance che va in giro per la città a intervistare persone affascinanti e che partecipa a eventi. Calgary, la città del Canada nella quale attualmente vivo, non è esattamente il luogo più attento alla moda che esista al mondo. Nonostante ciò, ho visto il potenziale per la crescita ed espansione in questa giovane città. Esiste una grande possibilità “per tentativi”che a prescindere di ciò che si faccia in un determinato momento, possa diventare il “pioniere” in un ambito se ciò riscuota successo, specialmente nella moda. E in quel periodo, stavano venendo alla ribalta talenti emergenti che davvero ammiravo. Forse la ragione per cui guardavo con ammirazione questi nuovi ed emergenti fashion designers era dovuta al fatto che non ho mai avuto la possibilità nella mia vita di intraprendere il loro cammino. Alcuni di questi designers erano davvero fantastici – avevano un design molto bello, artigianalità e l’ intelligenza per avviare una “rivoluzione della moda” in Canada. Comunque il problema più rilevante che ivi esisteva era dato dalla mancanza di connessione tra i nostri fashion designers e il resto del mondo. Nessuno conosce realmente queste persone, né abbiamo piattaforme per loro al fine di esporre i loro lavori, dar loro voce e affermarsi nel mondo. Avendo in mente ciò, ho deciso di creare il mio fashion blog: Binzento Vincente (http://Binzento.com) specificamente per queste finalità. Volevo offrire il maggiore spazio e la libertà sul mio blog per dar luce ai nuovi ed emergenti fashion designers, artisti e talenti. Il blog mi offre anche lo spazio creative per esplorare ed esprimere me stesso, con le mie parole, i miei pensieri sul passato, il presente e il futuro della moda. Non voglio che i miei lettori concordino su tutto ciò che scrivo, ma apprezzo che il mio blog possa aiutare i nuovi fashion designers ad acquisire visibilità.

Un’ altra ragione per cui ho avviato il mio blog è dovuta al mio interesse nell’ apprendimento. Parlo sempre alla gente della mia filosofia della “curiosità che è ciò che ci mantiene giovani”. L’ apprendimento costante è per me importante e la conoscenza di svariate persone, la comprensione delle loro idee, mi ha consentito di acquisire conoscenza. Credo che la conoscenza sia la sola cosa che vivrà per sempre quando morirò e sarà tramandata a colui che verrà dopo di me. Negli ultimi due anni ho incontrato così tanti meravigliosi individui  dal modo di pensare molto creativa.  Mi è sembrato di avere imparato di più in un periodo di due anni della mia precedente decade a scuola”.

Qual’ è la tua ricerca e il nucleo della tua opera?

“Quando arriva il momento di selezionare le storie su cui scrivere, vado alla ricerca di cose che siano davvero percepite come autentiche inerenti persone oppure eventi. Mi piace scrivere di argomenti che saranno di beneficio ai miei lettori o che alimentano la mia conoscenza. Le persone che io intervisterei dovrebbero essere coloro che hanno passione per ciò chef anno. Devono anche creare cose che ritengo originali e interessanti. Amo anche le persone poliedriche che operano costantemente con una mentalità aperta e sono aperti al cambiamento ove sia d’ uopo. Cerco costantemente che ogni giorno mi ispirano. Alcune di esse non riguardano la moda. Talvolta incrocio persone che non sono nel mondo della moda, ma mostrano un senso dello stile incredibilmente unico, anche nel loro senso della moda o dello stile di vita. Trovo queste persone assolutamente affascinanti e solitamente le contatterei per richiedere un’ intervista. È una sensazione davvero speciale per alcuni di loro quando un blogger vuole invitarli a essere protagonisti del suo blog benché costoro non si considerino collegati in alcun modo alla moda. Questo è il modo in cui è nata la sezione del mio blog Real People w/ Real Styles. È un argomento che mi sforzo di aggiornare regolarmente inerente la gente che ho conosciuto e ritenuto avere molto stile.

Il nucleo del mio blog dovrebbe contenere informazione che spero ingeneri nei miei lettori un “grazie per condividere ciò, adesso so” dopo aver letto ciò. Amo allegare sia contenuto fotografico e testo scritto per elevare la qualità dell’ informazione che è alimentata attraverso il mio blog ed i social media. Voglio soddisfare sia i lettori di immagini che quelli razionali. Forse ciò ha a che fare con il mio background scientifico in cui la razionalità è importante per tutto, pur non volendo eliminare ogni significativa emozione impressa nei miei scritti per personalizzare il mio blog che è talvolta difficile da spiegare attraverso la logica.  Quando comincio a scrivere un post la prima cosa che faccio è tenere a mente e chiedermi “qual’ è la finalità di questo post?” Penso che sia importante per un blog di successo avere la capacità di spiegare ciò che ogni foto rappresenti o una fornire panoramica di ciò che riguardava quell’ evento a cui partecipi.  Quando effettuo il click sul tasso del “post” subito dopo chiedo a me stesso: lo scopo di questo post è stato raggiunto? Talvolta torno indietro e rivedo i miei vecchi post più volte per essere certo che ho concretizzato il messaggio che voglio e correggo anche un qualsiasi errore di grammatica di poca rilevanza. Dopotutto l’ inglese non è la mia lingua madre, pertanto voglio esser certo che il mio post sia il più possibile vicino alla perfezione.

