You are currently browsing the tag archive for the ‘exhibitions’ tag.

Joe Corrè, photo by Curtis Gibson, courtesy of A Child of the Jago

 

“One’s self I sing, a simple separate person,
Yet utter the word Democratic, the word En-Masse.

Of physiology from top to toe I sing,
Not physiognomy alone nor brain alone is worthy for the Muse, I
say the Form complete is worthier far,
The Female equally with the Male I sing.

Of Life immense in passion, pulse, and power,
Cheerful, for freest action formed under the laws divine,
The Modern Man I sing”.

Walt Whitman, “One’s self I sing”, in “Leaves of grass”

 

The lyrics by Walt Whitman are the best way to introduce my interview with Joe Corrè, his bright and romantic point of you, that romanticism I celebrate where the freedom is the higher value. He is the modern man sang by Whitman where passion, pulse and power are addressed to make the world a better place, invite people to question about everything in order to develop an autonomous way of thinking which is respectful of the world surrounding us. I could spend a lot of words to talk about Joe, his social activism (focused on supporting the Climate Revolution started by the mother Vivienne Westwood, the fight against the fracking and INEOS, which came during the last Fall came behind the British tribunals), the many talents and successes as businessman and fashion designer( Agent Provocateur, Illamasqua and A Child of the Jago are successful brands he created) , but I prefer to use the synthesis, a gift he owns, which makes his words precious. Irony, lightness, which is not frivolity, but consciousness, balance between activism and ability to enjoy life, its beauty embodied in its most simple forms  shines in him and reminds me the Ancient Greek value of kalokagathia where what is beautiful has an ethic value or rather is good.

One of artworks by Joe Corrè featuring in the series “Ashes from Chaos”, photo by N

 

It can sounds like a hiatus to hear that, as it is connected to the one who set up the funeral pyre of punk, but this gesture, a provocation, it was a mere invitation to question about price and value, archetypes of the current commodified society, where the price – or rather money – replaces, gives or justifies the value, every value, as, it was asserted by the filmmaker Pier Paolo Pasolini, the consumption of goods has substituted by the consumption of people who are consumed by consumption. That is what happens in the mainstream which finds new tricks to increase the consumption. Yesterday, it happened in a certain place and time, in UK, in 2006 when Queen Elisabeth declared this year the year of punk, happening which increased the marketing connected to a movement which has arisen to question and subvert the ethic of mainstream. This was the fundamental issue connected to the Joe’s project Burn Punk London, the funeral pyre of punk which later turned into the artwork series “Ash from Chaos” recently showcased in London at the Lazinc Gallery and a film which is currently work in progress, reminding and subverting in a constructive way the celebrated slogan “Cash from Chaos”, symbol of punk era, impressed in a t-shirt worn by his father Malcom McLaren. Punk is dead – it just only stays alive its categorical imperative, the DIY, “Do it yourself” encouraging an independent and free way of living – but it will arise again from its ashes like the Arabian phoenix, through new forms and ideas, talking about evolution instead of revolution, hold the universe and the ones who people it, plants, flowers, animals and human beings. This is the new which advances and has Joe Corrè as its most relevant leading personas.

 

Stilll image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

 

Fashion embodying a concept and vibrant ideas is like an artwork, makes you think about, do you agree with that?

“I don’t think about fashion, I am not interested in it or rather I am interested in fashion as statement of who you are and what you think. That is the most relevant feature of fashion which became an important means to connect people, increased by the social media and celebrities. And when it is connected the gossip and political element the connection reached is effective, because the other channels where people can express themselves politically as elections became difficult to relate, the individual cannot express his ideas, there are no places. I use considering that as a  karaoke politics, it’s a global phenomenon. And it is just fashion which catches them – also through the political message which sometimes the celebrities support – touching and giving them the chance to express what they want to express, because fashion is global, popular”.

 

 Ethics and aesthetics, more specifically what is good and beautiful ( the kalokagathia of Ancient Greeks) is a value for you?

 “It is to do a simple solution if people concern to a simple beauty. All of us should learn to understand the beauty which exists, what it is and define it at best, as if you succeed to define beauty at best you are able to concern, understand, do the best choices and avoid of repeating the past mistakes. The big enemy of culture is the non-stop distraction which is inculcate and emphasized by social networks, computers. It is all about the value of beauty. That is why I come back to the issue of price and value (En. : the core of Burn Punk London project he made)”.

 

ashes-n2.jpg

A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo by N

 

To make fashion under the sign of the sartorialism (considering A Child of the Jago, the brand you created)is an alternative, antidote to the contemporary way of making fashion ?

 “ A Child of the Jago is an anti-fashion brand. When I started that I was working with Agent Provocateur (the luxury underwear brand) and I wanted to do something more experimental as the volume  of its business has became big and thus what has arisen for being very experimental turned into being less experimental due to that. To concentrate, get the luxury, to use the best fabrics coming from the fashion industry(also focusing on the local manufacture)  and I used it in the best way I can. The small position granted me the chance of doing that. When you are a brand with many stores ( En.: Agent Provocateur have many stores worldwide, I like reminding a movie, “Romance & cigarettes” by John Turturro featuring Kate Winslet playing a young woman working as sales assistant for an Agent Provocateur flagship store) the creativity diminishes as you have to deal with other issues. Instead a small sartorial brand gave me the chance to do that”.

 

To create situations and draw new landscapes in a categorical imperative for you?

“I see urgency to act as in fracking. I firstly am as actionist, in this urgency of acting you become less effective. Then the purpose of activism loses its strength. To be effective you need balancing to be effective and appreciate the life in its simple forms. I think the goal is to hold this balance and often it is not easy”.

 

Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

 

Are the anarcho- Situationist ideas by the French philosopher Guy Debord (En.: author of the cult book “The society of spectacle”) still current for you?

Guy Debord committed suicide and was an alcoholic, his ideas (concerning the society of spectacle, the passage from being to having into from having to appearing) were interesting for his times. Today the culture of celebrity is very personal and we have a different urgency, we want an evolution, not the revolution, we want to maintain and protect what surrounds us”.

 

Could you talk me about the art-works series “Ash from Chaos” which is part of your project Burn Punk London as well as it further developments?

“Ash is the claim of the need of promotion of chaos. Ash from Chaos arises from Burn Punk London, which marks, as well as the film on which I am working, which is more an artistic product than a documentary on what I did, punk has become a marketing exercise to sell you something you don’t need. The illusion of an alternative choice, a cog in the nonstop distraction machine. The establishment endorsed impotent rebel. Whilst we are occupied with punk’s carcass of nostalgia in the pursuit of cool. Our house is being burgled and set on fire. What will be the value of its Ashes? DIY is punk’s only lasting ethic of value. Discover the truth for yourself and act on it. This is activism. You can choose, how you inform yourself, vote, what you eat, buy, consume and discard, where you put your money, how you participate in our future. It was ridiculous to burn everything, but I did it as provocation to focus on price and value. We destroy everything, it is a way to ask for an anti-reactionary way, as next time you see a reaction you think twice about what really was going on. We are all manipulated everyday and people are an isolated, lonely crowd, more connected and more isolated, passive. The question is to ask for and try to have a conversation focused on price and value, as this is exactly a description of chaos we have in the financial environment peopled by irresponsible politicians, banks and the corporations they serve”.

