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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

Baroque suggestions, a magic world featuring angels, fauns, satyrs and nymphs, devils and courtesans. All that is embodied in the work and life of Raja Schwahn-Reichmann, bright restorer, painter, sculptor and collector of antique costumes. The Viennese artist, awarded in 2009 for her work and her picturesque life with the Italian art Mantegna Prize, has successfully made concrete the Nietzschean imperative, making her life an artwork. Visiting the Milanese house of my dear friend Stephan Hamel, I recently ran into the marvelous decorative works she made and I had the chance to see and appreciate the transformations of di Raja, caught on photo. Elegance, irony, provocation, art and a detailed reconstruction and reinterpretation of atmospheres and ages is what shines in the work by this artist of whose name since many years is strictly connected to the Life Ball – charity event which is held in Vienna at the Rathausplatz, joins art, fashion and supports the fight against HIV – where Raja curates its set design. The works she made for 2014 Life Ball edition of whose theme is “the garden of delights giardino” will be seen tonight also via streaming by the Austrian TV channel OrftvThek which will broadcast the event featuring Conchita Wurst, Ricky Martin and for the first time a menswear fashion show, curated by L’ Uomo Vogue which will include celebrated names of fashion scene as Givenchy, Viktor & Rolf, Lanvin, Jean Paul Gaultier, Vivienne Westwood, Etro and Dsquared2. A not to be missed happening to enjoy art and fashion and the genius of Raja Schwahn-Reichmann.

L’ ARTE, ELEGANZA & IRONIA DI RAJA SCHWAHN-REICHMANN

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

Suggestioni barocche, un magico mondo di angeli, fauni, satiri e ninfe, diavoli e cortigiane. Tutto ciò è racchiuso nell’ opera e nella vita di Raja Schwahn-Reichmann, brillante restauratrice, pittrice, illustratrice, scultrice e collezionista di costumi d’ epoca. L’ artista viennese, insignita nel 2009 per il suo lavoro e la sua pittoresca vita del Premio di arte italiana Mantegna, ha felicemente concretizzato l’ imperativo nietzschiano, rendendo la sua vita un’ opera d’ arte. Visitando la dimora milanese del mio caro amico Stephan Hamel, recentemente mi sono imbattuta nelle sue meravigliose opere decorative e ho anche avuto modo di osservare e ammirare le trasformazioni di Raja, immortalate su fotografia. Eleganza, ironia, provocazione, arte e una minuziosa ricostruzione e reinterpretazione di atmosfere ed epoche è ciò che splende nell’ opera di questa artista il cui nome è da anni strettamente legato al Life Ball – evento di beneficienza che si tiene a Vienna presso la Rathausplatz, unisce arte, moda e supporta la lotta contro l’ HIV – di cui Raja cura le scenografie. I suoi lavori per l’ edizione 2014 del Life Ball, il cui tema è “il giardino dei piaceri”, saranno visibili stasera anche via streaming per il tramite della rete televisiva austriaca OrftvThek  che trasmetterà l’ evento di cui saranno protagonisti Conchita Wurst, Ricky Martin e per la prima volta una sfilata di abbigliamento uomo, curata da L’ Uomo Vogue che includerà celebri nomi della moda quali Givenchy, Viktor & Rolf, Lanvin, Jean Paul Gaultier, Vivienne Westwood, Etro e Dsquared2. Un evento imperdibile per apprezzare arte e moda e il genio di Raja Schwahn-Reichmann.

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

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The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

The atmospheres by Raja Schwahn-Reichmann

 

A detail of work by Raja Schwahn-Reichmann

A detail of work by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

The transformations by Raja Schwahn-Reichmann

 

The decorative works by Raja Schwahn-Reichmann at the Stephan Hamel's house

The decorative works by Raja Schwahn-Reichmann at the Stephan Hamel’s house

 

An afternoon Epicurean interlude at Stephan Hamel's house, featuring Enrico Quinto and Stephan, framed by the decorative work made by Raja Schwahn-Reichmann

An afternoon Epicurean interlude at Stephan Hamel’s house, featuring Enrico Quinto and Stephan, framed by the decorative work made by Raja Schwahn-Reichmann

 

Enrico Quinto and me at the Stephan Hamel's house, framed by a furniture I love, the screen by Raja Schwahn-Reichmann

Enrico Quinto and me at the Stephan Hamel’s house, framed by a furniture I love, the screen by Raja Schwahn-Reichmann

 

 

http://schwahnreichmann.wordpress.com

Marina Abramovic along with the dancers, photo by Agathe Poupeney

Marina Abramovic along with the dancers, photo by Agathe Poupeney

It is currently on stage of Paris Opera Theatre, running through 2nd June 2013, “Boléro”, the ballet inspired by the famous music, a song of love, composed by Ravel, made by the celebrated artist Marina Abramovic along with Sidi Larbi Cherkaoui and Damien Jalet, the choreographers, who return to a legendary work of twentieth century, the one made by an unforgettable choreographer Maurice Béjart (and a ballet “Bolero”, my favorite ballet, featuring Luciana Savignano I was very glad to see many years ago). Dance and fashion or more specifically costumes that are designed by Riccardo Tisci, the creative director of Givenchy. A not to be missed masterpiece to see and enjoy.