Ritengo che molti blog là fuori siano stati privi di originalità di contenuti per rimanente unici. I social media quali Tumblr, Facebook e Pinterest hanno certamente rivestito un ruolo di centralità aiutando e cementare la presenza dei bloggers e la rapida espansione dell’ informazione, ma credo che a molti bloggers piaccia soltanto l’ idea di “diventare famosi” per le cose che fanno senza però sforzarsi molto. È assolutamente fondamentale per me attribuire e menzionare in modo appropriato i lavori che sono stati fatti da altri, gente che ha creato il materiale, speso innumerevoli ore e tempo prezioso per generare questi contenuti che erano degni di esser condivisi. Mi sono sforzato di mantenere questo ideale – scattando le foto da me, scrivendo a parole mie sul mio blog. Non è facile fare ciò quando il tuo è un mero hobby, un mezzo per soddisfare il tuo desiderio di moda, specialmente la tua routine quotidiana quale il lavoro quotidiano e gli impegni familiari che sono sempre le priorità assolute. Comunque apprezzo ogni minuto di ciò che faccio sul blog, sapendo che qualcuno là fuori leggerà ciò che ho scritto – pensieri tradotti in immagini e parole”.

Cosa pensi dello stato della blogosfera di moda, l’ attuale status quo, decadenza, ulteriori cambiamenti o quale altro saranno di essa protagonisti in futuro?

“Questa è una domanda a cui è difficile rispondere, essendo oltremodo soggettiva e implicando plurime possibilità. Una cosa come ciò che ho menzionato prima, inerente l’ attuale stato della blogosfera è la mancanza di originalità. Diamo troppa attenzione al fashion blogger quale singolo individuo e non alla moda di per sé. Mi piace essere considerato un “buon blogger” o “blogger con contenuto” piuttosto che esser notato in ragione dei capi che ho indossato o le persone che ho conosciuto. È un riconoscimento che sto cercando, essere riconosciuto come un buon scrittore  o creatore di contenuti. So che non sono il migliore, però ho la volontà di imparare e correggere gli errori. Apprezzo la critica, poiché so che questi sono feedbacks che aiuteranno a guidarmi verso un livello ulteriore.

So che i bloggers sono sovente scambiati come individui che non sono professionisti e fanno troppi affari che non sono degni di alcun incentivo monetario. Questo è qualcosa che speravo di cambiare. Non è che creda che il “denaro” sia una question fondamentale, ma appassionati bloggers passano la maggior parte del loro tempo a ricercare, scrivere e condividere informazione – molto più di una pubblicazione reale. Se un grande business si augura di entrare all’ interno della blogosfera per fare pubblicità e profitto, credo fortemente nell’ incentivo monetario per i bloggers che siano pagati la giusta somma per il loro contributo. Benché ciò non sia un fattore enorme per il mio lavoro, penso che talvolta anche una nota di ringraziamento o consenso darebbe al blogger la riconoscenza che meritano e una  prova per progredire. D’ altra parte questa aspettativa non è mai stata per me necessaria nel momento in cui ho lavorato con talenti emergenti e nuovi designers. La mia soddisfazione derivante dal lavorare con questi talenti è semplicemente dovuta al fatto che apprezzo il loro lavoro ed esso mi da energia positiva. Voglio esporre la loro opera poiché è qualcosa di bello da aggiungere alla comunità della blogosfera.

La competizione tra fashion blogs è un’ altro aspetto che ho sperimentato. Penso che se un blog sia unico (originale), ciò non dovrebbe essere mai un problema. Invece di entrare in competizione, abbraccerei piuttosto il sempre più crescenti numero di bloggers, scouts, quelli che  abbracciano la mia filosofia, insegnano le cose che sanno far meglio e lavorano insieme. Sono molto per la collaborazione tra bloggers. Come è l’ esperienza che ho avuto stavolta di lavorare con Nunzia (Fashion Beyond Fashion blog) per questo scambio di idee tra bloggers, è un movimento volontario e reciproco. Apprezzo davvero la dedizione di Nunzia al mondo della moda, le sue parole sono forti e toccano poiché scrive con ragionevolezza. “Fashion Beyond Fashion” è uno di quei blog artistici che vede la moda oltre la materialità data dall’ essere un bene di consumo e si concentra sul processo, sulla storia e creatività che c’è dietro ad essa.