 

 

L’ UOMO MODERNO: JOE CORRÉ

 

Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

 

 

“Io canto l’ individuo, la singola persona,

Al tempo stesso canto la Democrazia, la massa.

L’ organismo, da capo a piedi, canto,

La semplice fisionomia, il cervello da soli non sono degni

Della Musa: la Forma integrale ne è ben più degna,

E la Femmina parimenti canto che il Maschio.

Canto la vita immensa in passione, pulsazioni e forza,

Lieto, per le più libere azioni che sotto leggi divine si attuano,

Canto l’ Uomo Moderno.

Walt Whitman, “Canto di me stesso, in “Foglie d’ erba”

 

 

I versi di Walt Whitman sono il modo più eloquente per introdurre la mia intervista a Joe Corrè, il suo brillante e romantico punto di vista, quel romanticismo che celebro in cui la libertà è il valore più elevato. È lui l’ uomo moderno cantato da Whitman la cui passione, pulsazioni e forza sono orientate a rendere il mondo un luogo migliore, invitare la gente a interrogarsi su qualsiasi cosa al fine di consolidare un modo autonomo di pensare che sia rispettoso dell’ ambiente che ci circonda. Potrei spendere tante parole per parlare di Joe, del suo attivismo nel sociale (proteso a sostenere la Climate Revolution avviata dalla madre Vivienne Westwood, la lotta contro il fracking e gli INEOS, giunta grazie a lui nell’ autunno dello scorso anno dinanzi alle corti inglesi), dei suoi vari talenti e successi come uomo d’ affari e fashion designer (Agent Provocateur, Illamasqua e A Child of the Jago sono marchi di successo da lui creati), ma preferisco avvalermi della sintesi, un dono da lui posseduto che rende preziose le sue parole. Ironia, leggerezza, che non è frivolezza, bensì consapevolezza, equilibrio tra attivismo e capacità di apprezzare la vita, la sua bellezza, nei suoi aspetti più semplici. Questo, ciò che brilla in lui e mi fa venire in mente un valore degli antichi Greci, la kalokagathia, in cui ciò che è bello ha una connotazione etica ovvero è buono.

 

Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

 

Può sembrare uno iato sentire ciò, in quanto connesso a colui che ha allestito la pira funebre del punk, ma questo gesto, una provocazione, era un mero invito a interrogarsi su prezzo e valore, archetipi della attuale società mercificata, laddove il prezzo – o meglio il denaro – sostituisce, fornisce o giustifica il valore, qualsiasi valore, poiché, come sosteneva il regista Pier Paolo Pasolini, al consumo di merci si è sostituito il consumo di persone che sono consumate dai consumi. Questo è ciò che accade nel mainstream, il quale trova nuovi escamotages per incentivare il consumo. Ieri, succedeva in un determinato tempo e luogo, nel 2006, nel Regno Unito, quando la regina Elisabetta ha dichiarato tale anno l’ anno del punk, ciò ha accresciuto il marketing collegato a un movimento nato per criticare e sovvertire l’ etica di mainstream. Ciò era il fondamento del progetto Burn Punk London, la pira funeraria del punk che si è poi trasformata nella serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” recentemente esposta a Londra presso la Lazinc Gallery e in un film che è attualmente in corso d’opera, la quale ricorda e stravolge in modo costruttivo il celebre slogan “Cash from Chaos”, emblema dell’ era del punk, impresso in una t-shirt indossata dal padre Malcom McLaren. Il punk è morto – resta vivo soltanto un suo imperativo categorico, il DIY, “Do it yourself” che incoraggia uno stile di vita libero e indipendente -, ma come l’ araba fenice, esso rinascerà nuovamente dalle sue ceneri, attraverso nuove forme ed idee che parlano di evoluzione e non rivoluzione, per mantenere intatto l’ universo unitamente a coloro che lo popolano, le piante, i fiori, gli animali e gli esseri umani. Ciò è il nuovo che avanza ed ha Joe Corrè tra i suoi protagonisti più rappresentativi.

 

A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

 

La moda che incarna un concetto e vibranti idee ti fa pensare, sei d’ accordo?

“Non penso alla moda, non ne sono interessato o meglio mi interessa la moda quale affermazione di chi sei e cosa pensi. Questo è il tratto più rilevante della moda, divenuta un importante mezzo di connessione della gente, incentivato dai social media e dalle celebrità. E quando si collega l’ elemento gossip e politico la connessione è efficace, dal momento che gli altri canali in cui le persone possono esprimersi politicamente come le elezioni sono diventati difficili  ambiti a cui collegarsi. Sono solito considerare ciò come politica karaoke, un fenomeno globale. Ed è soltanto la moda a catturarli – anche attraverso il messaggio politico di cui talvolta le celebrità sostengono -, colpirli e dare a loro la possibilità di esternare ciò che vogliono esprimere, perché la moda è globale, popolare”.

 

Etica ed estetica, più specificamente ciò che è buono e bello (la kalokagathia degli antichi Greci) è un valore per te?

“Sarebbe una soluzione semplice se le persone avessero riguardo di una pura bellezza. Tutti  noi dovremmo imparare a capire la bellezza che esiste, cosa essa sia e definirla al meglio, perchè se si riesce a definire al meglio la bellezza si è capace di averne riguardo, capire, fare le scelte migliori ed evitare di ripetere gli errori del passato. Il grande nemico della cultura è la ininterrotta distrazione che è inculcata ed enfatizzata da social media, computer. È una questione di valore della bellezza. Ecco perché ritorno sulla questione di prezzo e valore (ndr: il cuore del progetto Burn Punk London da lui realizzato)”.

 

Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

 

Fare moda all’ insegna della sartorialità ( considerando A Child of the Jago, il brand da te creato) è una alternativa, un antidoto al modo contemporaneo di fare moda?

“A Child of the Jago è un marchio anti-fashion. Quando ho dato inizio a ciò stavo lavorando con Agent Provocateur (marchio di biancheria intima di lusso) e volevo fare qualcosa che fosse più sperimentale  poichè il volume di questa azienda era divenuto enorme e pertanto ciò che era nato per essere estremamente sperimentale si era trasformato, in ragione di ciò, in qualcosa che lo era meno. Concentrarsi, riuscire ad avere lusso, usare i migliori materiali provenienti dall’ industria della moda ( anche rivolgendosi alla manifattura locale) e l’ ho usata nel miglior modo possible. La piccola posizione mi ha garantito la possibilità di fare ciò. Quando si è un marchio con varie boutiques ( ndr.: Agent Provocateur ha molteplici punti vendita in tutto il mondo. Mi piace ricordare un film, “Romance & cigarettes” di John Turturro con Kate Winslet che interpretava una giovane donna la quale lavorava come assistente alle vendite per un flagship store di Agent Provocateur) la creatività diminuisce, poiché devi occuparti di altre questioni. Invece un piccolo brand sartoriale mi offre la possibilità di fare ciò”.

