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Delfina Delettrez

Ironic, bright, she caressingly approaches the other, sweet magnetic and sensual, that and much more than this is the jewelry designer Delfina Delettrez successfully joining genius, beauty and an unstoppable creativity, made concrete in the collection she made – exhibited at the Paris Louvre Museum – featuring new-pagan atmospheres: the skulls that made her celebrated and the latest creations, genuine sculptures embodying female hair, joined to metal, leather, precious gems, wrapped in resin that are part of “Love is in the air”, collection presented during the latest edition of Paris Fashion Week. The designer talked about herself with modesty and genuineness, telling about her suggestions and creativity, a nice afternoon conversation in Rome – city deeply binding the creative -, joyfully walking on the historical centre and visiting her store, placed in Via Del Governo Vecchio 67, in the area of Piazza Navona, the art of jewel small, great cathedral.

What are the suggestions – New-Paganism, Surrealism – and channels of communications – film, art, music, literature
– inspiring you?

The art, the avantgardes of Surrealism, Futurism inspire me though I’m inspired by everything and my city especially, Rome, a city being to discover where I love loosing and finding myself. Basically it’s the personal taste inspiring me, when I create I don’t think about something or someone in particular, even if there are things acting as an input to start, but the item later is refined according to my taste, the most personal there is. Therefore every time I complete a creation I’m the first one who wears, holds that and understands what fits or doesn’t fit well .

There is an age, a persona you are very bound?

I very often like to imagine my jewels, worn by women, lived during the Thirties. Maybe they made a mistake from on high, as I should be born in the Thirties, time fascinating me. I read only biographies about women who lived during those times who are bringers of a strong personal story as Elsa Schiaparelli and the Marquise Luisa Casati-Stampa di Soncino, because they were more free to express themselves during those years.

How much irony there is in yourself as creative and woman?

There is much irony in myself as woman. I think irony is the most important thing in life. The irony is something I immediately feel in an individual, not the same irony I have, but a well structured irony. It is essential to take life with irony. I transmit the irony there is in myself by my jewels. Yes, it’s ok  the idea of “memento mori”, but there is a skull smiling, joined to flowers, colors, frogs as a bracelet I’m very fond of, one of the first ones I made, featuring a skull between two frogs. I have chosen the frog as it gave me the idea of vitality, the frog, an animal living with the heart in throat.


Delfina Delettrez

Ironica, brillante, dolce, magnetica e sensuale, avvicina carezzevolmente l’altro, questo e molto altro è la designer di gioielli Delfina Delettrez che unisce felicemente ingegno, bellezza ed una inarrestabile creatività, concretizzata nelle sue collezioni – che sono state esposte presso il Museo del  Louvre di Parigi – di cui sono protagoniste atmosfere neo-pagane: i teschi che l’hanno resa famosa e le sue ultime creazioni, autentiche sculture che incorporano capelli di donne unite a metallo, pelle, gemme preziose, racchiuse nella resina che fanno parte di “Love is in the air”, collezione presentata in occasione dell’ ultima edizione della fashion week parigina. La designer si è raccontata con modestia e genuinità, parlando delle sue suggestioni e di creatività, una piacevole conversazione pomeridiana a Roma – città alla quale la creativa è molto legata -, passeggiando gioiosamente per il centro storici e visitando il suo store, ubicato in Via Del Governo Vecchio 67 nei dintorni di Piazza Navona, piccola, grande cattedrale dell’ arte del gioiello.

 Da quali suggestioni – neopaganesimo, surrealismo – e  canali di comunicazione – cinema, arte, musica, letteratura – trai ispirazione?

L’ arte, le avanguardie del surrealismo, futurismo mi ispirano, pur traendo ispirazione da ogni cosa e specialmente dalla mia città, Roma, una città tutta da scoprire in cui amo perdermi e ritrovarmi. Essenzialmente è il gusto personale a ispirarmi, quando creo non penso a qualcosa o qualcuno in particolare, anche se esistono cose che fungono da input per iniziare, però poi il pezzo viene rifinito in base al mio gusto, il più personale che c’è. Perciò ogni volta che ultimo una creazione sono la prima a provarle, tenerle e capire ciò che va e che non va.

Esiste un’ epoca, un personaggio iconico a cui sei molto legata?

Molto spesso mi diverto a immaginare i miei gioielli indossati da donne vissute negli anni Trenta. Forse si sono sbagliati dall’ alto, perché sarei dovuta nascere negli anni Trenta, periodo che mi affascina. Leggo solo biografie di donne vissute in quegli anni che hanno una storia forte alle spalle quali Elsa Schiaparelli e la Marchesa Luisa Casati-Stampa di Soncino perché erano molto più libere di esprimersi in quegli anni.

Quanta ironia c’ è in te come creativa e come donna?

C’è tanta ironia in me come donna. Penso che l’ ironia sia la cosa più importante nella vita.  L’ironia è qualcosa che sento subito in un individuo, non la mia stessa ironia, ma un’ ironia ben strutturata. Prendere la vita con ironia è una cosa fondamentale. Nei miei gioielli trasmetto l’ ironia che è in me. Si, va bene l’idea del “memento mori”, però c’ è un teschio che ride, unito a fiori, colori a rane come un bracciale a cui sono molto affezionata, uno dei primi che ho realizzato in cui c’è un teschio in mezzo a due rane. Ho scelto la rana perché mi dava l’ idea di vitalità, la rana, un animale che vive con il cuore che le batte in gola.

Delfina Delettrez


Delfina Delettrez

Delfina Delettrez

Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

"Love is in the hair" collection by Delfina Delettrez

Manish Arora

Manish Arora, genius designer native of New Delhi – one of the most bright names of contemporary fashion, successfully overlapping avant-garde suggestions, to art and craftsmanship, featuring magnificent embroideries -, celebrated creator of his brand and current designer of Paco Rabanne, talks about his close relationship with color, inspirations as well as the forthcoming projects under the sign of fashion and Epicureism involving him. A joyful conversation, reminding me an unforgettable quotation by the author Lawrence Sterne, appearing in his novel “Life and Opinion of Tristram Shandy”: «every time a man smiles, but much more so, when he laughs, that it adds something to this Fragment of life».

Do you talk about your approach with the color(a leitmotiv of your work)?

“Coming from India, color has always fascinated me. I love to create garments that bring a smile to people’s faces and I try and achieve it with bursts of cheerful colors and embroideries. I design for a woman who is confident and isn’t afraid to stand out in the crowd”.

What are your main sources of inspiration and the inspiration of your latest collection?

“I am inspired by everything around me. Be it people, places, architecture, landscape- anything that catches my eye!  Concerning my Fall/Winter 2011-2012 collection( ed: of whose shoes has made in collaboration with Nicholas Kirkwood and Pollini) the inspiration is the free spirit of a woman being part gipsy and new age style icon, as well as the elements of the magic dolls by Amrie Hoffstater(an artist based in Berlin). The prints featuring in my creations are developed in collaboration with her and are mixes with colours and hand-made embroideries”.

What are your forthcoming projects?

“I am busy designing the SS 12 collection for my own label as well as Paco Rabanne for the upcoming Paris Fashion Week in September. I have recently collaborated with Paris Café de la Paix in Place de L’Opera to design a special patisserie called “Best of Five by Manish Arora” which will be available from 16th September 2011 to 15th January 2012(Ed: a pastry – pink, the favourite colour of Manish Arora – heart shaped, evoking the designer’s logo, putting together five totally different tastes and consistencies in the same dessert: an almond paste base, crème-brûlée-style vanilla cream, mango mousse, mini-cubes of apple and white chocolate, all wrapped in a slab of bright red chocolate, which gives the entire creation volume and movement, a genuine Epicurean masterpiece). There are few more projects in the pipeline but I cannot comment on them just yet”.


Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora, geniale designer natio di Nuova Delhi – uno dei più brillanti nomi della moda contemporanea che sovrappone felicemente avveniristiche suggestioni all’arte ed artigianalità di cui sono protagonisti magnifici ricami, un leimotiv della sua opera – creatore del suo celebre marchio e attuale designer di Paco Rabanne, parla della sua stretta relazione con il colore, le ispirazioni come anche i progetti futuri all’insegna di moda ed epicureismo che lo coinvolgono. Una gioiosa conversazione che mi fa ripensare ad un’indimenticabile affermazione dello scrittore inglese Lawrence Sterne che appare nel suo romanzo “Vita e Opinioni di Tristram Shandy”: «ogni volta che un uomo sorride, ma ancor più quando ride, aggiunge qualcosa alla sua breve esistenza».

Mi parli del tuo approccio con il colore( un leitmotiv della tua opera)?

“Venendo dall’ India, il colore mi ha da sempre affascinato. Amo creare abiti che portano il sorriso sui volti delle persone e ci provo e riesco con esplosioni di colori vivaci e ricami. Disegno per una donna che é sicura e non ha paura di distinguersi dalla massa”.

Quali sono tue principali fonti di ispirazione e l’ispirazione della tua ultima collezione?

“Mi ispira tutto ciò che mi circonda”. Sia la gente, i luoghi, l’architettura, il paesaggio, tutto ciò che catturi il mio sguardo! Riguardo alla mia collezione autunno/inverno 2011-2012 (ndr: le cui calzature sono state realizzate in collaborazione con Nicholas Kirkwood e Pollini) l’ispirazione è lo spirito libero di una donna che è in parte zingara e in parte un’icona di stile new age, come anche gli elementi delle bambole magiche di Amrie Hoffstater( un’ artista che vive a Berlino). Le stampe che appaiono nelle mie creazioni sono state realizzate in collaborazione con lei e sono combinate a colori e ricami fatti a mano”.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

“Sono impegnato a disegnare la collezione primavera/estate 2012 per il mio marchio come anche Paco Rabanne per la prossima Fashion Week parigina a settembre. Ho recentemente collaborato con il Café de la Paix di Parigi in Place de l’ Opera per realizzare una speciale selezione di pasticceria chiamata “Best of Five by Manish Arora”(ndr: un pasticcino a forma di cuore – rosa, colore preferito di Manish Arora – che evoca il logo del designer e unisce cinque sapori  e consistenze totalmente diverse nello stesso dessert: una base di pasta di mandorla crema alla vaniglia stile crème-brûlée, mousse al mango, cubetti di mela e cioccolato bianco, avvolti tutti in una barretta di brillante, rosso cioccolato che dà all’intera creazione volume e movimento, un autentico capolavoro epicureo) che sarà disponibile dal 16 settembre 2011 al 15 gennaio 2012. Ci sono ulteriori progetti in cantiere ma al momento non posso ancora parlarne”.

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Manish Arora Fall/Winter 2011-2012

Best of five by Manish Arora

Manish Arora

The bright and eclectic artist France de Griessen -, musician, painter, actress and author of whose latest album “Electric ballerina”(Teen Machine/ Rue Stendhal) which will be released on 26th September 2011. The artist will perform on 22nd September 2011 in Belgium at the Verviers Spirit of 66 and on 14th October in Paris at the Nouveau Casino -, interviewed with Laura Ka, up-and-coming fashion and costume designer and artistic director of the French brand “Who is Molly”, who told about
her multidisciplinary approach and idea of fashion.