Non sono certo su come sia la blogosfera in futuro. Gli uomini sono facilmente adattabili ai cambiamenti e noi nel momento attuale( potrebbe essere una brutta cosa) evolviamo in parallelo alle tecnologie. I bloggers, come molte altre persone, si troveranno intrappolati sempre nel voler essere il “primo” a condividere l’ ultimo scoop o le ultime notizie in materia di moda. Le nostre mani saranno per sempre occupate a scattare foto con  gli smartphones tramite Instagram,  ad aggiornare lo stato di Facebook, twittare ogni momento in cui si è alle sfilate. Non voglio rimanere incastrato in questa zona in cui sono stato per un pò. Forse, invece di pensare al modo in cui la blogosfera dovrebbe cambiare, ogni blogger dovrebbe individualmente assumersi la responsabilità per le sue azioni e cambiare un qualsiasi aspetto del proprio blog che lo rende felice. Riguardo a Binzento Vincente, spero di continuare a scrivere con il mio cuore, contribuire a colmare le lacune esistenti nella comunità della moda con talenti mai visti e dare voce a nuovi designers che meritano di essere ascoltati”.

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www.binzento.com

Angelos Bratis and Silvia Venturini Fendi, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis and Silvia Venturini Fendi, photo by Giorgio Miserendino

Kindness, refinement, humility, hard-work and honesty are the main features of Angelos Bratis as individual and creative, the Greek fashion designer,  who won some years ago the talent-scouting award WION, featured in a smashing event, included in the calendar of Altaroma latest edition, which was held in Rome, at Palazzo Firenze, suggestive building which hosts the Dante Alighieri cultural institution enchanting place where it was showcased the new creations he made. A successful event to enjoy a bright creative with whom I talked about, exploring the creative alchemies featuring in his work, embodied in the following interview.

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

What is your idea of lightness, plasticity and femininity and how this ideas does meet themselves, dialogue and join in your work?

“I like thinking about my clothes seeming like they are suspended on an air thread around the body wearing them. It’ s the body giving shape and volume to the dress and it’ s never the contrary. I adore the complex couture effects evoking simplicity seeming like they are created without any effort. Being natural. I think women’s world and thoughts are plastic shapes continuing to transform themselves. My fashion could not be different”.

Angelos Bratis

Angelos Bratis

To which extent the kalokagathia, the beauty and goddness – ethical and aesthetic paradigm evoking the Greek classicism and your roots – is part of you as individual and is part of your aesthetic research?

“Talking about professional aesthetics, I think my path has been until now the one which had a student, putting in what he made a lot of patience and humility. I was born and raised in a little tailor shop and I learned to appreciate every step of creation made to get the rise of an item. I really wish the fashion I make evokes the sincerity”.

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

The ballet as discipline and  its queen, Pina Bausch – solemn plasticity in motion – evokes the idea of movement you made concrete, work under the sign of sartorialism ( or rather of the sense of cloth, construction and body) and a contemporary timeless elegance, do you agree with that and if you don’t agree with that, what would be the creative alchemies featuring in your work?

“You could not explain that such perfectly. The absolute respect of every cloth, its features, weight, fluidity and limits are the main features of every item. Furthermore sensuality and the body movement are an infinite source of inspiration for me. Instead of considering the alchemies ( which are based on certain recipes) I prefer working by instinct and to be wondered by new solutions there are behind every collection that my hands created”.

L’ IDEA DI LEGGEREZZA DI ANGELOS BRATIS PROTAGONISTA DI ALTAROMA

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Gentilezza, raffinatezza, umiltà, operosità e onestà sono i tratti principali di Angelos Bratis quale individuo e creativo, il fashion designer Greco, vincitore anni fa del concorso di talent-scouting WION, è stato protagonista di un formidabile evento, incluso nel calendario dell’ ultima edizione di Altaroma che si è tenuto a Roma, presso Palazzo Firenze, suggestivo edificio che ospita l’ istituzione culturale Dante Alighieri, luogo incantevole in cui sono state esposte le sue nuove creazioni. Un felice evento per apprezzare un brillante creativo con il quale ho parlato, esplorando le alchimie creative protagoniste del suo lavoro, racchiuse nell’ intervista che segue.

Angelos Bratis

Angelos Bratis

Qual’ è la tua idea di leggerezza, plasticità e femminilità e in che modo queste idee si incontrano, dialogano e si fondono nella tua opera?