Creare situazioni e disegnare nuovi paesaggi è un imperativo categorico per te?

“Vedo l’ urgenza immediate di agire come nel fracking. Sono per prima cosa un’ azionista, in questa necessità di agire si diventa meno efficaci. Il fine dell’ attivismo quindi perde la sua forza. Per essere efficaci si deve bilanciare l’ essere fattivo con l’ apprezzare la vita nelle sue forme più semplici. Penso che l’ obiettivo sia mantenere questo equilibrio e spesso ciò non è facile”.

 

Dress by A Child of the Jago, photo courtesy of A Child of the Jago

 

Le idee anarco-situationiste del filosofo francese philosopher Guy Debord (ndr: autore del libro di culto “La società dello spettacolo”) sono ancora attuali per te?

Guy Debord si è suicidato ed era un alcolizzato, le sue idee ( inerenti la società dello spettacolo, il passaggio dall’ essere all’ avere nell’ avere all’ apparire) erano interessanti per i suoi tempi. Oggi la cultura della celebrità è molto personale e abbiamo una diversa urgenza, vogliamo una evoluzione, non la rivoluzione, vogliamo mantenere e proteggere ciò che ci circonda”.

 

“Ash from Chaos” a successful graphic transformation of the celebrated t-shirt “Cash from Chaos,” of Joe Corrè’s father Malcom McLaren, photo courtesy of Burn Punk London

 

Potresti parlarmi della serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” che è parte del tuo progetto Burn Punk London come anche dei suoi ulteriori sviluppi?

“La cenere è la rivendicazione dell’ esigenza di promozione del caos. “Ash from Chaos”( “Cenere dal caos”) deriva da Burn Punk London, il quale sottolinea, come anche il film a cui sto lavorando, che è un prodotto artistico più che un documentario su ciò che ho fatto, che il punk sia divenuto un esercizio di marketing per vendere qualcosa di cui non si ha bisogno. L’ illusione di una scelta alternativa, una ruota dell’ ingranaggio nella macchina di distrazione continua. L’ establishment ha promosso il ribelle impotente. Mentre siamo occupati con la carcassa di nostalgia del punk alla ricerca del cool. La nostra casa sta per essere svaligiata e incendiata. Quale sarà il valore delle sue ceneri? Il DIY è l’ unica etica di valore che resta del punk. Scopri la verità per te stesso ed agisci in base ad essa. Questo è attivismo.  Si può scegliere, come informarsi, votare, ciò che si mangia, compra, consuma e si getta via, dove mettere il proprio denaro, il modo in cui si partecipa al nostro futuro. È stato ridicolo bruciare tutto, ma l’ ho fatto come provocazione per soffermarsi su prezzo e valore. Noi distruggiamo ogni cosa, è un espediente per richiedere un modo anti-reazionario, poiché la prossima volta che si vede una reazione si pensa due volte a cosa sta succedendo in realtà. Siamo tutti manipolati ogni giorno e la gente è una massa isolata, sola, più collegata e altrettanto isolata, passiva. La problematica sta nel richiedere e provare ad avere una conversazione incentrata su prezzo e valore, poiché ciò è esattamente una descrizione del caos che abbiamo negli ambienti della finanza, popolati da politici irresponsabili, banche e le corporazioni che costoro servono”.

 

 

www.burnpunklondon.com

www.achildofthejago.com

 

 

 

 

 

“Be yourself, Everyone else is already taken” is the solo exhibition, featuring the works by Daniel Lismore brilliant British visual artist (and fashion designer who worked as creative director for the British brand Sorapol, Tate Modern Museum and Graduate Fashion Week Ambassador), being part of the Reykjavik Arts Festival and will be held from 1st to 30th June 2018 in Iceland, in Harpa at the Harpa Hall and Conference Centre. The exhibition path successfully makes concrete the Wagnerian “Gesamkunstwerk” (Total work of art), includes about 30 sculptures, self-portraits, combined to theatrical dressing ensembles that decorate them(, joins  haute couture, vintage items and precious cloths, giving rise to a marvelous dialogue between different channels of communication) and tracks a visionary anthropology which talks about the self, unconscious, identity, inviting and encouraging to think about the individual, the sole person, and at the same time humanity, caught in its dynamism and colored multiformity. It’s an universal lyricism, arising from who made his life an artwork, being really contemporary and eternal, as it explores with coherence, lightness and poetry the ontology of being. Here it shines a categorical imperative: “be yourself, as everyone else is already taken”, which is also the title of the book he recently released and edited by Skira/Rizzoli,  smashing chance to enjoy art as elevation of thinking and question, rethink about yourself under the sign of freedom and hopefully a new and deep consciousness.

 

 

 

LA PERSONALE DI DANIEL LISMORE ALLA HALL & CONFERENCE CENTRE DI HARPA

 

Daniel Lismore

Be yourself, Everyone else is already taken” è la personale di cui è protagonista l’ opera di Daniel Lismore, brillante artista inglese ( e fashion designer che ha collaborato nelle vesti di direttore creativo per il brand inglese Sorapol, ambasciatore del Museo Tate Modern e della Graduate Fashion Week), che è parte del Reykjavik Arts Festival e si terrà dall’ 1 al 30 giugno 2018 in Islanda, ad Harpa, presso la Hall and Conference Centre di Harpa. Il percorso espositivo concretizza felicemente la “Gesamkunstwerk” (opera d’ arte totale) wagneriana, include circa 30 sculture, autoritratti, abbinati a teatrali assemblaggi vestimentari che li adornano (unisce pezzi di alta moda, vintage e preziosi tessuti, dando vita a un meraviglioso dialogo tra diversi canali di comunicazione ) e traccia una visionaria antropologia che parla del sé, dell’ inconscio, di identità, invitando e incoraggiando a pensare all’ individuo, la singola persona e al tempo stesso dell’ umanità, colta nel suo dinamismo e nella sua colorata multiformità. Un lirismo universale che nasce da chi ha reso la sua vita un opera d’ arte ed è  estremamente contemporaneo ed  eterno, poiché esplora con coerenza, leggerezza e poesia l’ ontologia dell’ essere. Ivi risplende un imperativo categorico: “be yourself, as everyone else is already taken”, che è anche il titolo del suo libro, recentemente pubblicato ed edito da Skira/Rizzoli, formidabile occasione per apprezzare l’ arte come elevazione di pensiero, interrogarsi e ripensare a sè all’ insegna di libertà e sperabilmente una rinnovata e profonda consapevolezza.