BOLÉRO, IL BALLETTO DI MARINA ABRAMOVIC AL TEATRO DELL’ OPERA DI PARIGI 

È attualmente sul palcoscenico del Teatro dell’ Opera di Parigi che prosegue fino al 2 giugno 2013, “Boléro”, il balletto che si ispira alla famosa musica, un canto d’ amore, composto da Ravel, realizzato dalla celebre artista Marina Abramovic unitamente a Sidi Larbi Cherkaoui e Damien Jalet, i choreografi, che ritornano a un’ opera leggendaria del ventesimo secolo, quello realizzato da un indimenticabile coreografo Maurice Béjart (e un balletto “Bolero”, il mio balletto preferito, con Luciana Savignano che sono stata molto felice di vedere tanti anni fa). La danza e moda o più specificamente i costume che sono stati disegnati da Riccardo Tisci, il direttore creativo di Givenchy. Un imperdibile capolavoro da vedere e apprezzare.

www.operadeparis.fr

Sofia Gnoli, celebrated fashion journalist, historian, fashion curator and Professor released today her new book “Moda, dalla nascita della haute couture a oggi” (Carocci, 34,00 Euros), telling about the history of fashion from its rise to contemporary fashion, talking about the most important designers and changes arisen from the realm of fashion. A book to have, precious source of fashion culture, something should – during those dark times especially – be increased in Italy about which the bright author told, focusing on something I deeply agree with her: the recognition of full scientific dignity to fashion in Italy”.

What are the ten-day periods decades and creatives, featuring in your latest book do you think that have emblematically marked Italian fashion?

“It’s hard identifying one only ten-day period. I think every historical age had its own importance. The Thirties were fundamental for giving rise to the consciousness it could exist an Italian fashion being independent from the French one. It has been the time where it has created the National Institution of Fashion, the first public institution for supporting and promoting the Italian fashion, it has been the time of autarchy and genius inventions by Salvatore Ferragamo. Italian fashion during the Forties starts shamefully emerging with names as Marucelli, Fontana sisters, Simonetta Colonna di Cesarò, Fernanda Gattinoni. It has been in the following ten-year period, the Forties, resulting from the Hollywood on Tevere in Rome and the Pitti White Hall in Florence, the great international recognition of Italian style and the rise of fashion boutique with Emilio Pucci, etc. and so on, arriving after the mid-Sixties to the emerging made in Italy, evidencing every ten-day period had its own main features and innovations”.

What do you think of contemporary made in Italy – haute couture, ready-to-wear, demi.couture – and what are its main features?

“After a stop started in the Nineties where it didn’t feature a new generation of creatives, except phenomenons as Antonio Marras and Ennio Capasa, creator of Costume National, didn’t feature new great creatives, it arose from a new heterogeneous generation of Italian creatives in the first ten-day period of Twenty-first century. Someone, working as consultants or having worked as consultant for others brands, established their own brand as Marco De Vincenzo, Giambattista Valli and Sergio Zambon. Other ones became creative directors of renowned international names as Giannini (Gucci), Riccardo Tisci (Givenchy) e Marco Zanini (Rochas). Other ones also held their brand, being or being been creative director of famous brand: Tommaso Aquilano and Roberto Rimondi, Gabriele Colangelo, Francesco Scognamiglio. All of the names evidence how Italian creativity, due to its perfect balance between dream and reality, marketing and fantasy, continues being one of the most desirable ones”.

What are the project you are going to develop?

“The thing I care very much is to improve the culture of Italian fashion. I think our Country should focus on that much more. In fact the fashion in Italy, though it’s one of the biggest entries of turnover, is still  smugly considered in some universities, instead it’s very important. The fashion studies in Italy, comparing them with countries as England, USA and France, are very behind. Then the space given by institution to cultural events, concerning fashion is very little. Instead there are important museums abroad having fashion areas as the New York Metropolitan Museum of the Arts or London Victoria & Albert Museum. Unfortunately in Italy there isn’t anything like that. It’s very hard and dangerous setting up a fashion exhibition, though it’s a really charming work, in fact is one of my forthcoming projects. In fact here in Italy the scientific standards of this subject aren’t codified. I think it’s often forgotten fashion is not an issue about  ruffles and furbelows where everyone can improvise. Fashion is a more serious issue than is commonly considered…”.