“Mi piace pensare i miei abiti come se forse sospesi da un filo di aria intorno il corpo che gli indossa. È il corpo che dà forma e volume all’ abito e mai il contrario. Adoro gli effetti couture complessi che evocano semplicità come se fossero creati senza nessuno forzo. Naturali. Per me il mondo e i pensieri delle donne sono plastiche e in continua trasformazione e evocazione. La mia moda non poteva essere diversa”.

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

In che misura la kalokagathia, il bello e buono – paradigma etico ed estetico che evoca la classicità greca e le tue radici – fa parte della tua individualità e della tua ricerca estetica?

“Parlando di etica professionale penso che il mio percorso finora sia stato quello di un studente con tanta pazienza e umiltà. Sono nato e cresciuto dentro una piccola sartoria e ho imparato di apprezzare ogni passo compiuto nella creazione per arrivare a un capo finito. Spero che la mia moda trasmetta sincerità”.

Angelos Bratis

Angelos Bratis

La danza quale disciplina e una sua regina, Pina Bausch – solenne plasticità in motion – evoca l’ idea di movimento da te concretizzata, opera all’ insegna della sartorialità(ovvero senso del tessuto, della costruzione e del corpo) e di una contemporanea eleganza senza tempo, sei d’ accordo anche tu e se così non fosse quali sarebbero le alchimie creative su cui si basa il tuo lavoro?

“Non potevi spiegarlo meglio. L’ assoluto rispetto per ogni tessuto, le sue caratteristiche, peso, fluidità e limiti sono alla base di ogni capo. Poi la sensualità e il movimento del corpo umano sono una infinita fonte di inspirazione per me. Più che alchimie (che si basano su certe ricette) preferisco lavorare con istinto ed essere sorpreso tante volte dalle nuove soluzioni create con le mie stese mani che sono dietro le mie collezioni”.

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis, photo by Giorgio Miserendino

Angelos Bratis

Angelos Bratis

The shining journalist Michela Zio

The shining journalist Michela Zio

Angelos Bratis and Silvia Venturini Fendi

Angelos Bratis and Silvia Venturini Fendi

Angelos Bratis and me

Angelos Bratis and me

www.angelosbratis.it

www.altaroma.it

infanzia

The childhood, topic of literature which has the color of shadow and outlines of monstrosity  – depicted on photography by Vee Speers in the series “Birthday party” -, in the pages of authors and poets, experience of myth and mysticcism features in “Infanzia”(standing as “Childhood”, Sellerio, Euros 13,00) the new book by Giuseppe Scaraffia (Professor of French literature at the Roma Tre University of Rome and author of many books as “The dandy dictionary”). A myth which shines in literature during the years when it went deep into the mind of Western man the idea of progress and infinite power of exact knowledge and along with  the childhood, myth of “a wonderful unconsciousness” – as the author asserts -, “of sympathizing with the world deprived of temporality”, of which Giuseppe Scaraffia told, talking about himself, telling of his childhood and memories connected to that in the short interview which follows.

Birthday party, photo by Vee Speers

Birthday party, photo by Vee Speers

What has been the inspiration which gave rise to “Infanzia”?

“The paintings of the Stupinigi realm( in Turin) and the intuition the children, notwithstanding the differences of world which surrounds them, are a population which is identical in the centuries”.

Birthday party, photo by Vee Speers

Birthday party, photo by Vee Speers

Enthusiasm, naivety, spontaneità, which paradigm being – usually, but not always – a trait of childhood is more closely connected to you?

“The enthusiasm, the infinite ability of curiosity or fear”.

Birthday party, photo by Vee Speers

Birthday party, photo by Vee Speers

Do you tell of a verry relevant time in your childhood, a memory impressed in your mind which also marked the later years?

“The time when I was seven years old and a traffic policeman in Turin fined me as I was cycling wrong way. Since that time I always think anyone could arrest or fine me in any time”.

L’ INFANZIA RACCONTATA DA GIUSEPPE SCARAFFIA

Giuseppe Scaraffia

Giuseppe Scaraffia

L’ infanzia, tema della letteratura che assume nelle pagine di scrittori e poeti il colore dell’ ombra e i contorni della mostruosità – ritratta su fotografia da Vee Speers nella serie “Birthday party” -, esperienza del mito e della misticità è protagonista di “Infanzia”( Sellerio, Euro 13,00), il nuovo libro di Giuseppe Scaraffia (docente di Letteratura francese presso L’ Università di Roma Roma Tre e autore di plurimi libri quali “Il dizionario del dandy”). Un mito che trionfa in letteratura negli anni in cui penetrava l’ idea di progresso e l’ infinito potere della esatta conoscenza nella mente dell’ uomo occidentale unitamente all’ infanzia, mito di “una splendida incoscienza” – come afferma l’ autore – “di un essere solidali con un mondo sottratto alla temporalità” di cui Giuseppe Scaraffia ha parlato, raccontandosi, parlando della sua infanzia  e dei ricordi ad essa legati nella breve intervista che segue.