 

Arwork by Daniel Lismore

 

 

Artwork by Daniel Lismore

 

 

 

http://daniellismore.blogspot.com

 

artwork by Joe Corrè, photo by N

It successfully runs through 7th May 2018 at the London Gallery Lazinc the exhibition “Ash from Chaos”, which showcases the works by Joe Corrè(, bright fashion designer, businessman, who created yesterday the celebrated luxury lingerie brand Agent Provocateur, and later the sartorial clothing brand A Child of the Jago and the make-up brand Illamasqua and strong social activism, focused on the protection of environment and the climate revolution), that arise from “Burn Punk London”, initiative he made on 26th November 2016 which took place in London in a boat on the Thames where precious memorabilia of punk were burned by him.

 

Arwork by Joe Corrè, photo by N

A destructive act of protest against the commodification by the mainstream of a counterculture movement, which has turned into art, more specifically into a series of artworks – made of the ashes arisen from funeral pyre of punk. The proceeds arising from their sale will be entirely donated to a charity – and a part of documentary film he made( which is currently work in progress), accompanying  this awesome showcase and giving rise to a marvelous alchemy, emphasizing the message underlying to this gesture: “to question on price and value” , as Joe( embodying at best the assertiveness, modesty,  romanticism, which is not that consisting to give as a gift roses to the one you love, but to follow and make concrete the idea of freedom and humanity, pleased to tell you more  about him his bright visions and ideas soon) says and stop to be passive, developing a conscious way of thinking which is respectful of the world surrounding us.

Details from Ash from Chaos by Joe Corrè, photo by N

 

Details from Ash from Chaos by Joe Corrè, photo by N

 

Details from Ash from Chaos by Joe Corrè, photo by N

 

That and much more will be the core of talk featuring the iconic, genius British fashion designer  and bright visual artist Daniel Lismore( who is Ambassador of Tate Modern as well as Graduated Fashion Week and has made his life a work of art), hosting in the Lazinc Gallery at 7pm  a talk with Joe Corrè about this marvelous initiative, successfully joining art and activism. A not to be missed happening to appreciate a smashing conversation between two precious individuals under the sign of culture, emancipated  from the obvious and reasonable, contemporary times, sense, values and art.

 

 

“ASH FROM CHAOS”: ARTE E ATTIVISMO IL TALK CON DANIEL LISMORE E JOE CORRÉ ALLA GALLERIA LAZINC DI LONDRA

 

Joe Corrè along with his mother Dame Vivienne Westwood and his daughter Cora Corrè, photo by N

Prosegue felicemente  fino al 7 maggio 2018 presso la Galleria d’ arte di Londra Lazinc la mostra “Ash from Chaos” che espone le opere di Joe Corrè(, brillante fashion designer, uomo d’ affari che ha creato ieri il celebre marchio di lingerie di lusso Agent Provocateur, successivamente il marchio di abbigliamento sartoriale A Child of the Jago, e fervente attivista nel sociale, impegnato nella protezione dell’ ambiente e nella climate revolution), le quali nascono da “Burn Punk London”, iniziativa da lui posta in essere il 26 novembre 2016 che ha avuto luogo a Londra in una barca sul Tamigi, in cui sono state da lui bruciate memorabilia del punk.

 

The iconic and eclectic Phillip Sallon at the Lazinc Gallery during the private opening of “Ash from Chaos”, photo by N

 

An icon of punk Jordan Rooke wearing a marvelous t-shirt, photo by N

 

Jordan Rooke along with me, myself and I, photo by N

 

 

The fashion designer Pandemonia Panacea along with visitors of the Ash from Chaos private opening, photo by N

Un atto distruttivo di protesta contro la mercificazione da parte del mainstream di un movimento di controcultura che si è trasformato in arte, più specificatamente in una serie di opere d’ arte – fatto delle ceneri della pira funeraria del punk. I proventi derivanti dalla loro vendita saranno devoluti per intero a un’ associazione di beneficienza – unitamente a un frammento della pellicola documentaristica, un racconto, un’ esperienza visiva unica (che sta per essere ultimato) che accompagna questa fantastica rassegna che dà vita a una meravigliosa alchimia ed enfatizza il messaggio sotteso a tale gesto: “interrogarsi su prezzo e valore”, come afferma Joe( il quale incarna al meglio assertività, modestia, romanticismo – che non ciò che consiste nel regalare rose a cui si ama ma seguire e concretizzare l’ idea di libertà – e umanità, lieta di raccontare presto altro ancora su di lui, sulle sue brillanti visioni ed idee) e smettere di essere passivi, consolidando un modo di pensare consapevole e rispettoso del mondo che ci circonda.

The fashion designer and visual artist Daniel Lismore, me, myself and I along with an artwork by Joe Corrè, photo by N

 

A detail embodied in the artwork by Joe Corrè, photo by N

 

Questo e molto altro sarà il cuore del talk di cui sarà protagonista l’ iconico, geniale fashion designer inglese e brillante artista Daniel Lismore( che è anche Ambasciatore del Museo di Londra Tate Modern, della Graduated Fashion Week ed ha reso la sua vita un’ opera d’ arte) il quale  sarà il moderatore di un talk con Joe Corrè che si terrà presso la Galleria Lazinc alle ore 19:00, incentrato su questa lodevole iniziativa che unisce felicemente arte ed attivismo. Un evento imperdibile per apprezzare due vibranti individualità  all’ insegna di cultura, emancipata dall’ ovvio e ragionevole, contemporaneità,  senso, valori e arte.

 

Still image from the film by Joe Corrè, photo by N

 

 

Me, myself and I along with the artwork by Joe Corrè, photo by N

 

http://burnpunklondon.com

 

Nature, its culture, that is the main feature of nineth edition of Floracult, event created by the pioneering fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi which will be held from 20th to 22nd April 2018 at the I Casali del Pino, in La Storta, in the Rome countryside. Many will be the suggestions and initiatives connected to that as workshops, book-launches and permanent installations to discover the place surrounding us and new ways to start a deep dialogue, harmony with the natural world and its hosts. Stories of life as the one which will be told ( on 20th april 2018 at 10:30 am) by Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti along with Isabella Casati di Monticelli who will talk about their experiences lived with Mario, the father, who introduced in the floristic marked many different plants that became of common usage. Walking in the wood will be the core of talk by the architect and  environmentalist Filippo Lapadula ( which will be held on 20th April 2018 at 3:30 pm). “And now it changes”, that is the title of book by Andrea Degl’ Innocenti, journalist and co-founder of project Italia che cambia (which will be presented on 20th April 2018 at 17:30), which embodies a series of visions and actions to make this country more sustainable, fair and successful. A wonderful experience joining architecture, interior design and botany gave rise to Pnat, the projecting team coordinated by Stefano Mancuso and featuring the architects Antonio Girardi and Cristiana Favretto who will tell about their experience ( on 21st April 2018 at 3:30 pm), evidencing how the plants can be used as sensors, model for innovation and means to purity the air. During this event it will presented “Breath”, an installation evidencing to which extent the plants can be filters to remove the pollution there is in the atmosphere. Another precious consciousness is the one by the professor of arborea culture Giuseppe Barbera who invites, through the book the wrote, “To embrace the trees” ( its launch will be held on 21st April 2018 at 5:00 pm featuring the journalist, music expert and enthusiast gardener Carlo Massarini). The ending day of Floracult will feature a talk with an iconic persona of fashion and design scene, Li Edelkoort, who created Bloom, a magazine launched in 1998, to increase the contemporary lifestyles inspired by the love for the plants, flowers and garden. Many will be the permanent events as the art installation “Matter in the air” – curated by the artist Marijcke van der Maden along with Oriana Impei, professor of sculpture at the Rome Arts Academy, who will present the works by emerging Italian and foreigner emerging artist, made by drawing inspiration from the Casali del Pino -, the one by ArteViva which will show the art of loom as well as the many exhibitors of natural products, flowers, plants, Epicurean delights, garments and accessories. A not to be missed happening in a special place to discover and enjoy, where to go and come back.