“MODA. DALLA NASCITA DELLA HAUTE COUTURE A OGGI”, IL NUOVO LIBRO DI SOFIA GNOLI

Sofia Gnoli

Sofia Gnoli, celebre giornalista, storica della moda, fashion curator e docente ha pubblicato oggi il suo nuovo libro “Moda, dalla nascita della haute couture a oggi” (Carocci, 34,00 Euro) che narra la storia della moda dalla sua nascita alla moda contemporanea, parla dei più importanti designer e dei cambiamenti sorti nell’ ambito della moda. Un libro da avere, preziosa fonte di cultura della moda, qualcosa che dovrebbe essere incrementata – specialmente durante questi tempi oscuri – in Italia della quale la brillante autrice ha parlato, concentrandosi su qualcosa che condivido profondamente: il riconoscimento di piena dignità scientifica alla moda in Italia.

Quali sono le decadi e i creativi, protagonisti del tuo ultimo libro che ritieni abbiano segnato in modo emblematico la moda italiana?

“Difficile individuare un unico decennio. Trovo che ogni momento storico abbia avuto una sua importanza. Gli anni Trenta sono stati fondamentali per far nascere negli italiana la consapevolezza che una moda italiana indipendente da quella francese poteva esistere. Sono stati gli anni in cui è stato creato l’Ente Nazionale della Moda, la prima istituzione pubblica volta a sostenere e promuovere la moda italiana, sono stati gli anni dell’autarchia e delle geniali invenzioni di Salvatore Ferragamo. Negli anni Quaranta la moda italiana, con nomi come Germana Marucelli, Sorelle Fontana, Simonetta Colonna di Cesarò, Fernanda Gattinoni, inizia timidamente ad emergere. Nel decennio successivo, grazie alla Hollywood sul Tevere a Roma e alla Sala Bianca di Pitti a Firenze ci sono stati il grande riconoscimento internazionale dello stile italiano e l’affermarsi della moda boutique con Emilio Pucci, ecc. E così via per arrivare nella seconda metà dei Settanta all’emergente made in Italy. Insomma ogni decennio ha avuto le sue peculiarità e le sue innovazioni…”.

Cosa pensi del made in Italy contemporaneo – alta moda, pret-à-porter e demi-couture – e quali sono i suoi tratti più salienti?

“Dopo una battuta d’arresto iniziata negli anni Novanta, durante i quali, a parte i fenomeni di Antonio Marras ed Ennio Capasa, mente di Costume National, non si sono affermati nuovi grandi creativi, nel corso del primo decennio del Duemila è emersa una generazione di creatori italiani dal carattere eterogeneo. Alcuni, pur effettuando o avendo effettuato consulenze per altri marchi, hanno fondato una loro linea, è il caso di Marco De Vincenzo, Giambattista Valli e Sergio Zambon. Altri sono diventati direttori artistici di importanti griffe internazionali come Frida Giannini (Gucci), Riccardo Tisci (Givenchy) e Marco Zanini (Rochas). Altri ancora hanno mantenuto la loro linea pur essendo o essendo stati art director di noti brand: Tommaso Aquilano e Roberto Rimondi, di Gabriele Colangelo, Francesco Scognamiglio. Tutti nomi che dimostrano come la creatività italiana, per il suo perfetto equilibrio tra realtà e sogno, tra marketing e fantasia, continui a essere tra le più ambite”.

Quali sono i progetti che hai in cantiere?

“Valorizzare la cultura della moda italiana è la cosa che mi sta più a cuore. Trovo che il nostro Paese dovrebbe concentrarsi sempre più in questo senso. In Italia infatti, nonostante sia una delle voci più ingenti del fatturato, la moda è ancora guardata con una certa sufficienza in alcuni ambiti accademici, mentre invece è importantissima. Da noi i fashion studies, rispetto a paesi quali l’Inghilterra, gli Stati Uniti e la Francia, sono molto indietro. Inoltre lo spazio che le istituzioni concedono a iniziative culturali concernenti la moda è molto ridotto. Mentre all’estero ci sono importanti musei con sezioni di moda, è il caso del Metropolitan Museum of the Arts di New York o del Victoria & Albert Museum di Londra. In Italia purtroppo non abbiamo nulla del genere. Inoltre, anche se fare una mostra di moda è senz’altro affascinante, non a caso è uno dei miei prossimi progetti, è molto difficile e pericoloso. Da noi infatti i parametri scientifici di questa disciplina sono ancora poco codificati. Trovo che ci si dimentichi un po’ troppo spesso che la moda non è una questione di volants e falpalà, dove chiunque si può improvvisare. La moda è una cosa molto più seria di quanto si pensi…”.