Birthday party, Vee Speers

Birthday party,  photo by Vee Speers

 

Qual’ è stata l’ ispirazione che ha dato vita a “Infanzia”?

“I quadri della reggia di Stupinigi(Torino) e l’intuizione che, malgrado le differenze del mondo che li circonda, i bambini sono una popolazione identica nei secoli”.

Birthday party, photo by Vee Speers

Birthday party, photo by Vee Speers

Entusiasmo, ingenuità, spontaneità, quale paradigma che – solitamente, ma non sempre – è prerogativa dell’ infanzia, è più intimamente connesso a te?

“L’entusiasmo, la capacità infinita di curiosità o di timore”.

Birthday party, photo by Vee Speers

Birthday party, photo by Vee Speers

Mi parli di un momento particolarmente decisivo della tua infanzia, un ricordo impresso nella tua memoria che ha segnato anche gli anni a venire?

”La volta che a sette anni un vigile, a Torino, mi ha multato perchè andavo in bicicletta contromano. Da allora penso sempre che potrebbero arrestarmi o multarmi in qualsiasi momento”.

Rankin

Rankin

Fashion, emerging talents and contemporary times features in the ideas, words and works by Rankin, celebrated British fashion photographer, co-founder of magazine Dazed & Confused, who generously told me about his vision, embodied in the two projects he simultaneously developed, Hunger, biannual magazine which will be launched on 12th April 2013 in Italy and the virtual platform Hunger TV. A successful chance to know more of and enjoy a brilliant mind and vibrant creative.

 

 

How did Hunger Tv arise and what was the creative thinking behind it and the name?

Hunger

Hunger

“We launched Hunger TV simultaneously with the magazine, to me this was just as important because we live in a digital era, you can’t escape it, it creates a whole host of opportunities like never before.

Hunger refers to my desire to seek new things and to keep creating and collaborating with like-minded people. I didn’t want this to be an online version of the magazine – although it does compliment it – Hunger TV is in an entirely different court of its own. It allows for a more immediate connection with our readers. That to me is integral”.

Music, emerging talents, art and creativity are the alchemies of biannual magazine you created, can you tell us more about that?

Hunger

Hunger

“Fortunately I’m in a position where I don’t have to compromise and can feature things that I find most interesting. I watch TV and I love the internet, it’s such a powerful source for information. I can spend hours trailing webpage to webpage discovering new and old things, on YouTube watching some talented kid gig out their front room.

Tomorrow, the next generation of talent, that’s what excites me. Also, my team are young, eager to create stuff, (opinionated too), they actually remind me of my younger self at times. It’s their diversity of interests that make up the backbone of the magazine”.

What are the forthcoming projects connected to Hunger Tv?

Hunger

Hunger

“We’ve just launched Issue 4 of the magazine (it’s published twice a year) so you can expect a lot of projects that add a new layer to the features from the issue – fashion films with actresses and models, music videos, in-depth interviews and behind the scenes looks from shoots that we can extend to our readers. We are focusing on a lot of music at the moment, we’ve become somewhat famous for our Dirty Videos – the most recent is with Iggy Azalea .

We’ll be continuing to create these with both big and emerging talents across all genres, this is something that really excites us! Outside of this we’ll be providing weekly interviews with fashion talents, both new and old, and creating interesting projects that fuse fashion and art – look out for series two of our ‘Very Successful Guide to Fashion’ ”.

MODA, TALENTI EMERGENTI & CONTEMPORANEITÀ: HUNGER & HUNGER TV, RACCONTATI DA RANKIN

Hunger

Hunger

Moda, talenti emergenti e contemporaneità sono i protagonisti delle idee, parole e opere di Rankin, celebre fotografo di moda inglese, co-fondatore del magazine Dazed & Confused, che mi ha generosamente parlato della sua visione, racchiusa nei due progetti da lui simultaneamente consolidati, Hunger, magazine semestrale che sarà lanciato il 12 aprile 2013 in Italia e la piattaforma virtuale Hunger TV. Una felice occasione per conoscere meglio e apprezzare una brillante mente e un vibrante creativo.

Come è nato Hunger Tv e qual’ è stato il pensiero creativo dietro il suo nome?

Hunger

Hunger

“Abbiamo lanciato Hunger TV simultaneamente al magazine, questo è stato estremamente importante per me, poiché viviamo in un era digitare e non si può prescindere da ciò, si crea un ventaglio di opportunità che non c’erano mai state prima.