 

 

NATURA É CULTURA: LE MERAVIGLIE DI FLORACULT

 

I Casali del Pino, photo by N

La natura, la sua cultura, questa la protagonista della nona edizione di Floracult, evento creato dalla pionieristica fashion designer e fervente attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi che si terrà dal 20 al 22 aprile 2018 presso I Casali del Pino, a La Storta, nella campagna romana. Molteplici le suggestioni e iniziative a essa legate quali workshops, presentazioni di libri ed eventi permanenti per scoprire il luogo che ci circonda e nuovi modi per avviare un profondo dialogo, un’ armonia con il mondo naturale ed i suoi ospiti. Storie di vita come quell ache sarà raccontata ( il 20 aprile 2018 alle ore 10:30) da Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti insieme ad Isabella Casati di Monticelli che parleranno delle loro esperienze vissute con Mario, il padre, che ha introdotto nel mercato florovivaistico svariate piante divenute di uso comune.. Passeggiare per il bosco sarà  il tema del talk dell’ architetto ed ambientalista Filippo Lapadula (che avrà luogo il 20 aprile alle ore 15:30). “E adesso si cambia”, codesto, il titolo del libro di Andrea Degl’ Innocenti, giornalista e co-fondatore del progetto Italia che cambia (che sarà presentato il 20 aprile alle ore 17:30), il quale racchiude una serie di visioni ed azioni per rendere questo paese più sostenibile, equo e felice. Una meravigliosa esperienza che unisce architettura, design e botanica ha dato vita a Pnat, il team di progettazione coordinato da Stefano Mancuso di cui sono protagonisti gli architetti Antonio Girardi e Cristiana Favretto, i quali narreranno la loro esperienza ( il 21 aprile 2018 alle ore 15:30), dimostrando il modo in cui le piante possano essere usate come sensori, modello per l’ innovazione e mezzo per purificare l’ aria. Durante tale evento sarà presentata “Breath”, un’ installazione che dimostra in che misura le piante possano fungere da filtri per rimuovere l’ inquinamento atmosferico. Un’ altra preziosa consapevolezza è quella del professore di coltura arborea Giuseppe Barbera che invita, tramite il suo libro, a “Abbracciare gli alberi” ( la cui presentazione si terrà il 21 aprile 2018 alle ore 17:00 con il giornalista, esperto di musica e appassionato giardiniere Carlo Massarini). La giornata conclusiva di Floracult avrà quale protagonista un iconico personaggio dello scenario della moda e del design, Li Edelkoort, la quale ha creato Bloom, un magazine lanciato nel 1998, per incentivare gli stili di vita contemporanei che si ispirano alle piante, ai fiori ed al giardino. Molteplici gli eventi permanenti tra cui l’ installazione artistica “Materia nell’ aria” – curata dall’ artista Marijcke van der Maden assieme a Oriana Impei, docente di scutura presso l’ Accademia di Belle Arti di Roma -, le quali presenteranno le opere di artisti emergenti italiani e stranieri, realizzate traendo ispirazione dai Casali del Pino -, quella di ArteViva che mostrerà l’ arte del telaio come anche i diversi espositori di prodotti naturali, fiori, piante, delizie epicuree, abiti ed accessori. Un evento imperdibile in un luogo speciale, da scoprire e apprezzare, in cui andare e ritornare.

 

Me, myself and I at Floracult, inviting to embrace the nature, photo by Meo Fusciuni

 

 

www.floracult.com

 

 

 

 

Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

Activism, counterculture instilling doubts in a direct and provocative way, successful evocation of drifts by Guy Debord(, celebrated philosopher who wrote the anarcho-situationist masterpiece “The society of spectacle”, very contemporary book which depicts the passage of capitalistic society, based on economy and money, where everyone is resulting from what he has, from having to appearing. The thought which is embodied in it is a photography of this age of political-cultural decadence and consumption arising from consumerism). This is a mere synthesis of making by Joe Corrè, bright fashion designer, businessman ( who created yesterday the luxury underwear brand Agent Provocateur, instead today of A Child of the Jago, as well as of Illamasqua, renowned make-up brand), and strong social activist, more specifically Climate Revolution, campaign supported by his mother Vivienne Westwood against the global warming. He, on the 26th november 2016, started an initiative, “Burn Punk London”, or rather to give rise to a funeral pyre and burn all of the memorabilia punk he owned ( the New York Times told they amounted to five millions of pounds). The fundamental reason connected to this gesture, a genuine destructive act of protest, arises from a tangible fact, the commodification of a cultural movement which was alternative, disapproving the mass culture – and it has as its icons his father Malcom McLaren and mother -, which has engulfed into the mainstream  just for commercial purposes, re-edited in a empty way and also dignified by who provocatively features in the cover of a single track by the Sex Pistols, made in 1977 by Jamie Reid, the queen Elisabeth (who considered 2016 as the year of punk). The single track was “God save the Queen” by Sex Pistols( which ends with “no future”, become famous slogan of punk movement) and some day after it was the fortieth anniversary of their first album, “Anarchy in the UK”.

 

The “God save the queen” single track cover by Jamie Reid, 1977

His vinyl copy has been the first relic to be burned( later it has followed the trousers owned by Johnny Rotten, live concerts records and other precious rarities). Corrè asserted: “it’s about trying to get people to get their head around the difference between price and value. It’s about drawing attention to the hypocrisy of these establishment institutions now making money out of these pastiche versions. Forty years to go from public enemy number one to everyone seeing the UK as the birth of punk, so that’s now a valued tourist attraction item that we can use. That happened two years ago. Instead today other things happen. That act didn’t run out, but it became art ( as the punk which – as it says Joe Corrè – will born again from its ashes as the Arabian phoenix, in another form. Anyway, as the principle of mass conservation by Lavoisier teaches, “nothing is lost, nothing is created, everything is transformed”), photography, an illustrated documentary featuring in “Ash from Chaos”, an exhibition which will be held from 20th to 28th April 2018 in London at the Lazinc gallery. A not to be missed happening to pay homage to past, present, celebrating a gesture which suggests to look at today in a questioning, conscious, libertarian and assertive way.