You’ve got both a degree in theatre history and a training in fashion design. In what ways has this pluridisciplinary approach influenced your work?

“If you consider my professional career right from the beginning, I mostly started with the visual arts. I constantly need to do something with my
two hands. It’s a near-vital need! My interest in fashion came a little later. It all actually started with the customization of clothing, as many teenagers do. It’s just that I have never stopped since then! I felt that I wanted to learn how to make a garment. However, I had such an interest in theatre and films that I was torn between these two activities and fashion. The fashion world has always fascinated me but at the same time, I felt repulsed by the stilted side of it all.

The fact that I started by studying theatre and cinema at university has helped me to keep up with the theoretical studies that meant so much to me. I was mostly interested by scenography, which was an option at university and the only subject in which I transcended all the set rules for the presentation of end of semester files. I presented large sketch pads, with samples for garments I would potentially and eventually need for costumes, while my university fellows presented files linked with printing, which were very meticulous and precise. Thankfully, presenting these sketches has greatly contributed to my obtaining my bachelor’s degree. This was also the year where I started to understand that standing out and taking risks were precious assets.

Afterwards, I’ve wanted to start working as a costume designer.

I have a tendency to go off the beaten track and I thus naturally decided to prepare a dressmaking CAP as an independent candidate. Simultaneously, I worked as a babysitter to sustain myself.

These are my first years as a Parisian. Afterwards, luck had it that I stumbled upon a sewing workshop in Montreuil. Despite its being a small and
modest place, I had the chance to be taught there the haute-couture techniques and made-to-measure modelling. This marked a real turning point in my life.

I would say that this unusual career path has allowed me to juggle with two jobs, essentially, that of clothes designer and costume designer. I believe this to be an essential background for the job I have chosen to do. Versatility is a primary quality if we are to cope with different situations and carry out different projects successfully.

I would end by saying that the most useful training I have received till now are my different experiences in life, be they good or bad”!

What aspects do you like the most about the creating process in fashion?

“The creative process, along with the relational activities attached to it, is by far what I love the most about my job. I draw my inspiration for my creation from everything that surrounds me. I observe all that’s around me, I meet wonderful people, I live things which are totally surrealistic at times! And it is all of these, this mixture, which trigger this irrepressible urge in me to take a piece of cloth, a pair of scissors and to try to transmit a little bit of something of all these different atmospheres I bask in. I sometimes stop a few seconds in this fast moving life and realize how much it is precious and important to be able to share a little bit of all this to whomever wishes to  listen to it, to see it, to feel it. I would be unable to describe all the different emotions that sparkles in me while working in my tiny workshop all night long, listening endlessly to the same music. It’s at times like these that I actually abandon myself totally to my passion. No other job could be as stimulating me as this one is!

The creative process means a lot of things, many steps to be taken simultaneously: it could be the idea that gently sprouts in my head, the development of a garment, the choice of models, the photographer and the organization for the shooting. It’s also the development of the image I wish to transmit. This represents 70% of the work to be done. The choice of my team is determining, of course. I am very demanding with the people who work with me, as I am demanding with myself.
Above everything, it’s a question of feeling, and for the meantime I have always had the chance to work with absolutely incredible artists, people so generous and talented that I sometimes even have the feeling that I don’t deserve all of this!

Why choose the fabric as the artistic support, this is the question that I sometimes ask myself. I believe the fluidity of a garment, the fact that the fabric marries the contours of a body to be pretty magical; the way in which our hands, our movements have to adapt themselves to the garment, as when we have to handle silk or jeans, for example; the way we have to bend ourselves to the demands of the fabric… The work of a modelist could sometimes be compared to some sort of dance with the fabric – our attitude, our gestures are all conditioned by the fabric which we have to work on, the type of sewing it requires, the way in which we would like the fabric to fall, all of this is simply extraordinary”!

Are there any recurring themes in your designs?

“I believe that I can blatantly answer that they are the nude colours, bows and a near pathological obsession for purity and ethereal atmospheres.

I don’t necessarily mean white when I speak of purity. The super-exposition of a photography, the totally uncluttered cut of a dress and ethereal atmospheres are all pretty much stereotyped patterns but I nevertheless particularly cherish those, even though all of this is much more complicated, all is not either black or white, it’s all a question of shades, of subtleties.

I am fascinated by adolescence and again, I have no definite answer to the reason of this interest. I devour literature (Jeffrey Eugenides, Joyce Carol Oates, Lolita Pille), films (Larry Clark or again the cult film, Donnie Darko, a few independent films as “Stranded”, a medium-length film of the Australian Stuart Mc Donald) and many more (the first episodes of “Skins”, the beautiful book of the creator Anne Valérie Hash who follows her model muse Lisa Lou Lesage from childhood to adolescence through the beautiful clichés presenting her collection) dealing with the relation to life which are the preoccupations of many teenagers or adults. I totally refuse cultural elitism, all is good enough to see, to read, to listen to, to smell. Without wanting to sound far-fetched, I would say that adolescence is that step in life where all of our senses are in a lively and ebullient, where life is still full of happy promises one day and seems to be terribly appalling the next. The energy of teenagers is inexhaustible, I hope I’d be able to keep a smidgeon of it till the end of my life!

When I set myself to work, I get totally nerdy and I let myself be rocked by the environment that surrounds me, by my thoughts. It’s a near surrealist approach and I believe Surrealism to be one of the richest of all artistic movements. I cannot explain why this bow is at this place, I cannot explain why this fabric is pink rather than any other colours. This is pure sensitivity. It’s sometimes hard to be totally confident about these choices, I regularly ask myself why I’m totally off the track but at the end of the day, I make the choice to believe in myself. There are often failures, of course! But we tend to forget them pretty quickly…

Dreams and wanderings of the soul are also very important in my work. It is sometimes hard to loaf around, as one may say, but I somehow manage to find a few moments every week, to let my thoughts spin, watch a piece of silk muslin fall off from a bag, observe the fabric without touching it, hang at my supplier’s, all the while imagining all that could be done with this or that fabric. The wish to buy all of them and then to quietly leave with a little length of silk or soft jersey which has already taken the shape of the little dress in my head”!


Who is Molly, photo by Kimdary Yin


La brillante ed eclettica artista France de Griessen musicista, pittrice, attrice e scrittrice il cui ultimo album “Electric ballerina”(Teen Machine/ Rue Stendhal) sarà pubblicato il 26 settembre 2011. L’artista si esibirà il 22 settembre 2011 in Belgio presso lo Spirit of 66 di Verviers ed il 14 ottobre 2011 a Parigi presso il Nouveau Casino -, ha intervistato  Laura Ka, designer, costumista emergente e direttore artistico del brand francese “Who is Molly” che ha parlato del suo approccio multidisciplinare e della sua concezione della moda.

Hai una laurea in storia del teatro e una formazione nell’ambito del fashion design. In che modo questo approccio multidisciplinare ha influenzato il tuo lavoro?

“Considerando la mia carriera professionale dai suoi inizi, ho per lo più iniziato con le arti visive, avevo costantemente bisogno di fare qualcosa con le mie mani. È come una esigenza vitale! Il mio interesse per la moda è venuto un pò più tardi. È iniziato di fatto con la customizzazione di abiti, come molti teenager fanno. È che non ho mai smesso di farlo da allora! Sentivo che volevo imparare come realizzare un capo. Comunque, avevo un notevole interesse per il teatro e cinema che mi trovavo tra queste due attività e la moda. Il mondo della moda mi ha sempre affascinato, ma al tempo stesso mi sentivo respinta dalla dimensione pomposa di tutto ciò.

Il fatto che ho iniziato a studiare teatro e cinema all’università mi ha aiutato a star dietro agli studi teorici che significava molto per me. Mi ha maggiormente interessato la scenografia che era uno studio opzionale all’università e la sola materia in cui ho trasceso il corpo di regole per la presentazione delle cartelle per la fine del semestre. Ho presentato ampi blocchi di bozzetti con campioni di vestiti di cui avrei potenzialmente avuto bisogno per i costumi, mentre i miei compagni di università avevano presentato cartelle unite a stampa che erano molto dettagliate e precise. Fortunatamente, la presentazione di questi bozzetti ha ampiamente contribuito al conseguimento della mia laurea. Questo era l’anno in cui ho cominciato a capire che distinguersi e assumersi dei rischi erano beni preziosi.

Successivamente, ho voluto intraprendere il lavoro di costumista.

Ho la tendenza a procedere da sola e perciò ho naturalmente deciso di preparare un cappello sartoriale nelle vesti di candidato indipendente. Lavoravo al tempo stesso come babysitter per mantenermi.

Questi erano i miei primi anni da parigina. Dopo, la fortuna ha fatto che  abbia trovato per caso un workshop di cucito a Montreuil. Malgrado fosse in un luogo piccolo e modesto, ho avuto la possibilità di apprendere ivi le tecniche di alta moda e modellistica fatta su misura. Ciò ha determinato una reale svolta nella mia vita.

Direi che questo insolito iter lavorativo mi ha permesso di riuscire a conciliare due lavori, essenzialmente quello di designer e costumista. Credo che sia un background essenziale per il lavoro che ho scelto di fare. La versatilità è una qualità primaria se stiamo per occuparci di diverse situazioni e concretizzare felicemente diversi progetti.

Concluderei dicendo che l’esperienza più utile di formazione che ho ricevuto finora è tratta dalle mie diverse esperienze di vita, belle o brutte”!

Quali aspetti del processo creativo di moda prediligi?

“Il processo creativo, unitamente alle attività relazionali ad esso collegate, è di gran lunga ciò che amo di più nel mio lavoro. Traggo ispirazione per la mia creazione da tutto ciò che mi circonda, incontro persone meravigliose, talvolta vivo cose che sono totalmente surrealistiche! Ed è essenzialmente tutto ciò, questo mix che scatena questo forte desiderio di prendere un pezzo di stoffa, un paio di forbici e provare a trasmettere un pò di tutte queste differenti atmosfere che mi fanno gioire. Talvolta mi fermo un paio di secondi in  questa vita che si muove a velocità e mi accorgo quanto sia prezioso ed importante essere capaci di condividere un pò di tutto questo per chiunque si auguri di ascoltare, vedere e sentire ciò. Sarei incapace di descrivere tutte le diverse emozioni che brillano in me quando lavoro nel mio laboratorio tutta la notte, ascoltando all’infinito la stessa musica. È in momenti come questi che mi abbandono completamente alla mia passione. Nessun altro lavoro potrebbe essere così stimolante per me come questo!

Il processo creativo significa tante cose, molti passi devono essere intrapresi simultaneamente: potrebbe essere l’idea che delicatamente germoglia nella mia mente, la realizzazione di un abito, la scelta delle modelle, la fotografa e l’ organizzazione del servizio fotografico. È anche la la realizzazione dell’immagine che mi auguro di trasmettere. Ciò rappresenta il 70% del lavoro che deve essere realizzato. La scelta del mio team è naturalmente determinante. Sono molto esigente con le persone che lavorano con me, perché sono esigente con me stessa. È sopra ogni cosa una questione di feeling e nel mentre ho sempre avuto la possibilità di lavorare con artisti assolutamente incredibili, persone talmente generose e talentuose che qualche volta ho anche la sensazione di meritare tutto ciò!