Hunger riguarda il mio desiderio di cercare nuove cose e continuare a creare e collaborare con persone di idee simili. Non voglio che questa sia una versione online del magazine – sebbene sia da salutare con plauso – Hunger TV è una campo di per sé totalmente diverso. Esso consente una connessione più immediata con i nostri lettori. Ciò è fondamentale per me”.

Musica, talenti emergenti, arte e creatività sono le alchimie del magazine semestrale d ate creato, puoi parlarci più approfonditamente di ciò?

Hunger

Hunger

“Fortunatamente mi trovo in una posizione in cui non devo fare compromessi e posso presentare cose che reputo molto interessanti. Guardo la televisione e amo internet, è una così grande fonte di informazioni. Posso passare ore a cercare di pagina in pagina web, scoprendo cose nuove e vecchie, guardando su YouTube le esibizioni di alcuni talentuosi ragazzi fuori dal loro salotto.

Il domani, la nuova generazione di talento, é ciò che mi entusiasma. Anche il mio team è composto di gente giovane, entusiasta di creare cose, (anche supponente), oggi mi ricordano mi ricordano me stesso nei tempi della gioventù. È la loro diversità di interessi che costituisce la colonna vertebrale del magazine”.

Quali sono i prossimi progetti legati a Hunger Tv?

Hunger

Hunger

“Abbiamo appena lanciato l’ edizione 4 del magazine (è pubblicato due volte l’anno) così si possono aspettare una serie di progetti che aggiungono una nuova dimensione dei contenuti dell’ edizione – fashion film con attrici e modelle, video musicali, dettagliate interviste e i look dietro le quinte dei servizi fotografici che rendiamo dispoonibili ai nostri lettori. Ci stiamo concentrando su tanta musica al momento, siamo divenuti alquanto famosi per i nostri Dirty Videos – il più recente è quello con Iggy Azalea”.

“Continueremo a creare queste corse con talenti sia famosi sia emergenti di tutti i generi, ne siamo oltremodo! Al di fuori di ciò pubblicheremo interviste settimanali con talenti della moda, sia nuovi sia vecchi, e creeremo interessanti progetti che fondono moda e arte- badando alla serie numero due ‘Very Successful Guide to Fashion’ ”.

www.hungertv.com

www.ashadedviewonfashion.com

The new black, photo by Marco Bertolini

The new black, photo by Marco Bertolini

 

Nature, core of a sentimental education, the collective unconscious being in Alto Adige, native country – I love very much – of young and bright photographer Marco Bertolini – born in Bolzano, based in Milan and cosmopolitan as attitude – which evokes a beautiful fierceness, a feeling of belonging and connection with the land, the nature surrounds and hosts the individual under the sign of honor, respect and healthy interaction with it. A value which is deeply connected to the poetry of photographer, its search, the value – I care – of sustainability, as well as the idea of simplicity in its semiotic, symbolic and representative meaning. Simplicity as idea which subverts and renews the mundane standard of conventional beauty, featuring in contemporary times, mere forcing, fiction to appear instead of being, synthesis or rather, ability to visualize reality without useless frills, but also as means to valorize and get in touch with its own inner being and humanity, walking through the complex links where it becomes the individual. A simple conversation, embodied in the short interview which follows, successful chance of exchange, reflection and enrichment, focused on the understanding and exploring the poetry and art by photographer, the silent dynamism of objects, he depicted and emphasized by the brightness of darkness under the sign of a refined elegance and the suggestive and vibrant lyricism of his simplicity.

The new black, photo by Marco Bertolini

The new black, photo by Marco Bertolini

How did you start to be involved with photography?

“I started to be involved with photography since I was a young boy and my grandmother gave me as a gift a camera and I started printing on paper and developing photographs in the bathroom of my parents’ house. I closed the windows of bathroom, obscured by the towels and I turned the room into a darkroom, making direct prints of objects on photographic paper that always were objects, bottles, nails. Then my educational training has not oriented on themes concerning the pure creativity, I went to London at the Southbank University and I studied ho marketing ( editor’s note: even if I think marketing it’s pure creativity ). Later, once I completed my university training I came to Milan from Bolzano and I began working for many companies in the realm of furnishing and design, putting aside for many years the photography. After I started working for many magazines as Elle Decor, Grazia Casa and other ones as stylist and after I left everything, the furniture and design and I began focusing professionally on photography. It has been something that arose due to necessity. I had a great working and human relationship with Bruno Rainaldi, who passed two years ago and we have understood at a certain point I couldn’t continue to work with him, for him in the realm of design, but I had to follow what was my passion, my true interests. Thus I started shooting, I proposed myself to companies also for more commercial projects as the catalogues in the realm of interior architecture for customers as architects, the industry, successfully continuing to do what I do, shooting”.

The new black, photo by Marco Bertolini

The new black, photo by Marco Bertolini

How does it make concrete your stylistic search?