 

“ASH FROM CHAOS” DI JOE CORRÉ ALLA GALLERIA LAZINC DI LONDRA

 

Joe Corrè during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

 

Attivismo, contro-cultura che insinua dubbi in modo diretto e provocatorio, action-propaganda, felice evocazione delle derive di Guy Debord(, celebre filosofo autore del capolavoro anarco-situazionista “La società dello spettacolo, libro estremamente contemporaneo che dipinge il passaggio della società capitalistica, basata sull’ economia e sul denaro, in cui si è in quanto si ha, dall’ avere all’ apparire. Il pensiero in esso racchiuso è una fotografia di questa epoca di decadenza politico-culturale e consunzione derivante dal consumo). Questa, una mera sintesi del fare di Joe Corrè, brillante fashion designer, imprenditore (creatore ieri del brand di lingerie Agent Provocateur, oggi di A Child of the Jago, nonché di Illamasqua, rinomato marchio di make-up) e fervente attivista nel sociale, più specificamente nella Climate Revolution, campagna sostenuta dalla madre Vivienne Westwood contro il fracking e il surriscaldamento della terra. Costui, il 26 novembre 2016, ha avviato un’ iniziativa, “Burn Punk London”, ovvero dar vita a una pira funebre e bruciare tutte le memorabilia da lui possedute (che secondo il  New York Times avevano il valore di cinque milioni di sterline). Il motivo sotteso a tale gesto, un autentico atto distruttivo di protesta, nasce da un fatto tangibile, la mercificazione di un movimento culturale, il punk, che era alternativo e critico alla cultura di massa – e aveva quali sue icone il padre, Malcom McLaren e la madre-, il quale era stato fagocitato dal mainstream per fini meramente commerciali, rieditato in chiave vuota e dignificato anche da colei che provocatoriamente appare sulla cover di un album dei Sex Pistols, realizzata nel 1977 da Jamie Reid, la regina Elisabetta di Inghilterra (la quale aveva proclamato il 2016 l’ anno del punk). ll singolo era “God save the Queen” dei Sex Pistols( che si chiude con “no future”, divenuto celebre slogan del movimento punk) e qualche giorno dopo ricorreva il quarantesimo anniversario del loro primo album, “Anarchy in the UK”.

 

Joe Corrè along with Vivienne Westwood his mother during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

La sua copia in vinile è stata la prima reliquia ad esser bruciata ( poi son seguiti i pantaloni appartenuti a Johnny Rotten, registrazioni di concerti e altre preziose rarità). Corrè spiegava che ciò “ è finalizzato a far in modo che la gente ponga attenzione sulla differenza tra prezzo e valore. Il mettere in evidenza l’ ipocrisia delle istituzioni dell’ establishment che adesso ricavano denaro da queste versioni che hanno la foggia di pastiche. Quaranta anni per passare da nemico pubblico numero uno a oggetto che può essere usato come valida forma di attrazione turistica, poiché tutti vedono la Gran Bretagna come la nascita del punk”. Tutto ciò accadeva due anni fa. Oggi invece accade altro. Quell’ atto non si è esaurito, ma è diventato arte (come il punk che secondo Joe Corré rinascerà dalle sue ceneri, come l’ araba fenice, in un’altra forma. D’altronde, come insegna il principio di conservazione della materia di Lavoisier “nulla si crea, nulla si distrugge, ma tutto si trasforma”), fotografia, un documentario illustrato  protagonista di “Ash from Chaos”, una mostra che si terrà dal 20 al 28 aprile 2018 a Londra presso la galleria Lazinc. Un appuntamento imperdibile per onorare il passato, il presente, celebrando un gesto che invita a guardare alla quotidianità in modo critico, consapevole, libertario e assertivo.

 

photo courtesy of Burn Punk London

 

 

www.burnpunklondon.com

 

 

 

Krištof Kintera, photo by N

“To see the world in a grain of sand and heaven in a wild flower”, auguries of innocence, verses by William Blake that remind the suggestions connected to “Hidden Beauty”, the exhibition, curated by Marina Dacci (renowned curator who manages the Max Mara Art Prize for Women at Max Mara Fashion Group) and the artist Krištof Kintera which runs in Rome at the Z2O Sara Zanin Gallery through 19th May 2018 and showcases the works by a group of artists as Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. It’s banished the obvious and reasonable in the name of a maze of languages and representations that join and overlap, based on the responsiveness of audience. It doesn’t exist just one only way, there are a variety of paths, metaphor of life, where one is the road and different are its paths as well as the ways chosen by individuals that lighten the beauty, the one which is hidden.

Pavla Scerankovà , photo by N

It’s an old, complex and willingly incomplete which opens the way to many solicitations, reflections as well as to the getting of new consciousnesses. This precious and touching showcase, including dynamic installations – as the installation sewing machine which is working by Pavla Scerankovà who successfully depicts the beauty as picture, impressed in a memory in motion, her memory, the one of his grandmother who way behind the sewing machine and the marvelous works by Richard Wiesner under the sign of a surreal constructivism -,tangible representations of what is often hidden to the ego, goes out from a physical place, the gallery to people unusual places where are exhibited the works by Krištof Kintera (a vintage store, gym, bikes seller, flowers store, an artisanal pastry shop, a restaurant and a special place, much loved by me, the Antica Libreria Cascianelli, a bookshop of old books where I use going and coming back), works of matter as a container of cream, a cement flower under the sign of lightness, irony, immediacy and incisiveness. Serene and pure thoughts reveal a synthesis which is finely structured, where it shines clearly a libertarian and synaesthetic approach, a kindness, being the matrix of this tale on art and its features. The plaudit, mine, is for who succeeds to develop projects like this, that are alternative in the most vibrant way, as they track new ways to communicate under the sign of art, talk in an intelligible way about sense, by using sense and value to a bunch of people and, the most important thing, touch.

Richard Wiesner talking about the work he made, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Richard Wiesner, photo by N

 

Pavla Scerankovà, photo by N

 

“HIDDEN BEAUTY/BELLEZZA NASCOSTA” ALLA Z2O SARA ZANIN GALLERY DI ROMA

 

Krištof Kintera, photo by N

“Vedere il mondo in un granello di sabbia e il cielo in un fiore selvatico”, auguri di innocenza, versi di William Blake che richiamano alla mente le suggestioni connesse a “Hidden Beauty”, la mostra, curata da Marina Dacci (rinomata curatrice che si occupa del Max Mara Art Prize for Women presso il Max Mara Fashion Group) e dall’ artista Krištof Kintera che prosegue a Roma presso la Galleria Z2O di Sara Zanin fino al 19 maggio 2018 ed espone il lavori di un gruppo di artisti quali Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. Un progetto ambizioso e felice, dar vita a un metalinguaggio che si interroga e presenta la bellezza, l’ immagine e l’ idea ad essa sottesa, nonché la memoria, le emozioni, i sentimenti legati ad essa quale esperienza e stile di vita. Banditi l’ ovvio e il ragionevole in nome di un groviglio di linguaggi e rappresentazioni che si uniscono e sovrappongono in base alla responsività del pubblico. Non esiste una sola via, ma una molteplicità di percorsi, metafora della vita in cui una è la strada e svariati sono invece i suoi sentieri come anche i percorsi intrapresi dagli individui, che illuminano la bellezza, quella nascosta.