Perché scelgo il tessuto come supporto artistico, questa è la domanda che spesso pongo a me stessa. Credo che la fluidità di un abito, il fatto che il tessuto si sposa con i contorni di un corpo sia molto magico; il modo in cui le nostre mani, in nostri movimenti debbano adattarsi all’abito, come quando ad esempio dobbiamo maneggiare la seta o il jeans; il modo in cui dobbiamo piegarci dinanzi alle richieste del tessuto… Il lavoro di una modellista potrebbe essere paragonato a una sorta di danza con il tessuto – la nostra attitudine, i nostri gesti sono tutti condizionati dal tessuto su cui dobbiamo lavorare, il tipo di cucitura che richiede, il modo in cui ci piacerebbe che il tessuto cadesse, tutto ciò é semplicemente straordinario”!

Ci sono dei temi ricorrenti nelle tue creazioni?

“Credo che posso rispondere spudoratamente dicendo che siano i colori nudi, fiocchi ed una ossessione vicina alla patologia per la purezza e le atmosfere eteree.

La sovraesposizione di una fotografia, il taglio completamente pultito di un abito e le atmosfere eteree sono tutti motivi molto stereotipati, ma ciònondimeno li adoro particolarmente, benchè tutto ciò sia molto più complicato, non è tutto bianco o nero, è una questione di sfumature, sottigliezze.

Sono affascinata dall’adolescenza e nuovamente, non ho alcuna risposta definita alla ragione di questo interesse. Divoro letteratura(Jeffrey Eugenides, Joyce Carol Oates, Lolita Pille), film (Larry Clark o il cult-movie “Donnie Darko”, alcune pellicole indipendenti quali “Stranded”, un film di medio metraggio dell’australiano Stuart Mc Donald) e molti altre cose (i primi episodi di “Skins”, il bel libro della creatrice Anne Valérie Hash che segue la sua modella, musa Lisa Lou Lesage dall’ infanzia all’adolescenza attraverso bei cliché che presentano la sua collezione) che affrontano il relazionarsi alla vita che sono preoccupazioni di molti teenager o adulti. Rifiuto completamente l’elitarismo culturale, ogni cosa è abbastanza bella da vedere, leggere, ascoltare, sentire. Senza voler sembrare esagerata, direi che l’adolescenza è quel momento della vita in cui tutti i nostri sensi sono vivi e il successivo sembra essere terribilmente spaventoso. L’energia dei teenager è inesauribile, spero che sia capace di mantenere una piccola parte di ciò fino al termine della mia vita!

Quando mi appresto a lavorare, comincio a fare la sgobbona e mi lascio cullare dall’ambiente che mi circonda, dai miei pensieri. É vicino all’approccio surrealista e credo che il surrealismo sia uno dei più fecondi movimenti artistici. Non posso spiegare la ragione per cui questo fiocco si trovi in questo posto, non posso spiegare perché questo tessuto sia rosa piuttosto che in qualsiasi altro colore. Questa è pura sensibilità. Talvolta é difficile fidarsi completamente di queste scelte, mi chiedo spesso perchè sto del tutto fuori strada, ma alla fine della giornata, scelgo di credere in me stessa. Naturalmente ci sono spesso fallimenti! Ma tendiamo a dimenticarci di loro abbastanza velocemente…

Sogni e vagabondaggi dell’anima sono anche molto importanti nel mio lavoro. Talvolta è difficile oziare in giro, perchè uno potrebbe dire, ma per qualche motivo riuscire a trovare dei momenti ogni settimana per lasciare i miei pensieri far girare i miei pensieri, guardare un pezzo di mussola di seta scivolare da una borsa, osservare il tessuto senza toccarlo, indugiare su quelli del mio fornitore, immaginando nel contempo tutto ciò che potrebbe essere realizzato con questo o quel tessuto. La speranza di comprarli tutti e poi tranquillamente restante con un piccolo metraggio di seta o morbido jersey che ha già preso la forma del piccolo abito che è nella mia testa”!

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Who is Molly?, photo by Kimdary Yin

Laura Ka, photo by Kimdary Yin

France de Griessen wearing a dress by Who is Molly?

Lopeti Etu, photo by King Redman

Lopeti Etu, bright milliner who is born in Oceania at Tonga and lives in New York – recently participating at the creative invitation launched by Stephen Jones on the virtual platform Talenthouse which give the chance toyoung designer of showcasing their creation during the exhibition “Hats: an Anthology” which will be held on September 2011 in New York at the Bard Gratuate Center – talk about himself, telling about his life, the memories from past, present, his inspirations. A marvelous conversation evidencing the artistic approach, used for creating his visionary hats, living life under the sign of joy for the little, big things, featuring in everyday life, something that should be more frequently remembered to enjoy its magic.

Could you talk me about your career as milliner, when did you start creating hats?

“I was inspired by my grandfather and the little village I came from in Tonga. My grandfather was very creative with his hands and could make anything, like everyone else in my village of Kolonga, resourcefulness is a survival skill. When I moved to San Francisco I lived with a bunch of artists and that is where I rediscovered my love for making hats. I moved to New York, got involved in the club scene, and it took decades before I started making hats again professionally. With the encouragement of my business partner David Balluff, we decided to create the brand Lopeti Etu Millinery. It’s been two years now and it definitely has its ups and downs, but I would not have it any other way. The response has been incredible. I love working for myself and I cannot believe I waited this long”.

To which extent the – downtown NYC – art scene does influence your work as milliner?

“I do not go out anymore, so I rely on what I see every day for inspiration. New York is always inspiring because it stops for no one and the energy is contagious. I feel like no matter what’s going on, when I get on the train, I begin to navigate my destiny that day. It is never what you plan it in your head but it becomes what is. I sometimes feel that I see a lot in this city and understand very little, if anything at all. I may be so focused on a woman’s silhouette that I forget where I’m going. What I take away from art is everything and nothing. I don’t know what artists are trying to say sometimes and I like things that maybe I should not. I love being a part of New York culture, and I’m lucky to have it because it pushes you to create by revealing your own shortcomings, misconceptions and all the amazing possibilities”.

What is – does it come from – the main inspiration( as art, film, music, literature) of your hats and the ones featuring in your latest collection too?

“Culture inspires me along with many other things. I am a visual thinker and that’s why I am attracted to images and video. When I’m working, I always have something playing in the background. I watch things that have nothing to do with fashion and it can lead to a marvelous idea. I guess you could say I am inspired by chance. If I see someone else’s work and it makes me want to get off my chair then that is how it starts. It could be a picture, something on the street, the color of the sky – it’s very hard to predict, and I let it all in.

The hat pictured with the veil on Talenthouse was inspired by Katharine Hepburn in the movie “The African Queen“. There is a quote from Katharine Hepburn that describes how I feel “I think most of the people involved in any art always secretly wonder whether they are really there because they’re good or there because they’re lucky”.

Concerning the making of my hats I usually custom them to fit a particular store. At this point, our size as a company allows us to work intimately with our customers”.


Lopeti Etu, photo by King Redman


Lopeti Etu, brillante designer di cappelli che è nato in Oceania a Tonga e vive a New York – ha recentemente partecipato all’ invito creativo lanciato da Stephen Jones sulla piattaforma virtuale Talenthouse che offre la possibilità a giovani designer di esporre la loro creazione in occasione della mostra “Hats: an Anthology” che si terrà in settembre 2011 a New York presso il Bard Gratuate Center – si racconta parlando della propria vita, i ricordi del passato, il presente e le sue ispirazioni. Una splendida conversazione da cui si evince l’approccio artistico, usato nella creazione dei suoi visionari cappelli, nel vivere la vita all’insegna della gioia per le piccole, grandi cose protagoniste della vita di ogni giorno, qualcosa che dovrebbe essere ricordato più spesso per apprezzarne la magia.

Mi parli della tua carriera di designer di cappelli, quando hai iniziato a creare cappelli?

“Mio nonno ed il piccolo villaggio di Tonga dal quale provengo mi ha ispirato. Mio nonno era molto creativo con le sue mani e poteva fare di tutto come tutti quelli del mio villaggio di Kolonga, l’ingegno è una capacità di sopravvivenza. Quando mi sono trasferito a San Francisco ho vissuto con un gruppo di artisti ed é  là che ho scoperto il mio amore per creare cappelli. Mi sono spostato a New York, mi sono occupato della scena dei locali notturni e ci é voluta una decina di anni prima che iniziassi a realizzare i cappelli da professionista. Con il sostegno del mio socio David Balluff, abbiamo deciso di creare il brand Lopeti Etu Millinery. Adesso sono trascorsi due anni due anni e naturalmente ciò ha i suoi alti e bassi, ma non lo avrei in un altro modo. La risposta è stata sorprendente. Amo lavorare per me stesso e non riesco a credere che ho aspettato ciò a lungo”.

In che misura la scena artistica – della downtown newyorkese – influenza il tuo lavoro di designer di cappelli?

“Non esco più, sicché mi baso su ciò che vedo ogni giorno per ispirarmi. New York è sempre di inspirazione perché non si ferma mai e l’energia é contagiosa. Mi sento come se non c’è alcun problema su come vanno le cose, quando sono sul treno, inizio a navigare il mio destino quel giorno. Non è mai ciò che si programma nella testa, ma diventa ciò che é. Talvolta mi accorgo che vedo tanto in questa città e ne capisco molto poco, se  non  assolutamente nulla. Posso essere talmente immerso ad osservare la silhouette di una donna che dimentico dove sto andando. Ciò che proviene dall’arte é tutto e niente. Qualche volta non so ciò che gli artisti stiano provando a dire e mi piacciono cose che probabilmente non dovrei apprezzare. Amo essere una parte della cultura di New York e sono fortunato ad averla poiché spinge a creare svelando i propri difetti, pregiudizi e tutte le sorprendenti possibilità”.

Qual’ é – e da dove proviene – la principale inspirazione (quale arte, cinema, musica, letteratura) dei tuoi cappelli ed anche quelli che sono protagonisti della tua ultima collezione?

“La cultura mi ispira unitamente a molte alter cose, Sono un pensatore visivo e ciò deriva dal fatto che sono attratto da immagini e video. Quando sto lavorando, ho sempre qualcosa che entra in scena sullo sfondo. Guardo cose che non hanno niente a che vedere con la moda e ne posso trarre una meravigliosa idea. Suppongo che potresti pensare che sia ispirato dalla possibilità. Se vedo il lavoro di qualcun altro e mi fa desiderare di destarmi dalla mia sedia e quindi ciò è il modo in cui inizia. Potrebbe essere un immagine, qualcosa per strada, il colore del cielo –
è difficile da prevedere e faccio entrare tutto ciò.

Il cappello con il velo raffigurato su Talenthouse è stato ispirato dal Katharine Hepburn nel film “La regina d’ Africa”. Ivi si trova una frase di Katharine Hepburn che descrive come mi sento: ” Ritengo che la maggior parte della gente che si occupa di qualsiasi tipo di arte si chieda sempre in segreto se sia là perché è brava o perché è fortunata”.