I am very much at ease working by myself and playing, experimenting with the light and objects. I think the most beautiful things arise from the simplicity and an exercise which pushes to the search of an absolute simplicity. It’s the simplicity what pays in my work, it doesn’t feature anything concerning class, value, it’s just the picture. My latest work, I consider it as example, “Silence” featuring a series still-lifes, shooting objects I collected on the road after the market of the area where I live. I brought a box once the market ended and as a tramp I collected the many objects I found, I collected an apple bruised on a side, my that is not visible on photograph, it seems like a perfect apple, though it was completely rotten in the other side, I collected a blasted fig leaf, a berry, a chestnutshell and I shot these objects in the dark, intensifying the dark more than the way I have made for the series “New black”.

The new black, photo by Marco Bertolini

The new black, photo by Marco Bertolini

What is your connection to nature and to which extent did it influence your vision, idea of beauty and your stylistic search?

“I don’t love all that is artificial, pretentious, deliberately decorative which has no flavor, a scent, a texture, has to be beautiful, but it has a beauty being an end to itself. I love mostly and I search for the beauty in the things that can pass unnoticed, it seems like a hokum what I am saying, but it is really what I think. It’s useless to go buying posies to shoot, look for butterflies, as the re production of beauty, as Gillo Dorfles teaches us, becomes kitsch, it’s neither beauty nor originality. I think in Italy there is a huge display, a disguising in order to appear beautiful under the sign of obsolete standards of beauty that don’t renovate, it doesn’t create anything being new, thus it needs returning to the simplicity. And nature in this sense can be a great source of inspiration, considered as geography – as the Alto-Adige, the region where I come from – as well as the rural world and its healthiness, a genuine simplicity which catches the life and vitality of subject, individual and the object, meant as subject’s patrimony of values, emphasizing an idea of genuine beauty. I touch mostly behind to a basket of nuts or apples, endorsed on a wood counter top in a farm placed in the high mountain, that don’t know they are beautiful, who put there doesn’t know he created something beautiful, which is up to us appreciate. Maybe it’s because someone has behind itself this scene since years, generations, thus it’s a kind of bringer of an aesthetics based on what it surrounds him/her. Probably he/she doesn’t create, but draws inspiration from the nature.

The minimalism is not beauty and it’s not simplicity, it’s a forcing. The spontaneity in the aesthetics and people is beauty, the fact of not knowing to be beautiful, not wanting to be beautiful, to create something beautiful which is an end to itself and it never will be beautiful as it want to be beautiful, but it don’t succeed being beautiful”.

UNA STORIA SEMPLICE: L’ ESTETICA DELLA SEMPLICITÀ VISTA DA MARCO BERTOLINI

Silence, photo by Marco Bertolini

Silence, photo by Marco Bertolini

La natura, nucleo fondamentale di una educazione sentimentale, dell’ inconscio collettivo che si trova nell’ Alto Adige, terra – che amo molto – natia del giovane e brillante fotografo Marco Bertolini – bolzanino di nascita, milanese di adozione e cosmopolita per vocazione – che evoca una bella fierezza, un senso di appartenenza e legame con la terra, la natura che circonda e ospita l’ individuo all’ insegna di onore, rispetto e salubre interazione con essa. Un valore che è intimamente connesso alla poetica del fotografo, alla sua ricerca, al valore a me caro della sostenibilità come anche al concetto di semplicità nella sua accezione semiotica, simbolica e rappresentativa. Semplicità quale idea che sovverte e rinnova il noioso standard di bellezza convenzionale protagonista della contemporaneità, mera forzatura, finzione per apparire invece di essere, sintesi ovvero capacità di visualizzare la realtà senza inutili fronzoli, ma anche quale strumento per valorizzare e entrare in contatto con la propria interiorità e umanità, percorrendo le complesse maglie in cui si volge l’ individualità. Una conversazione semplice, racchiusa nella breve intervista che segue, felice occasione di scambio, riflessione e arricchimento, volta a comprendere ed esplorare la poetica e l’ arte del fotografo, il silenzioso dinamismo degli oggetti, da lui magistralmente ritratto ed enfatizzato dalla luminosità dell’ oscurità all’ insegna di una raffinata eleganza e il suggestivo e vibrante lirismo della sua semplicità.

Come hai iniziato a occuparti di fotografia?