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

Una storia antica, complessa e volutamente incompleta che apre la via a diverse sollecitazioni, riflessioni come anche all’ acquisizione di nuove consapevolezze. Questa preziosa ed emozionante rassegna, comprensiva di installazioni dinamiche – come la macchina da cucire di Pavla Scerankovà che felicemente ritrae la bellezza in immagine, impressa in un ricordo in movimento, il suo, quello della nonna dinanzi alla macchina da cucire e le meravigliose opere di Richard Wiesner dal surreale costruttivismo – , rappresentazione tangibile di ciò che sovente è celato all’ io, esce da un luogo fisico, la galleria e popola luoghi insoliti in cui sono ospitate le opere di Kristof Kintera (un negozio vintage, una palestra, un rivenditore di biciclette, un negozio di fiori e piante, una pasticceria artigianale, un ristorante e un luogo speciale, a me molto caro, l’ Antica Libreria Cascianelli, dove son solita andare e tornare), opere materiche come un contenitore di crema, un fiore di cemento, all’ insegna di leggerezza, ironia, immediatezza e incisività. Camminare avvolti di bellezza. Pensieri sereni e puri rivelano una sintesi finemente strutturata, in cui fulgido riluce un approccio libertario e sinestetico, una gentilezza, matrice di questo discorso d’ arte e dei suoi protagonisti. Il plauso, il mio, va a coloro che riescono a dar vita progetti di questo tipo, alternativi nel senso più vibrante del termine, poiché tracciano nuove strade per comunicare sotto il segno dell’ arte, parlano in modo intellegibile di senso, con senso e valore a una generalità degli individui e, cosa più importante, emozionano.

Krištof Kintera at the Antica Libreria Cascianelli, photo by N

 

Krištof Kintera at the Antica Libreria Cascianelli, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Krištof Kintera, photo by N

 

Me. myself and I visiting the exhibition outside the gallery along with Ines Musumeci Greco, photo by N

 

Me myself and I along with the artists (Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà, Richard Wiesner), the art dealer Sara Zanin and curator Marina Dacci, photo courtesy of Z2O Sara Zanin Gallery

 

 

www.z2ogalleria.it

Nazzarena Poli Maramotti, Alessandro Sarra, on his back an artwork by Nazzarena Poli Maramotti and the curator Davide Ferri, photo by N

It was recently held at the Rome Z20 Sara Zanin Gallery, a talk featuring some of the artists who were part of the exhibition “Average waves in unprotected waters” which here took place, a laudable initiative to question about art, promote its culture and know better the works by artists. The curator of exhibition Davide Ferri explored the concept and dichotomy between the abstract and visual painting, also telling about the idea from which arises the concept and name of exhibition and asking to the brilliant Nazzarena Poli Maramotti and Alessandro Sarra for their point of view concerning some concepts that are the cornerstones of art critique, art history, though they aren’t able to tell and describe the emotion underlying to the artwork and the gesture of artist. That is another story and it was not the core of this laudable moment of culture sharing which made me think again about questions as the communication, expression of art as strong thought and its intelligibility. The experience of art is like a breath, a scent, something entering inside of you and make you feel, think about. To be able to talk about that, it has no need of jumbled architectures, many refined words, it just needs to be simple, immediate and modest. The exasperation of concepts often turns into an onanistic experience which pushes away from vision, understanding of the artwork and dries the knowledge. Modesty has been and is my way to talk about art. That is what I told many years ago to Lòrànd Hegyi (art critic who has been the Director of Vienna Ludwig Modern art Museum and currently manages the Modern Art Museum of Saint- Étienne) when I explained him my way to talk about contemporary art. He smiled me and told me that was also his way, adding he wrote a book on this topic. I smiled him too – though I didn’t write a book on modesty in the art critique-, being very happy to share the same idea with an individual who, instead of me, has made and produced much culture in this field. I also smile now thinking again about that, as well as to this happy circumstance which reminded me something which is part of my life experience, my thought and my doing.

 

“MOTO ONDOSO STABILE” UN DIALOGO SULL’ ARTE ALLA GALLERIA Z2O SARA ZANIN

 

Untitled, oil on canvas, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Si è recentemente tenuto presso la Galleria Z20 Sara Zanin di Roma un talk di cui sono stati protagonisti alcuni degli artisti che hanno fatto parte della mostra “Moto ondoso stabile” che ivi aveva luogo, una lodevole iniziativa per interrogarsi sull’ arte, promuoverne la cultura e conoscere meglio i lavori degli artisti. Il curatore della mostra Davide Ferri ha esplorato la dicotomia tra pittura astratta e visiva, raccontando anche l’ idea da cui è scaturito il concept della mostra e chiedendo alla brillante Nazzarena Poli Maramotti ed a Alessandro Sarra il loro punto di vista inerente alcuni concetti che sono le pietre miliari della critica e storia dell’ arte, benché non siano idonei a raccontare e descrivere l’ emozione sottesa all’ opera d’ arte ed al gesto dell’ artista. Questa è un’ altra storia e non era il cuore di questo lodevole momento di condivisione di cultura che mi ha riportato alla mente alcune problematiche quali la comunicazione, l’ espressione dell’ arte quale pensiero forte e la sua intelligibilità. L’ esperienza dell’ arte è come il respiro, un profumo, qualcosa che entra dentro te e ti fa sentire, pensare. Per parlare di ciò, non sono necessarie farraginose architetture, né tante sofisticate parole, bisogna soltanto essere semplici, immediati e modesti. L’ esasperazione di concetti sovente si trasforma in un’ esperienza onanistica che allontana dalla visione, comprensione dell’ opera d’ arte e inaridisce la conoscenza. La modestia è stato ed è il mio modo di parlar d’ arte. Questo è ciò che ho detto parecchi anni fa a Lòrànd Hegyi (critico d’ arte che è stato Direttore del Museo d’ Arte Moderna Ludwig di Vienna e attualmente dirige il Museo di Arte Moderna di Saint- Étienne) quando gli spiegavo la modalità con cui parlavo di arte contemporanea. Costui mi ha sorriso e mi ha detto che era anche il suo modo, aggiungendo che aveva scritto un libro su questo argomento. Gli ho sorriso anche io – pur non avendo scritto un libro sulla modestia nella critica d’ arte -, essendo oltremodo lieta di condividere la medesima idea con un individuo che, diversamente da me, aveva fatto e prodotto tanta cultura in questo ambito. Sorrido anche adesso ripensando a ciò, come anche a questa felice circostanza che mi ha ricordato qualcosa che fa parte della mia esperienza di vita, del mio pensiero e del mio fare.