Riguardo alla genesi dei miei cappelli, solitamente realizzo i miei cappelli su misura per adattarsi in una particolare boutique. La nostra dimensione aziendale oggi ci consente di lavorare a stretto contatto con i nostri clienti”.

Lopeti Etu, photo by Jakob Sadrak

Lopeti Etu, photo by Jakob Sadrak

Lopeti Etu, photo by Phil Knott

Lopeti Etu, photo by Phil Knott

Lopeti Etu, hat featuring in the creative invitation by Stephen Jones, photo by King Redman

Patrick McDonald

Patrick McDonald, bright, eclectic, charming New York persona of fashion scene, considered as “The dandy” due to his iconic style – he has been a model, assistant buyer for Barney’s European collections, he worked for the brand Fiorucci during Seventies, then for the haute-couture brand Fabrice, columnist for magazines as PAPER, Arude and many other ones, appearing in books as “The Style Makers” by Marcia Sherrill and Carey Adina Karmel(Monacelli Press, 2001, $ 50, 00) and “American Fashion Menswear” by Robert E. Bryan (Assouline, 2009, $ 50,00) – featuring in “Four famous dandies paper dolls”(Paper Press, 2010, $ 12,00), book by the illustrator Jim Howard, including celebrated dandies as Lord George – The Beau – Brummell, Oscar Wilde and the Duke of Windsor tells about himself in the following interview with the marvelous tenderness and smartness of a genuine dandy, precious individual who is a successful evidence of elegance in appearing, being and acting.

What is the core of your aesthetics and ethic, “Less is more”, quotation by the celebrated dandy Beau Brummell to which extent is it close to your thought ?

“I believe in kindness and my good nature makes me sensitive to the gentler side of life and it’s fragile beauty. Tenderness makes me the person that I am.

“Less is More”, works for some but why not “More is Better”, that can work and it does for me most of the time. I am a canvas and I like a lot of paint to complete the picture”!

What do you think about fabulosity – word reminding Michael Alig and the Club Kids – and dandyism as standards evoking elegance, style, uniqueness, freedom and a subversive mood, are they more or less connected between themselves or instead are they far one from the other?

“I do not consider “Fabulosity” a word, I prefer “Marvelous” because it means good or pleasing, splendid or extraordinary. Dandies are a marvel! I find the club scene enchanting and fascinating. Dandyism and the club world can be connected, we are all creative beings and enjoy the art and drama of self presentation”.

What are your forthcoming projects?

“A fantastic Dandy Salon is in the works”!


Patrick McDonald

Patrick McDonald, brillante, eclettico, affascinante personaggio newyorkese dell’ambiente della moda, considerato “Il dandy” per il suo stile iconico – é stato un modello, assistente buyer per le collezioni europee di Barney’s, ha lavorato per il brand Fiorucci negli anni Settanta, successivamente per il brand di alta moda Fabrice, editorialista per magazine quali PAPER, Arude e molti altri apparendo in libri quali “The Style Makers” di Marcia Sherrill e Carey Adina Karmel(Monacelli Press, 2001, $ 50, 00) ed “American Fashion Menswear” di Robert E. Bryan (Assouline, 2009, $ 50,00) – che è protagonista di “Four famous dandies paper dolls” (Paper Press, 2010, $ 12,00), libro dell’illustratore Jim Howard che include celebri dandy quali Lord George – il Beau – Brummell, Oscar Wilde ed il Duca di Windsor, si racconta nell’intervista che segue con la meravigliosa tenerezza e acume di un autentico dandy, preziosa individualità che è un felice esempio di eleganza nell’apparire, essere e agire.

Qual’é il nucleo della tua estetica ed etica, “Il meno é più” – affermazione del celebre dandy Beau Brummell – in che misura è  vicino al tuo pensiero ?

“Direi che è il mio temperamento mite. Credo nella gentilezza e la mia natura bonaria mi rende sensibile al lato più gentile della vita ed é fragile bellezza. La tenerezza mi rende la persona che sono.

“Il meno è più” funziona per un pò, ma perché non “più é meglio” che può funzionare e fa per me la maggior parte delle volte. Sono una tela e mi piace tanto colore per completare il dipinto”!

“Che ne pensi della favolosità – lemma che ricorda Michael Alig ed i Club Kids – ed il dandismo quali standard che evocano eleganza, stile, unicità, libertà e un mood sovversivo, sono più o meno connessi tra di loro o sono invece lontani l’uno dall’altro”?

“Non considero la “favolosità” una parola, preferisco “meraviglioso”, perché sta a significare buono o piacevole, splendido o straordinario. I dandy sono una meraviglia! Trovo che la scena dei locali notturni sia incantevole e affascinante. Il dandyismo ed il mondo dei locali notturni può essere legato, siamo tutti esseri creativi e apprezziamo l’arte ed il dramma della autorappresentazione”.

Quali sono i tupi progetti futuri?

“C’è un fantastico Dandy Salon tra i lavori in corso d’opera”!

Patrick McDonald


Patrick McDonald

Patrick McDonald

Patrick McDonald

Patrick McDonald and Jim Howard

Patrick McDonald


Fred Sonic Smith & Patti Smith, 1978 / Pravda, Sue & Mac 2007 (c) Sue Rynski

Sue Rynski‘s journey into photography began in the late Seventies, as she got involved in Detroit’s rock underground scene and joined up with the Michigan art collective and band Destroy All Monsters. Sonic’s Rendezvous Band, Pere Ubu, Iggy Pop, Patti Smith, Ron Asheton, The Dead Boys, Johnny Thunders are among the numerous rockers she has photographed. Today, the artist is a Paris resident and rockn’roll continues to be her muse. Her photographs are telling stories, capturing moments of raw energy, passion, and bliss.

FDG: From Detroit to Paris, you’ve always been drawn to the underground rock scene. Can you tell us about the inspiration you find there ?

SR: “I love the music! The powerful energy of live music physically possesses the body: mine, the musicians’, the crowd and is translated into emotion, movement, mastery and abandon. The clubs are small, there’s spontaneity, freedom, joy. The musicians and the crowd are there because they truly love it”. 

FDG: Your upcoming exhibition “SUE RYNSKI – ROCK: DETROIT 70 à PARIS 00” focuses on the connections between the underground rock scenes of two different cities in different decades. How did you come up with this concept?

SR: “Both are places and periods where I’ve loved the energy of the scene and have done a concentration of photography. It was natural to look at them together. The two scenes have much in common musically and also in the multitude of bands doing original material in a multitude of small clubs.

My black and white photographs from the late seventies have been widely exhibited, most recently at the Rencontres d’Arles Photography Festival this year (exhibition “I Am A Cliché: Echoes of the Punk Aesthetic”, curated by Emma Lavigne). I wanted now to give some recognition to the Paris scene. The juxtaposition of the eras and of black & white with color photos just looks right together. Each Seventies photo is followed by a 2000s photo that works like an echo. It’s kind of a museum exhibition, an in your face look at rock in a 30-year interval! There’s Johnny Thunders next to France de Griessen, Ron Asheton next to Warren Ellis, Patti Smith next to Anatomie Bousculaire…

I’m especially pleased that some of the local musicians who are in the photos will be playing at the opening: Guts Guttercat & Link Lickens of Guttercat & The Milkmen  and of course France de Griessen, one of my muses, with whom I have several projects”.

FDG: There is a lot of emotion in your images and also an amazing sense of composition and use of textures. Is it something that you think about before taking a photo or rather an instinct?

SR: “The short answer is instinct and what I’m naturally drawn to. My eye is drawn to movement and I feel the emotions. As for composition, ever since childhood I’ve been framing things with my eyes, lining things up, creating a mental frame around them, and changing position to reframe from another angle. I go for these things while I’m photographing, I don’t really think about it before”.




David Thomas, Pere Ubu, 1978 / Pere Ubu soundcheck, 2009 (c) Sue Rynski


Il viaggio nella fotografia di Sue Rynski é iniziato alla fine degli anni Settanta, essendo coinvolta nella scena rock underground di Detroit ed essendo entrata a far parte del collettivo artistico Michigan art collective e della band Destroy All Monsters. Sonic’s Rendezvous Band, Pere Ubu, Iggy Pop, Patti Smith, Ron Asheton, The Dead Boys, Johnny Thunders sono alcuni delle molteplici rock-star che ha fotografato. Oggi l’artista risiede a Parigi ed il rock n’roll continua ad essere la sua musa. Le sue fotografie raccontano storie, catturano momenti di pura energia, passione ed estasi.

FDG: Da Detroit a Parigi  ti sei sempre accostata alla scena  rock underground rock, qual’è l’ispirazione che trovi in questo ambito?

SR: “Amo la musica! La potente energia della musica dal vivo fisicamente si impadronisce del corpo: il mio, quello dei musicisti, della folla ed é tradotto in emozione, movimento, controllo e abbandono. I club sono piccoli, c’è spontaneità, libertà, gioia. I musicisti e il pubblico sono là perché lo amano davvero”. 

FDG: La tua prossima mostra “SUE RYNSKI – ROCK: DETROIT 70 à PARIS 00” é incentrata sui legami tra le scene rock underground di due diverse città in due distinte decadi. Come é nata tale idea?

SR: “Entrambi sono luoghi e tempi di cui ho amato l’’energia della scena e ho realizzato una concentrazione di fotografia. È stato naturale guardare loro insieme. Le due realtà hanno tanto in comune, musicalmente ed anche nella moltitudine di band che realizzano materiale originale in diversi piccoli locali.

Le mie fotografie in bianco e nero della fine degli anni Settanta sono state ampiamente esposte, più recentemente presso l’edizione di quest’anno del Festival di Fotografia Recontrer d’ Arles (la mostra “I Am A Cliché: Echoes of the Punk Aesthetic”, curata da Emma Lavigne). Adesso volevo dare un riconoscimento alla scena parigina. La giustapposizione delle epoche e foto in bianco e nero e a colori sta davvero bene insieme. Ogni foto degli anni Settanta è seguita da una foto del 2000 che sembra un eco. È un tipo di esposizione museale, uno sguardo esilarante sul rock in un intervallo di 30 anni. C’ é Johnny Thunders accanto a France de Griessen, Ron Asheton accanto a Warren Ellis, Patti Smith accanto Anatomie Bousculaire…

Mi fa soprattutto piacere che alcuni dei musicisti locali che appaiono nelle foto suoneranno all’inaugurazione: Guts Guttercat & Link Lickens dei Guttercat & The Milkmen e naturalmente France de Griessen, una delle mie muse con la quale ho diversi progetti”.

FDG: Si trova tanta emozione nelle tue immagini ed anche un sorprendente senso della composizione ed uso delle strutture. È qualcosa che pensi prima di scattare una foto oppure é un istinto?

SR: “La risposta breve è un istinto ed é ciò a cui mi sono naturalmente avvicinata. Il mio occhio si è accostato al movimento e sento le emozioni. Come per la composizione, sin da quando ero bambina ho incorniciato le cose con i miei occhi, allineandole, creando una cornice mentale intorno a loro e cambiando posizione per creare una nuova cornice da un altro angolo. Scelgo tali cose quando sto per fotografare, non ci penso per nulla prima”.