“Ho iniziato a occuparmi di fotografia da ragazzino quando mia nonna mi ha regalato una macchina fotografica e ho iniziato a stampare su carta e sviluppare le fotografie nel bagno di casa dei miei genitori. Chiudevo le finestre del bagno, oscurate dagli asciugamani e trasformavo la stanza in una camera oscura, facendo stampe dirette di oggetti su carta fotografica che erano sempre degli oggetti, bottiglie chiodi. Poi il mio percorso formativo si è orientato non verso argomenti inerenti alla creatività pura, sono andata a Londra alla Southbank University e ho studiato marketing ( nda: anche se ritengo che il marketing sia pura creatività). Poi non appena finito il mio corso di studi sono approdato a Milano da Bolzano e ho iniziato a lavorare per varie aziende nel settore dell’ arredamento e del design, accantonando per parecchi anni la fotografia. Successivamente ho iniziato a lavorare per varie riviste quali Elle Decor, Grazia Casa e altre nelle vesti di stylist e poi ho mollato tutto, l’ arredamento e il design ed ho iniziato a dedicarmi professionalmente alla fotografia. È stata una cosa che è nata per necessità. Avevo un ottimo rapporto con Bruno Rainaldi, venuto a mancare due anni fa e a un certo punto entrambi abbiamo capito che non potevo continuare a lavorare con lui, per lui nel campo del design, ma dovevo perseguire quelle che erano le mie passioni, i miei veri interessi. Così ho cominciato a fotografare, mi sono proposto ad aziende anche per progetti più commerciali come i cataloghi nell’ ambito di architettura di interni, per committenti quali architetti, per l’ industria, continuando felicemente a fare ciò che faccio, fotografare”.

Silence, photo by Marco Bertolini

Silence, photo by Marco Bertolini

In che modo si concretizza la tua ricerca stilistica?

“Mi trovo molto a mio agio a lavorare da solo e giocare, sperimentare con la luce e gli oggetti. Penso che le cose più belle nascano dalla semplicità e da un esercizio che porta alla ricerca di una semplicità assoluta. È la semplicità che paga nel mio lavoro, non ci sono connotati di classe, valore che non siano l’ immagine stessa. Il mio ultimo lavoro, per farti un esempio, “Silence” di cui è protagonista una seria di still-life, fatti a oggetti raccolti per strada dopo il mercato di quartiere. Alla fine del mercato, ho preso una cassetta e come un barbone ho raccolto vari oggetti che trovavo, ho raccolto una mela ammaccata su un lato, ma in foto non si vede che la mela è ammaccata, sembra una mela perfetta anche se da un lato era completamente marcia, ho raccolto una foglia di fico appassita, una bacca, un riccio di castagna e ho fotografato questi oggetti al buio, esasperando il buio rispetto alla serie “New black” ”.

Silence, photo by Marco Bertolini

Silence, photo by Marco Bertolini

Qual’ è il tuo legame con la natura e in che misura ha influito sulla tua visione, l’ idea di bellezza e la tua ricerca artistica?

“Non amo tutto ciò che è artificiale, pretenzioso, volutamente decorativo che non ha un sapore, un odore, una texture che deve essere bello, ma ha una bellezza fine a sé stessa. Amo di più e ricerco la bellezza nelle cose che possono passare inosservate, sembra una banalità ciò che sto dicendo, ma è davvero ciò che penso. È inutile andare a comprare mazzi di fiori da fotografare, cercare farfalle, poiché la riproduzione del bello, come Gillo Dorfles ci insegna,  diventa il kitsch, non è più bellezza né originalità. Penso che in Italia ci sia una grande ostentazione, un mascherarsi, mettersi in mostra per apparire belli all’ insegna di canoni di bellezza obsoleti, che non si rinnovano, non si crea niente di nuovo per cui c’è bisogno di tornare alla semplicità. E in  questo senso la natura più essere una feconda fonte di ispirazione, intesa sia quale geografia – come l’ Alto-Adige, la regione da cui provengo – come anche quale mondo rurale e la sua salubrità, una genuina semplicità che coglie la vita e la vitalità del soggetto, dell’ individuo e dell’ oggetto, inteso quale patrimonio valoriale del soggetto, valorizzando una idea di bellezza autentica. Mi emoziono di più dinanzi a una cesta di noci o delle mele in un maso in alta montagna appoggiate su un piano di legno che non sanno di essere belle, chi le ha messe là non sa di aver creato qualcosa di bello, spetta a noi apprezzarlo. Forse è perché ha davanti questo scenario da anni, da generazione per cui porta avanti un’ estetica che si basa su ciò che lo circonda. Probabilmente costui non crea, ma attinge dalla natura. Il minimalismo non è bellezza e non è semplicità, è una forzatura. La spontaneità nell’ estetica e nelle persone è bellezza, il non sapere di esser belli, il non voler esser belli, non voler creare qualcosa di bello che sia fine a sé stesso e ciò bello non lo sarà mai, poiché vuole esser bello, ma non riesce a esser bello”.

Silence,, photo by Marco Bertolini

Silence, photo by Marco Bertolini

www.marcobertolini.com