 

In un posto nascosto, Nazarena Poli Maramotti, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

 

www.z2ogalleria.it

 

 

Deserto, Nazarena Poli Maramotti, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Thinking dynamism, a strategies of lines, which talks about signs, draws, tracks of different paths, by the brilliant Nazzarena Poli Maramotti, along with Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra and Jessica Warboys, the artists featuring in the exhibition “Average waves in unprotected waves” – which is also the title of a celebrated novel by Anne Tyler -, curated by Davide Ferri, running through 2nd February 2018 at the Rome Z2O Sara Zanin Gallery. The suggestive showcase documents the symphony of a gesture, the rush and longing of artist, of whose rhythms, rituals and alchemies tell about the natural world, depicted in its lightness, simplicity and eternal mystery.

IL DINAMISMO PENSANTE: “MOTO ONDOSO STABILE” ALLA GALLERIA Z20 SARA ZANIN DI ROMA

In un posto nascosto, Nazarena Poli Maramotti, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Dinamismo pensante, una strategia delle linee che parla di segni, disegni, tracce di diversi percorsi, della brillante Nazzarena Poli Maramotti, unitamente a Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra e Jessica Warboys, gli artisti che sono protagonisti della mostra “Moto ondoso stabile” – che è peraltro il titolo di un celebre racconto di Anne Tyler -, curata da Davide Ferri  la quale prosegue fino al 2 febbraio 2018 presso la Galleria Z2O Sara Zanin. La suggestiva rassegna documenta la sinfonia di un gesto, l’ impeto e anelito dell’ artista, i cui ritmi, rituali e alchimie raccontano il mondo della natura, colto nella sua leggerezza, semplicità ed eterna imperscrutabilità.

photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

 

www.z2ogalleria.it

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

It will be opened on 1st  December 2016 in Rome at the Giustini/Stagetti Galleria O the exhibition “Per filo e per segno” – running through 16th January 2017 – featuring the new rugs and embroideries made by the renowned British designer Allegra Hicks, celebrated name in the realm of textile and interior design. It’s a bright synergy between shapes and colour, focused on creating a new perception of domestic space. That is the research by Hicks, which is embodied in the new works she made that will be presented during this event. Here it will be on show four big wool rugs along with two wide panels that depicts Rome landscapes, reinterpreted by the artist, enriched by the furniture of Modern Italian Design from the collection of gallery, successful way marking the idea of creative: “the rugs must give you the sense of continuity, create an island for the furniture, anchor in the ground”. A not to be missed happening to enjoy the work of a vibrant, eclectic designer.

 

“PER FILO E PER SEGNO”, I NUOVI TAPPETI & PANNELLI DI ALLEGRA HICKS ALLA GALLERIA O GIUSTINI/STAGETTI DI ROMA

Allegra Hicks, Leaves, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Roman fireworks, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

 

Sarà inaugurata l’1 dicembre 2016 a Roma presso la Galleria O Giustini/Stagetti la mostra “Per filo e per segno” – che proseguirà fino al 16 gennaio 2017 – di cui saranno protagonisti i nuovi tappeti e pannelli realizzati dalla rinomata designer inglese, celebre nome nell’ ambito del textile ed interior design. Una brillante sinergia tra forme e colore, volta a creare una nuova percezione dello spazio. Questa, la ricerca della Hicks che è racchiusa nei suoi nuovi lavori che saranno presentati durante questo evento. Ivi saranno in mostra quattro grandi tappeti unitamente a due ampi pannelli che dipingono le vedute di Roma, reinterpretate dall’ artista, arricchite dagli arredi di Design Italiano Moderno provenienti dalla galleria, felice alchimia che rimarca l’ idea della creativa: il tappeto deve dare il senso di continuità, creare un’ isola per i mobili, ancorarli a terra”. Un evento imperdibile per scoprire e apprezzare l’ opera di una vibrante, eclettica designer.

 

Allegra Hicks, Roman fireworks along with the Modern Italian Furniture collection from the Gallery, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

Allegra Hicks, Roman fireworks along with the Modern Italian Furniture collection from the Gallery, photo courtesy of Galleria O Giustini/Stagetti

 

 

http://giustinistagetti.com

www.allegrahicks.com

stephan-1

A carpet,  timeless story talking about refinement, experimentation, color, craftsmanship where the ancient wisdom meets contemporary times, geometries depicting symbolisms, animistic and shamanic suggestions. This is the vibrant core of new work by brilliant and eclectic designer Stephan Hamel which will feature in the opening of exhibition project “Zitanpixel”, curated by Francesca Alfano Miglietti of whose opening will be held on 9th November 2016 in Milan, at 7:00 pm at Nonostante Marras (awesome space joining and celebrating fashion, art and culture created by the renowned fashion designer Antonio Marras) and will be open to public through 9th January 2017. Color, color and more color, a leitmotiv of the work by Stephan finds a different context, the carpet, object used by gipsy people to feel themselves like being at home everywhere they are. The boho-gipsy elegance makes this object a fetish to have which also embodies an eloquent metaphor of humanity, successfully evoking the uniqueness and complexity of every single life, its texture, the core of color and signs that make it where geometries become the sedimentation of experiences as well as artisanal wisdom. A double reading, a dual path which is drawn  by a not to be missed event to discover, find again and enjoy a way of being, making, creating and an object telling about the lifestyle of contemporary, nomadic globe-trotters.

“ZITANPIXEL”: L’ELEGANZA E UNICITÀ BOHO-GIPSY DI STEPHAN HAMEL DA NONOSTANTE MARRAS

Me, myself & I along with Stephan Hamel, photo by N

Me, myself & I along with Stephan Hamel, photo by N

 

Un tappeto, una storia senza tempo che parla di raffinatezza, sperimentazione,  colore e artigianalità in cui la sapienza antica incontra la contemporaneità, geometrie che raffigurano simbolismi, suggestioni animistiche e sciamaniche. Questo il cuore vibrante del nuovo lavoro del brillante ed eclettico designer Stephan Hamel che sarà  protagonista della opening del progetto espositivo “Zitanpixel”, curato da Francesca Alfano Miglietti la cui opening  si terrà il 9 novembre 2016 alle ore 19:00 a Milano presso Nonostante Marras (meraviglioso spazio che unisce e celebra la moda, l’ arte e la cultura creato dal noto fashion designer Antonio Marras) e sarà aperto al pubblico fino al 9 gennaio 2017. Colore, colore e ancora colore, un leitmotiv dell’ opera di Stephan trova un nuovo contesto, il tappeto, oggetto usato dai gitani per sentirsi a casa ovunque siano. L’ eleganza boho-gipsy rende quest’ oggetto un feticcio da avere che peraltro racchiude in sé una eloquente metafora dell’ umanità, evocandone felicemente l’ unicità e la complessità di ogni vita, della sua trama, del nucleo di colore e segni di cui si compone in cui le geometrie diventano sedimentazione di esperienze nonché  di saggezza artigianale. Una doppia lettura, un percorso dualistico disegnato da un evento imperdibile per scoprire, ritrovare e apprezzare un modo di essere, fare,creare  e un oggetto che racconta il lifestyle dei globe-trotter nomadici contemporanei.

www.stephanhamel.com

www.antoniomarras.com