It will be opened on 13th January 2011 at Paris L’Apostrophe “Rock: Detroit 70 à Paris 00” and it will run until 10th February 2011,  a photo exhibition by Sue Rynski, exploring the world of rock in Detroit during Seventies – peopled by emblematic personas as Johnny Thunders – and featuring also the live performance by the smashing, vibrant artist France de Griessen. A not to be missed happening for all the ones who are devoted to art and rock’n roll.



Sarà inaugurata il 13 gennaio 2011 presso L’Apostrophe di Parigi “Rock: Detroit 70 à Paris 00” e proseguirà fino al 10 febbraio 2011, una mostra fotografica di Sue Rynski che esplora il mondo del rock a Detroit negli anni Settanta – popolato di personaggi emblematici quali  Johnny Thunders – che include anche l’ esibizione dal vivo della formidabile, vibrante artista  France de Griessen. Un evento imperdibile per tutti coloro che sono devoti all’arte e al  rock’n roll.

Mandate of Heaven Spring Ten

From grunge to the melancholic works of Francis Scott Fitzgerald, Carissa Ackerman – designer of American brand Mandate of Heaven – can find a way of exploring the playful and joyous side of absolutely anything. Mandate of Heaven ‘s one-of-a-kind sensual clothes and signature rompers are constructed from the greatest fabrics this Brooklyn resident can find in flea markets, attics and on eBay. A vintage enthusiast, her focus is however on inventing pieces for the present, by adding her ideas, experience and creativity to the collective history of fashion. Daring and fun, her deliciously eccentric and glamorous designs are currently gaining cult status across the Atlantic.


FDG: The world of Mandate of Heaven seems poetic, sensual, fun, mysterious and surely cute but never in a submissive way, how did you achieve that ?

CA: “Thank you kindly for such lovely adjectives. Mandate of Heaven’s overall style is basically a semi-ordered conglomeration of the things I love the most, with sensuality certainly not least among them. However – like its cohorts beauty and mystery – I find sensuality most interesting when combined with something more substantial – and, if possible, somewhat unexpected – like a dash of humor, though, my own appreciation for sensual attraction is irrelevant. I make clothes for the human body and the innate sexuality of that body cannot be denied and, in my opinion, should not be ignored. In fact human bodies are awesome, we should play with them as much as possible. I think a lot of people are under the misconception that when women visually express their sensuality they are by default pandering to men, thus demonstrating submission. However the exact opposite can often be true as well (in fact, the assumption itself is fundamentally sexist !). It’s all about taking control of and pleasure in one’s own sexuality. I love dudes (ok, some dudes), and see no loss of power in turning them on. Anyway, I think one passes from a position of control to submission (clothing-wise) when one begins to dress specifically to turn on, impress or please other people, male or female, instead of oneself. The great thing is, to really be sexy, such submission is actually unnecessary. When a person feels sexy, others usually agree. Moreover, if someone isn’t turned on by what you feel sexy wearing, that’s probably a great sign that said person isn’t the right partner for you! Unfortunately, it’s often the rest of society – those that aren’t potential partners in the first place – that put pressure on others to alter or suppress their sexuality – i.e. submit. Despite being sexually attracted to men exclusively, I love to see a lovely lady walk by; sadly, I know many people don’t share my opinion. While I suspect such feelings of negativity often arise from personal issues such as insecurity, I also respect the fact that my sensual powers are not of value to everyone and thus cannot be my only social contribution. Likewise an awesome outfit cannot and should not ignore the sensuality of the human form, but it’s a whole lot cooler of an ensemble if it’s got other things going on as well”.


Mandate of Heaven Spring Ten collection

FDG: There is a bit of a vintage Hollywood feel and glamour – yet your outfits manage to not evoke at all sad souvenirs of the rise and fall of fragile starlets – your clothes seems rather empowering, especially those playsuits. Can you tell us about your signature rompers and the inspiration behind your upcoming collection ?

CA: “Vintage clothes from all eras are most definitely a huge influence on my work and the bias cut dresses and tap-shorts of the 1930s happen to be particular favorites. However, I’m not interested in parroting the past, my interest is taking this amazing wealth of discovery, invention and creativity that is our collective history and combining, reworking and adding to it to create the best art/clothing/lifestyles possible for our present and future. It’s funny that you mention the often melancholy situation of old school starlets, because they make a great case in point. While I have great respect and admiration for the ladies of our past, I always inwardly cringe a little when I hear people say they wish they’d been born in a different era. I love me some corsets and ball skirts, but I sure as hell wouldn’t love being socially forced to wear either every day. Likewise I do not imagine life was sweeter than it is today for women whose most promising means of overthrowing the intense social repression wielded by mainstream men was by entertaining them en mass on screen!

I’m definitely crazy about beauty and glamour. However I’m equally thankful for the freedom to view these attributes as things that enhance my experience as a woman rather than define it. Moreover, while I think there’s real merit in womaning up and dealing with a little discomfort in the name of visual splendor every once in a while, I see no beauty in a society that forces women to sacrifice mobility and function to the visual pleasure and social comfort of others as a matter of routine. In this vein, playsuits are totally empowering, because they provide freedom of movement.  In fact, that’s one of the things I love about them the most. Moreover playsuits provide this freedom without eschewing the streamlined simplicity of a one piece garment. For this reason I find them the most practical style of ensemble to wear while working, running errands, any time I need to move around comfortably and worry free but don’t want to be in straight up exercise clothes. I must admit, though, that I was originally attraction to them, when I first began collecting the vintage variety with my mom as a little girl, because they’re so damn cute. In fact, when cut correctly, they beautifully flatter a surprising array of female figures, making them a very practical mainstay for a designer’s collection. Evidently, form following function can indeed yield sublime results.

Mandate of Heaven Spring Eleven collection

Concerning my upcoming collection Spring Eleven presented by four videos – “Greetings from the Gulf Coast” , “Greetings from Margaritaville”, “Greetings from Dixieland e Greetings from Pensacola” – I was originally inspired by my hometown, its history and heritage and its experience in the recent Gulf Coast Oil Spill (hence the shiny black wave motif). Pensacola has these amazing sugar white beaches, which disappear into beautiful turquoise water. For most of us that grow up there, the beach is a major part of life and a big point of pride (not to mention a key source of income for many). Naturally, the spill was a very scary problem. While I initially couldn’t do much to help from here in New York, I wanted to at least address and bring a little extra attention to the issue. Thus in my new collection I tried to pay homage to the beautiful Gulf Coast region and the colorful community that calls it home.I have an amazing book by Pensacola local Deborah Dunlap full of historic pictures of our beaches and the people that have enjoyed them. I started the collection by pouring over this book and subsequently designing several pieces based on beachwear from different eras. As I worked in our Bushwick studio, I concentrated on how silhouettes originally designed for the beach could with just a little reworking be surprisingly perfect for warm days wandering the streets, rooftops and local establishments here in Brooklyn (a concept that anyone already familiar with Mandate of Heaven might notice I’ve been playing with for a while!). From there I remembered that, interestingly, our current community of Bushwick/Williamsburg was once a waterfront resort town as well, which got me thinking about how communities all over the world are so unique and different, yet ultimately have so much in common. This reminded me of the importance of appreciating and taking pride in one’s local surroundings in general, whatever they are, the art of community building and how beauty can be found everywhere, from the black and copper mess of a devastating oil spill to the gleaming asphalt jungle of a city baking in the sun. All of these concepts became part of the collection. Stylewise, think preppy, hippie, pinup, parrothead beach bum, pioneer trustifarian, Southern belle from the Teens, Twenties, Thirties, Fourties, Fifties, Sixties, Seventies, Eighties Nineties and today, covered with oil. Meanwhile, in Pensacola Beach, our own local community really rallied; by the time we got down there to shoot, everything was mostly cleaned up. The oil spill is definitely still an issue, and will continue to have repercussions; however, thanks in part to their own hard work, the worst is over and the locals can soldier on.  I think their dedication to the place they live is awesome.  Times are a little harder for everyone as of late, but we can all help a little by playing active roles in building, maintaining and ameliorating the communities to which we are a part- and these are, in my opinion, the perfect clothes to wear while doing so”.

 Can you tell us about your collaboration with writer and performance artist Kate Durbin and about the spectacular “Crystal Allen” ensemble you designed for her ?


Kate Durbin in Crystal Allen by Mandate of Heaven



I’m so glad you like the Crystal Allen; he’s a particular favorite of mine. Like most of the pieces she’s chosen, Kate saw that guy in a fashion show (our Fall 2009 Recession/Depression collection), and sent us an email to inquire about its availability. I was actually planning to keep the original in my own stash, but I knew the ensemble would be perfect on her, so I took her order as an opportunity to create a new, more perfected version in exactly her size. I grew up watching 1930s movies with my mom, and “The Women” – movie by George Cukor – was always one of our very favorites. While I have trouble with parts of the film’s larger message – as far as feminism is concerned, its a helluva can of worms -, I remain enamoured with almost everything else about it, especially the amazing clothes, created by the brilliant designer Adrian. The fashion show in the film  is still the most fantastic I’ve ever viewed . The Crystal Allen Ensemble is a direct homage to an outfit its namesake wears while delivering, in my opinion, her best line in the film, and one which in many ways encapsulates the feminist/antifeminist tensions of the story.

Truthfully, the main reason I referenced this ensemble is that it’s just so damn gorgeous; and its elements, which I divided into 5 mix and matchable separate pieces, have so many interesting possibilities. However, its significance in the story was certainly of interest to me as well, and definitely not lost on Ms. Durbin, who brings to the table a valuable feminist perspective of her own.  Moreover, its full-on late 30s glamour is a perfect example of Depression Era sartorial escapism in film, which was a big theme in our collection that season. I was trying to cheer people up after our own recent financial issues!Kate’s awesome, and wears our stuff just beautifully, she totally gets it. She’s got great taste and really understands clothes. Additionally, she’s super intelligent and creative, so she appreciates the pieces on multiple levels. Thus, collaboration with her is always a real pleasure. She began ordering pieces from Mandate via the internet, and as we corresponded about the details of her new outfits, we became friends as well as mutual admirers. Also among Kate’s Mandate collection are the Red Bishop, Rocking Horse Fly and Unicorn ensembles from our Spring 09 homage to Lewis Caroll’s  “Through the Looking Glass”, and a Cinderella Ball Ensemble from our Fall Ten Brother’s Grimm Collection”. 






Mandate of Heaven Spring Ten

Dal grunge alle malinconiche opere di Francis Scott Fitzgerald, Carissa Ackerman – designer del brand americano Mandate of Heaven – trova il modo di esplorare la parte giocosa e gioiosa del nulla assoluto. Gli strani sensuali abiti ed i pagliaccetti dal tocco personale di Mandate of Heaven sono costruiti con i migliori tessuti che questa residente di Brooklyn può trovare nei mercatini delle pulci, nei soffitti eBay. Pur essendo un’ entusiasta del vintage, rivolge la sua attenzione sulla creazione di abiti per il presente, aggiungendo le sue idea, esperienza e creatività alla storia collettiva della moda. Audaci e divertenti, le sue creazioni deliziosamente eccentriche e glamour stanno attualmente ottenendo lo status di oggetto di culto in tutto l’Atlantico.

FDG: Il mondo di Mandate of Heaven sembra poetico, sensuale, divertente, misterioso e estremamente bello, ma non in modo remissivo, come sei riuscita a ottenere ciò? 

CA: “Ti ringrazio per gli splendidi aggettivi usati per descrivere il mio brand. Lo stile complessivo di Mandate of Heaven è essenzialmente un complesso semi-ordinato delle cose che amo di più unitamente alla sensualità che non è da meno. Tuttavia – come i suoi compagni bellezza e mistero – ritengo che la sensualità sia molto più interessante quando sia connessa a qualcosa più rilevante – e possibilmente alquanto inaspettata – come un tocco di umorismo-. E ciò a prescindere dal personale apprezzamento per l’attrazione sessuale. che è peraltro irrilevante. Faccio vestiti per il corpo umano e l’innata sessualità di quel corpo non può essere negata e – a mio parere – non dovrebbe essere ignorata. Infatti i corpi umani sono splendidi, dovremmo giocare con loro il più possibile. Ritengo che un sacco di gente abbia il pregiudizio secondo cui ogni qual volta le donne esprimano la loro sensualità costoro stiano facendo ciò per compiacere gli uomini, dimostrando perciò sottomissione. In ogni caso l’esatto opposto può essere spesso altrettanto vero (infatti, l’assunto stesso é fondamentalmente sessista!). É tutta questione di prendere il controllo e provare piacere dalla sessualità di un individuo. Amo i ragazzi (ok, alcuni ragazzi), e non vedo alcuna perdita di potere nel suscitare il loro interesse. Tuttavia ritengo che si passi da una posizione di controllo alla sottomissione(riguardo all’ abbigliamento) quando un individuo comincia a vestirsi appositamente per destare interesse, impressionare o compiacere altra gente, uomini o donne, invece che sé stessi. La cosa rilevante allo stato attuale è la non necessità di tale sottomissione per essere veramente sexy. Quando una persona si sente sexy, altre solitamente concordano. Inoltre se qualcuno non è attratto da ciò che ritieni sexy da indossare, ciò é probabilmente un ottimo segnale per capire che costui non è il partner giusto! Sfortunatamente è spesso il resto della società – in primo luogo coloro che non sono partner potenziali che esercitano pressione sugli altri per alterare o reprimere la loro sessualità – l’esempio di sottomissione.  Pur essendo sessualmente attratta unicamente dagli uomini, mi piace vedere una bella donna che mi passa davanti, anche se sono – tristemente -, so però che molta gente non condivide la mia opinione. Nonostante supponga che tali sentimenti negativi spesso siano derivanti da questioni personali quali l’insicurezza, rispetto anche il fatto che i miei poteri sensuali non abbiano valore per tutti e perciò non possano essere il mio unico contributo sociale. Allo stesso modo penso che uno splendido outfit non possa e non dovrebbe, ignorare la sensualità della figura umana, pur essendo molto più cool di un completo, si dovrebbe avere addosso anche altre cose che sono ben fatte”.


Mandate of Heaven Fall Ten, Little Red Cap Collection

FDG: Trovo un certo pizzico di spirito vintage e glamour hollywodiano nei tuoi abiti – che non evocano tutti quei tristi souvenir della nascita e morte di fragili starlette, anzi sembrano emancipare la donna -, in particolare i play-suit -, ci puoi parlare dei pagliaccetti da te firmati e dell’ispirazione della tua prossima collezione?

CA: “Gli abiti vintage di tutte le epoche rivestono assolutamente una enorme influenza sul mio lavoro e si da il caso che gli abiti e shorts tagliati a sbieco degli anni ’30 siano i dettagli che preferisco. Tuttavia non sono interessata nel ripetere a pié pari il passato, il mio interesse sta nel prendere questa splendida ricchezza fatta di scoperta, invenzione e creatività che fa parte della nostra storia collettiva, unendo, rielaborando e aggiungendo ad essa dell’altro per creare le migliori cose possibili nell’arte/abbigliamento/stili di vita per il nostro presente e futuro.

Mandate of Heaven, Fall Ten, Little Red Cap Collection

É buffo che parli della sovente malinconica situazione delle starlette di vecchio stampo, perché sono un esempio molto significativo. Pur avendo grande rispetto e ammirazione per le signore del nostro passato, mi fa sempre rabbrividire sentire gente dire che avrebbe preferito essere nata in una epoca diversa. Mi piacciono addosso a me alcuni corsetti e gonne da ballo, ma sono assolutamente certa che non mi sarebbe piaciuto essere socialmente costretta a indossare entrambe le cose ogni giorno; così come non immagino che la vita fosse più dolce di quella di oggi per le donne il cui mezzo più promettente per sovvertire l’intensa repressione sociale esercitata  convenzionalmente dagli uomini era il loro intrattenimento in massa sullo schermo! Vado matta per bellezza ed eleganza, ma sono anche grata di avere la libertà di vedere questi attributi come cose che migliorano la mia esperienza di donna anziché definirla. Inoltre – pur pensando che esista un reale merito nel femminilizzare completamente, facendo i conti di tanto in tanto con un piccolo disagio in nome dello splendore visivo – non vedo alcuna bellezza in una società che costringe le donne a sacrificare mobilità e funzione per il piacere visivo e il benessere sociale altrui quale questione di routine. In questo senso i pagliaccetti sono del tutto emancipanti, perché offrono libertà di movimento. Infatti questa é una delle cose che amo di più in loro. Inoltre i pagliaccetti forniscono questa libertà senza sfuggire alla semplicità dalla linea moderna di un unico indumento. Per questa ragione trovo in loro lo stile più pratico di coordinato da indossare mentre si lavora, fanno le commissioni, ogni qual volta abbia bisogno di andare in giro comodamente senza alcuna preoccupazione, ma non voglia stare in stretto esercizio di vestiti. Devo ammettere che sin da bambina ero attratta da loro – quando ho cominciato a collezionare una varietà di vintage con mia madre – perché erano dannatamente belli. Infatti una volta cuciti in modo appropriato, donano magnificamente un sorprendente assortimento di figure femminili, rendendoli un perno molto pratico della collezione di un designer. Evidentemente la forma che segue la funzione può davvero produrre sublimi risultati.

Riguardo alla mia ultima collezione Spring Eleven presentata in quattro video – “Greetings from the Gulf Coast” , “Greetings from Margaritaville”, “Greetings from Dixieland e Greetings from Pensacola” – a cui seguirà ultimo, il finale, il tema è ispirato alla mia città natia, la sua storia, eredità, e la sua esperienza nella recente fuoriuscita del petrolio nella costa del golfo ( da cui il motivo a onda in nero brillante). Pensacola ha queste splendide spiagge – Sugar White beaches – che scompaiono nella bella acqua turchese. Per molti di noi che ivi sono cresciuti, la spiaggia rappresenta la maggior parte della vita e un grande motivo di orgoglio (non dico ciò per menzionare una risorsa chiave di guadagno per molti). Naturalmente la fuoriuscita è stata davvero un grande problema. Pur non avendo potuto essere molto di aiuto da qui, a New York, ho voluto almeno indirizzare e portare una attenzione extra al problema. Perciò nella mia collezione ho cercato di rendere omaggio alla bella regione della Gulf Coast ed alla colorata comunità che la chiama casa.

Ho uno straordinario libro di Deborah Dunlap, residente di Pensacola pieno di immagini storiche delle nostre spiagge e gente che le ha apprezzate. Ho iniziato la collezione trasfigurando questo libro e in seguito disegnando diversi pezzi che si basano sulla collezione di abbigliamento da spiaggia di varie epoche. Avendo lavorato nel nostro studio di Bushwick, mi sono concentrata sul modo in cui le silhouette originariamente disegnate per la spiaggia, potessero mediante una piccola rielaborazione essere sorprendentemente adatte per le giornate calde in cui si va in giro per le strade, i tetti e le imprese locali qui a Brooklyn (un’idea con cui ho giocato per un po’ che chiunque abbia già familiarità con Mandate of Heaven potrebbe notare!). In seguito ho ripensato che la nostra attuale comunità di Bushwick/Williamsburg era una volta anche il litorale di una città di spiaggia, ciò mi ha fatto pensare a quanto siano talmente uniche e diverse le comunità di tutto il mondo eppure abbiano così tanto in comune. Ciò mi ha fatto riflettere sull’ importanza di apprezzare ed essere orgogliosi del proprio ambiente locale, ovunque esso sia, l’arte di costruire della comunità e quanta bellezza può essere trovata in ogni luogo, dal caos nero e bronzo di una devastante fuoriuscita di petrolio alla giungla d’asfalto brillante di una città che si cuoce al sole. Tutte queste idee sono divenute parte della collezione. Riguardo allo stile, penso una preppy, hippie, pin-up, parrothead – stereotipo americano di chi indossa una camicia hawaiana, infradito e pantaloncini o gonne hawaiane e reggiseni in noce di cocco – , tipa da spiaggia, pionieristica trustafariana – individuo suggestionato da tendenze hippie o altre controculture – bellezza del sud America dei primi del novecento, degli anni Venti, Trenta, Quaranta, Cinquanta, Sessanta Settanta, Ottanta, Novanta e di oggi, ricoperta di petrolio.

Inoltre a Pensacola Beach la nostra comunità locale si é davvero mobilitata, quando siamo scesi laggiù per effettuare le riprese, tutto era già stato quasi del tutto ripulito. La fuoriuscita di petrolio è tuttora un problema e in ogni caso continuerà ad avere ripercussioni. In ogni caso grazie in parte al loro duro lavoro il peggio è passato e la gente del luogo tiene duro. Mi sembra fantastica la loro dedizione al luogo in cui vivono. Recentemente i tempi sono un pò più duri per tutti, ma possiamo tutti essere un po’ d’aiuto rivestendo ruoli attivi nella ricostruzione, mantenimento e miglioramento delle comunità di cui facciamo parte e questi sono – secondo me – gli abiti perfetti da indossare per fare ciò”.

FDG: Ci puoi parlare della tua collaborazione con la scrittrice e performer Kate Durbin sullo spettacolare outfit “Crystal Allen” che hai disegnato per lei?

CA: “ Sono davvero felice che ti piaccia Crystal Allen, il mio outfit preferito. Mi piace la maggior parte dei pezzi che ha scelto Kate. Costei ha visto quel modello in una sfilata (la nostra collezione autunno 2009 Recessione/Depressione) e ha inviato un’email per chiederci della sua disponibilità. Stavo pensando di tenere l’originale per me, ma sapevo che l’abbigliamento sarebbe stato perfetto su di lei, sicché ho preso il suo ordine, avendo l’ opportunità di creare una nuova versione ulteriormente perfezionata nella sua taglia.

Kate Durbin in Crystal Allen by Mandate of Heaven

Sono cresciuta guardando con mia madre i film degli anni Trenta e “Donne” – di George Cukor – era da sempre uno di quelli che preferivamo. Pur avendo problemi con le parti più salienti della pellicola – in materia di femminismo il film è un bel casino di marciume -, sono ancora innamorata di tutto il resto, gli splendidi vestiti, creati dal brillante designer Adrian. La sfilata del film è ancora la più fantastica che abbia visto. L’abbigliamento Crystal Allen è un omaggio diretto a un outfit che la sua omonima indossa nel momento in cui dice la sua battuta migliore nel film che in vari modi incorpora le tensioni femministe/antifemministe della storia. In verità la principale ragione per cui ho fatto riferimento a questo abbigliamento è perchè è così maledettamente bello; i suoi elementi che ho diviso in 5 combinazioni e distinti pezzi abbinabili hanno plurime possibilità estremamente interessanti. Tuttavia mi interessava senza dubbio anche il suo significato nella storia e non mi é sfuggita per nulla Ms. Durbin che porta in tavola una valida visione femminista di sé stessa. Inoltre il suo completo glamour di fine anni Trenta é un esempio perfetto dell’ escapismo sartoriale dell’ Epoca della Depressione, un grande tema della nostra collezione in quella stagione. Stavo provando a tirare su la gente dopo le nostre recenti problematiche finanziarie!

Mandate of Heaven Holiday collection

Kate è straordinaria e indossa le nostre cose meravigliosamente, ne capisce tanto. Ha un grande gusto e se ne intende davvero di vestiti, inoltre è super intelligente e creativa, perciò apprezza le creazioni da diversi punti di vista. Pertanto è sempre un piacere collaborare con lei. Ha iniziato a ordinare i pezzi di Mandate via the internet e non appena ci siamo scritte sui dettagli dei nuovi outfits, siamo diventate amiche come anche reciproche ammiratrici. Fanno anche parte della collezione di Mandate di Kate i coordinati Red Bishop, Rocking Horse Fly e Unicorn della nostra collezione estiva del 2009, omaggio ad “Attraverso lo specchio” di Lewis Caroll e un coordinato Cinderella Ball della nostra collezione Ten Brother’s Grimm”. 

Mandate of Heaven holiday collection

Pj Linden in Mandate of Heaven at the Brooklyn art show Banzaii

The Dukes, photo by Natydred


Paris was covered in snow when The Dukes delivered a dazzling performance at Le Nouveau Casino this month, and – lucky me – I was there. The band was created less than a year ago and it has not taken these guys long to become a much anticipated attraction. This exciting indie-rock act may be new, but its founding members Shanka (vocals/guitar) and Greg Jacks (Drums) are nonetheless already well aquainted with rock’n’roll as they have previously played more than 150 gigs together in French band No One Is Innocent. Joined by Gaspard Murphy (vocals/guitar) and Stephen Galtera, The Dukes are currently on tour in Europe.

I asked Shanka to tell us about the band’s music, influences – as 90’s hardcore and indie bands, classic rock’n roll, pop, punk and poets such as William Blake and Patti Smith – and live experiences. ”

FDG: You describe your music as “sweet songs with unsweet sounds”, Can you elaborate on that and on how you came up with that distinctive sound ?

S: “I always listened to many different styles of music to feed my inspiration. I belong to the “X generation”: I grew up with all those new melodic-noisy-hardcore bands (what people usually call grunge) and ever since I’ve been in love with that kinda noisy/instinctive approach to music. And also the punk ideas that come with it, like DIY and the urge to be free and anti-conformist! My pop influences are important to me because I’m not the kind of guy who composes for a very special type of people : I want my girlfriend to be able to enjoy my music as much as anybody who’s not especially into rock music. I’m into folk, classic rock and poetry because I think lyrics are crucial. My own personal holy grail is to be able to be a good story teller. I need to deeply believe in what I’m singing! That’s why Elliott Murphy (Gaspard’s father) has been a very important character in my personal story, I learned a lot with him in terms of writing & telling. The power of lyrics is often underestimated by musicians, I don’t want to be one of those who only write clichés like “baby baby come on let’s rock yeah yeah yeah”, but I don’t want to write artificially complex or pretentious lyrics either. To me it’s just a question of balance between simplicity, efficiency and honesty! 

FDG: Considering that your songs include some elements of noise and hardcore but yet they’re catchy, melodic and very accessible, what have you to say about fun and rock’n roll?

S: “I generally like it sweet and sour! Pure violence is cool, pure fun too, but I’d rather mix the two… It’s all chemistry. It’s pretty much the same as food: eating the same dish everyday would drive me crazy! I’m trying to offer the audience a variety of songs that might make them laugh, cry, howl, or dance. As I said earlier, my goal is to become a good story teller… But it has to remain fun. Music is NOT of serious matter, it’s just entertainment or a complex language at the most. So I keep on playing music with a very simple intention: pleasing myself as well as others! There are many paths to rock ‘n roll, I choose the fun one!”

FDG: I was very impressed by your live performance, each band member was captivating to watch, not only because you are all talented and generous musicians, but also because we could feel how passionate you are about what you do. How would you describe your experience when you are onstage ?

S: “Playing on stage is like a trance. You can say whatever you want, take as many poses as you want or buy nice outfits or fancy gear, it’s always the same problem : trying to release your inner shaman ! When the adrenaline starts to flow in your veins, which implies a lot of different (and sometimes complex) parameters, you have to let the trance come to you, and at the same time try to control it (so you won’t do really stupid things on stage and risk your life!). You used the word “generous” and I’m pretty much convinced that generosity is the key. How can you expect to get positive feedback after a gig if you don’t give anything to the audience? You just have to let go, meaning being able to play your songs without thinking too much while surrendering yourself to the music and the physicality of it. To use a sexual metaphor, you can’t come if you’re too uptight!”



The Dukes, photo by Natydred


Parigi era coperta di neve quando i Dukes hanno tenuto in questo mese una splendida esibizione presso Le Nouveau Casino – fortunatamente – c’ero anche io. La è stata creata meno di un anno fa e non c’è voluto molto tempo a questi questi ragazzi di diventare un’attrazione molto attesa. Questo entusiasmante numero indie-rock può essere nuovo, ma i suoi fondatori, Shanka (voce/chitarra) e Greg Jacks (percussioni), tuttavia hanno già una grande familiarità con il rock’n’roll, avendo precedentemente suonato insieme prima in più di 150 concerti nella band francese “No One Is Innocent”. Insieme a Gaspard Murphy (voce/chitarra) e Stephen Galtera, i Dukes sono attualmente in tournée in Europa.

Ho chiesto a Shanka di parlarci della musica della band, influenze – quali le band hard-core ed indie degli anni ’90, il rock’n roll classico, pop, punk and poeti come William Blake e Patti Smith – ed esperienze durante i live.

FDG: Descrivi la tua musica come dolci canzoni con sonorità prive di dolcezza”, puoi spiegarci ciò e il modo in cui è stata creata questa peculiare sonorità?

S: “Ho sempre ascoltato molteplici generi di musica diversi per nutrire la mia ispirazione. Appartengo alla “generazione X”: sono cresciuto con tutte quelle nuove band melodiche-rumorose di hardcore (ciò che la gente solitamente definisce grunge e da sempre ho amato quel tipo di approccio rumoroso/istintivo alla musica. E anche le idee punk che derivano da essa, come DIY e il desiderio di essere liberi e anticonformisti! Le mie influenze pop sono molto importanti perche non sono il tipico individuo che compone pezzi per un particolare tipo di gente: voglio che la mia ragazza possa apprezzare la mia musica nella stessa misura di chiunque altro che non è appassionato di musica rock. Sono appassionato di musica folk, rock classico e poesia perché ritengo che i testi siano fondamentali. Il mio sacro Graal personale è avere la capacità di essere un bravo cantastorie. Ho bisogno di credere profondamente in quello che sto cantando! Ciò è perché Elliott Murphy (il padre di Gaspard) è stato un personaggio molto importante nella mia storia personale, ho imparato tanto da lui in termine di scrittura e narrazione. Il potere dei testi è sovente sottovalutato dai musicisti, non voglio essere uno di quelli che scrive cliché come “baby baby come on let’s rock yeah yeah yeah”, ma non voglio neppure scrivere in modo artificiale testi complessi o pretenziosi. Ritengo che sia soltanto una questione di equilibrio tra semplicità, efficacia e onestà!” 

FDG: Considerando che le tue canzone includono alcuni tratti di rumore, pure essendo accattivanti, melodici e molto comprensibili, che ne pensi del divertimento e rock’roll ?

S: Solitamente mi piace l’agrodolce! La pura violenza è cool, il divertimento puro anche, ma piuttosto farei un mix di entrambe… È tutta una questione di chimica. È praticamente lo stesso cibo: mangiare lo stesso piatto ogni giorno mi farebbe impazzire! Cerco di offrire al pubblico una varietà di canzoni che potrebbero farli ridere, piangere, urlare o ballare. Come ho detto prima, il mio intento è diventare un bravo cantastorie, ma deve restare il divertimento. La musica NON è una questione seria, è soltanto intrattenimento o per lo più un linguaggio complesso. Perciò mi dedico a suonare musica con un intento molto semplice: far piacere a me stesso come anche agli altri! Esistono molte vie verso il rock ‘n roll, io scelgo quella divertente!

FDG: Mi ha impressionata la tua esibizione dal vivo, ogni componente della band era  affascinante da vedere, non soltanto perché siete tutti musicisti talentuosi e generosi, ma anche perché potevo sentire con quanta passione mettete in ciò che fate. Come descriveresti ciò l’esperienza derivante dall’essere sul palco?

S: Suonare su un palcoscenico è come essere in trance. Puoi dire ciò che vuoi,  assumere tutti gli atteggiamenti che vuoi o comprare bei vestiti o costose attrezzature, è sempre il medesimo problema: provare a liberare il tuo sciamano interiore ! Quando l’adrenalina inizia a scorrere nelle vene che implica una miriade (talvolta complessa) di standard diversi, devi lasciare che la trance giunga e al tempo stesso cercare di controllarla (al fine di non fare cose davvero stupide sul palco e non rischiare la vita!). Hai usato la parola “generosi” e sono abbastanza convinto che la generosità sia la chiave. Come puoi aspettarti di avere un feedback positivi dopo un concerto se non dai qualcosa al pubblico? Devi soltanto lasciarti andare, intendo l’ essere capace di suonare senza pensare troppo mentre ti abbandoni alla musica ed alla sua fisicità. Usando una metafora sessuale, non puoi venire se sei troppo teso!

Shanka, photo by Natydred


Still from the France de Griessen's video "Ballerina" directed by Benoît Lelièvre:


Freedom, art, eccentricity and rock’n roll depicts France de Griessen, Belgian vibrant eclectic artist and singer of whose work “comes straight” – as she asserts – “from my heart and soul”. I’d rather die – says the artist than live in a world in which I am deprived of these things. As Patti Smith beautifully puts it in her song “Rock’n’Roll Nigger”: “I was lost in a valley of pleasure/I was lost in the infinite sea/I was lost, and measure for measure/love spewed from the heart of me/I was lost, and the cost/ and the cost didn’t matter to me/ I was lost, and the cost/ was to be outside society.”A genuine artist and amazing individual telling about herself – during a touching conversation -, succesfully making concrete all the values being joining with me along with many individuals who feel, act and live under the sign of freedom an sharing.

When did you start to be involved with music?

“I started out by creating a multimedia  theater and performance art company called “Teen Machine”. The shows would combine elements of theater, music, dance and video/super-8/photography. Then I met composer and musician Michaël Gadrat in 2003, while I was in the process of writing a concept-album about a female version of Billy The Kid. I was looking for someone to work with me on that project and he was exactly the kind of person and musician I was looking for. Teen Machine, then morphed into a duo and we toured and released the album called “Billy” in 2005. Later Michaël wanted to focus on teaching music, so our collaboration ended. I decided to embark on a solo career in the summer of 2006. Thus I asked François Shanka Maigret (from “No one is innocent” and “The Dukes”) if he would collaborate on a few songs with me for a solo EP, he said yes, and we got along musically so well that we kept the collaboration going.When I was 11 or 12, I found a copy of the New-York Dolls’ debut album in the local library and borrowed it, as I thought the cover photo looked so cool that I needed to hear this music immediately. Guys with makeup, glamourous women clothing, and punk rock’n’roll. Wow, I was hooked! I thought it was worth growing up to meet such people someday. Music has been my friend ever since, through bad and great times and I now like many different styles of music. There were times when I wanted to die and it was always music that helped me get my life back on track. Sometimes, it’s a song or even a bit of a song you hear, and your world is changed. For me, it’s like that, it’s been that important in my life. Thus I must say, even before I started to create my own music, I was involved with music: gathering influences, feelings, life experiences. It’s the same for any musician or artist I think. We watch, hear, live, feel and transform this into something to share with others”.

Music and art, two channels comunicating between themselves, that is how could be depicted your experience of expressing yourself?

“I am a pluridisciplinary artist, so yes i would say so. I need to create a whole world of my own. I guess because it was such a “complete” experience when I “met” music it has probaly influenced my vision! See, that New-York Dolls cover had it all : it was theatrical, had a vision about fashion, great design and lipstick written logo (a concept in itself since it obviously was inspired by serial killer William Heirens whose parents raised telling him that “All sex is dirty. If you touch anyone, you get a disease” ). I love every aspect of being an artist, and how each medium can respond to another. Also, collaborations with other musicians, photographers, filmmakers, fashion designers are very important to me. Creating a thing of beauty and poetry according to my standards is what I find the most fulfilling as an artist, and I indeed feel the need to combine different ways of expressing myself to achieve that. The songs on my EP “Six Uses For a Heart” and on my upcoming LP were inspired by Andersen’s fairy tale “The Red Shoes” as I think this story is a great metaphor for the life of an artist: you need to be connected to your instincts, to “dance” because it’s your nature and you must do it, to find some sort of equilibrium between your demons and what keeps you alive and well. Which is why I wore dirty ballerina shoes with glitter on it for the photoshoot for the EP. Everything conveys a message, and I think using different ways to express something makes the message stronger”.

What are your forthcoming projects?

“A new LP, which is almost ready! And also a book with Sue Rynski ( She’s an incredible artist who has  photographed the underground Detroit scene at the end of the 70’s – Johnny Thunders, Patti Smith, Iggy Pop, Ron Asheton, Destroy All Monsters – of whose current work is totally amazing too. I met her about two years ago in Paris, and she has photographed many of my gigs, then we also did more “scheduled” photoshoots. Then came the idea to make a book with her photos and the lyrics of my songs.We are currently working on it. I recently had the honor to have my song ” I want to be you” featured on the soundtrack of Bruce LaBruce’s new movie “LA Zombie”  and he even directed the video for this song, which you can hear on the official trailer. I had been a fan for several years, and when I get to work with people whose work I adore, it means that things are going in a good direction. And for me, the good direction definitely involves people who share these values”.



France de Griessen


 Libertà, arte, eccentricità e rock’n roll dipingono France de Griessen, vibrante, eclettica artista e cantante belga il cui lavoro “proviene direttamente” – come afferma – “da cuore e anima”.”Morirei” – dice l’artista – piuttosto che vivere in un mondo in cui sono privata di queste cose. Come Patti Smith ha magnificamente inserito nella sua canzone “Rock’n’Roll Nigger”: “I was lost in a valley of pleasure/I was lost in the infinite sea/I was lost, and measure for measure/love spewed from the heart of me/I was lost, and the cost/ and the cost didn’t matter to me/ I was lost, and the cost/ was to be outside society”. Un’autentica artista e splendida individualità che si è raccontata – durante una emozionante conversazione -, concretizzando felicemente tutti i valori che accomunano me unitamente a molteplici individualità che sentono, agiscono e vivono all’insegna della libertà e condivisione”.

Quando hai iniziato ad occuparti di musica?  

“Ho cominciato creando un teatro multimediale ed una compagnia artistica di performer chiamata “Teen Machine”. Gli spettacoli avrebbero unito elementi di teatro, musica, danza e video-fotografia in super 8. Successivamente ho incontrato il compositore e musicista Michaël Gadrat nel 2003, mentre mi stavo occupando della scrittura di un concept-album su una versione femminile di Billy The Kid. Ero alla ricerca di qualcuno con cui lavorare insieme per quel progetto e costui era esattamente il tipo di individuo e musicista che stavo cercando. I Teen Machine si sono, poi trasformati in un duo e noi siamo andati in tounéee ed abbiamo pubblicato l’album chiamato “Billy” nel 2005. Successivamente Michaël voleva concentrarsi sull’insegnamento musicale, perciò la nostra collaborazione si è conclusa. Ho deciso di intraprendere la carriera da solista nell’estate del 2006. Pertanto ho chiesto a François Shanka Maigret (dei “No One Is Innocent” e “The Dukes”) se avrebbe collaborato con me per alcune canzoni per un EP da solista, ha acconsentito e abbiamo avviato una felice  collaborazione che abbiamo tuttora mantenuto. All’età di undici o dodici anni ho trovato una copia dell’album di debutto delle New-York Dolls presso la biblioteca del luogo e l’ho presa in prestito, pensando che la copertina fosse così cool sicchè avevo bisogno di ascoltare subito questa musica. Ragazzi truccati, incantevoli vestiti da donna e rock’n’roll punk. Wow, ero andata completamente in fissa! Pensavo che valesse la pena di crescere per incontrare un giorno questo tipo di persone. La musica è stata la mia amica da sempre in momenti tristi e felici e adesso apprezzo plurimi generi musicali. Ci sono stati momenti in cui volevo morire ed è stata sempre la musica che mi ha aiutato a rimettermi in carreggiata. Qualche volta è una canzone o un frammento di una canzone che si ascolta e il tuo mondo è cambiato. Per me è così, è ciò che ha avuto importanza nella mia vita. Pertanto devo dire che ancor prima che iniziassi a creare la mia musica, mi sono occupata di musica: accumulando influenze, sentimenti, esperienze di vita. Credo che ciò valga per ogni musicista o artista. Guardiamo, ascoltiamo, viviamo, sentiamo e trasformiamo tutto ciò in qualcosa da condividere con gli altri”.


Musica e arte, due canali che comunicano tra di loro, ciò è come potrebbe essere rappresentata la tua esperienza nell’esprimere te stessa?

“Sono un’artista multi-disciplinare, sicchè, si direi proprio che è così. Ho bisogno di creare un intero mondo che sia propriamente mio. Suppongo che sia dovuto al fatto che la musica è stata un’ esperienza così “completa” dal momento in cui ho “conosciuto” la musica, essa ha di certo influenzato il mio modo di vedere le cose! Considera che la copertina delle New-York Dolls cover aveva tutto ciò: era teatrale, aveva un formidabile visione della moda, un grande design ed il logo scritto con il rossetto (un concept in sè stesso dal momento che si ispirava ovviamente al serial killer William Heirens i cui genitori l’hanno cresciuto dicendo a lui che  “Tutto ciò che riguarda il sesso è sporco. Se tocchi qualcuno, ti ammali” ). Amo ogni aspetto che deriva dall’essere un’artista e come ogni mezzo espressivo può rispondere a un altro. Anche le collaborazioni con altri musicisti, fotografi, registi, fashion designer sono molto importanti per me. Creare un qualcosa di bello e poetico che si basa sui miei standards è ciò che da artista trovo appagante e sento davvero l’esigenza di unire diverse modalità di espressione per realizzare tutto questo. Le canzoni del mio EP “Six Uses For a Heart” e il prossimo LP sono ispirate alla favola di  Andersen “Le scarpette rosse” poichè ritengo questa storia una grande metafora della vita di un’artista: hai bisogno di essere in contatto con i tuoi istinti per “danzare” perchè è nella tua natura e lo devi fare, trovare una specie di equilibrio tra i tuoi demoni e ciò che di mantiene vivo e ti fa stare bene. Questa è la ragione per cui ho indossato scarpette da ballo sporche cosparse di glitter per il servizio fotografico per l’ EP. Ogni cosa esprime un messaggio e credo che l’uso di diversi modi per esprimere qualcosa renda il messaggio più forte”.  

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

“Un nuovo LP che è quasi pronto! E anche un libro con Sue Rynski (, incredibile artista che ha fotografato la scena underground di Detroit alla fine degli Anni Settanta – Johnny Thunders, Patti Smith, Iggy Pop, Ron Asheton, Destroy All Monsters – il cui lavoro attuale è altrettanto meraviglioso. L’ho conosciuta circa due anni fa a Parigi ed ha fotografato molti dei miei concerti, poi abbiamo realizzato ulteriori shooting “programmati”.Successivamente è venuta l’idea di fare un libro con le sue fotografie ed i testi delle mie canzoni. Stiamo attualmente lavorando ad esso. Recentemente ho avuto l’onore di avere la mia canzone ” I want to be you” inclusa nella colonna sonora del nuovo film di Bruce LaBruce’s “LA Zombie”  che ha anche girato il video di questa canzone  ascoltabile nel trailer ufficiale. Sono stata una ammiratrice per diversi anni e quando ho avuto l’opportunità di lavorare con gente il cui lavoro adoro significa che le cose stasnno andando nella giusta direzione. E per me la direzione giusta di certo coinvolge gente che convidono questi valori. Recentemente ho avuto l’onore di avere la mia canzone ” I want to be you” inclusa nella colonna sonora del nuovo film di Bruce LaBruce’s “LA Zombie” che ha anche girato il video di questa canzone che si può ascoltare nel trailer ufficiale. Sono stata una ammiratrice per diversi anni e quando ho avuto l’opportunità di lavorare con gente il cui lavoro adoro significa che le cose stasnno andando nella giusta direzione. E per me la direzione giusta di certo coinvolge gente che convidono questi valori”. 

France de Griessen, still from her video "Ballerina" directed by Benoît Lelièvre "Revolution has your face" by France de Griessen

France de Griessen


“Dare” by France de Griessen


Revolution has your face by France de Griessen