Crocera Lloyd, Illustrazione Italiana, 6th August 1963

Salvatore Ferragamo and Joan Crawford, 1923, courtesy of Salvatore Ferragamo

Christian Dior along with his collaborators in Avenue Montaigne, courtesy of Christian Dior

Sketch by Capucci, 2011, courtesy of Capucci Foundation

Simonetta Colonna di Cesarò trying a dress for Theo Graham, 1961, photo Leombuno Bodi, courtesy of Archivio Saraceni

Kim Novak wearing a dress by Fernanda Gattinoni, 1957, courtesy of Gattinoni archive

Giuliana Cohen Camerino and Salvador Dalì, 1974, courtesy of Roberta di Camerino archive

Antonia Dell'Atte Fall/Winter 1984-1985, photo by Aldo Fallai, courtesy of Giorgio Armani

Sketch by Gianfranco Ferrè haute-couture Fall/Winter 1986-1987, courtesy of Gianfranco Ferré Foundation

Antonio Marras Spring/Summer 1988, courtesy of Antonio Marras

 

Liz Hurley at the set of “Bedazzled” (2000) wearing the Baguette by Fendi, courtesy of Fendi

 

Prada Spring/Summer 1996, courtesy of Prada

A sketch by Judith Clark depticting the setting of exhibition at Venice Fortuny Museum

Maria Luisa Frisa, eclectic and bright individual who is the Director of Fashion Design Faculty of Iuav University of Venice, fashion critic, author and fashion curator recently tells about the new project involving her, a fashion exhibition she curated along with Judith Clark promoted by the Venice Civic Museums Foundation and Diana Vreeland Estate which will be held in Venice from 9th March to 26th June 2012 at the Fortuny Museum, paying homage, reconstructing and telling about the genius of Diana Vreeland – legendary fashion editor of “Harper’s Bazaar” and editor-in-chief of Vogue who influenced the way to perceive and catch fashion yesterday and today as well as the way to display fashion in the Museums, being been consultant at Costume Institute of the New York Metropolitan Museum of the arts -, a successful chance to talk about fashion and fashion curating, being also the theme of an international meeting – organized during the opening of exhibition by the The Iuav University of Venice in collaboration with the London College of Fashion-University of the Arts London and the Centre for Fashion Studies of Stockholm University – which will be held on 10th March 2012 as well as exploring the fashion grammar and its imagery, Diana Vreeland contributed yesterday to develop and showcase and Maria Luisa Frisa today researches, defines, tells and showcase at best.

What is the path did you choose to tell in the exhibition you curated about the charismatic Diana Vreeland?

“I’m really very bound to the persona Diana Vreeland as fashion editor at editor at “Harper’s Bazaar” (1936-1962) and later visionary editor-in-chief of “Vogue America” (1962-1971), as well as curator of fashion exhibition, during her time spent at the Costume Institute of Metropolitan Museum from 1972 to 1989, year of her death. I started working on the Vreeland’s legacy in 2008, during the installation Vreelandesque, organized by Class Editors and curated by me that celebrated the Vreeland style and her visionary approach to fashion by a display of magazine for whose she worked as well as by editing of pictures of the exhibitions she curated. It has arisen since that project the will of bringing on more complex level the reflection about the fashion exhibitions and fashion curating and the fundamental role of Diana Vreeland in the evolution of these two aspects of that complex discipline that is fashion.

The exhibition, curated by Judith Clark and me, promoted by the Venice Civic Museum Foundation and Diana Vreeland Estate, will be held at the Fortuny Museum from 9th March to 26th June 2012. It’s the first exhibition explicitly reflecting on the complexity of Vreeland’s work, who has been simultaneously editor and curator and on her ability to use fashion as extraordinary flywheel for the imagination. It’s not only a fashion exhibition, but a chance to understand how and when many of imaginaries of contemporary fashion have arisen.

The exhibition tries to put a focus on the magnificent, imaginative journey that Diana Vreeland went through during the Nineties: the exhibition will be divided between the noble floor and the second floor of Fortuny Museum, a journey through 3 cores that – I believe – can tell very much about Diana Vreeland. It starts from elements of her personal style and obsessions, being fundamental to define her approach as a curator in the display and interpretation of fashion. Then it follows with the exploration of Diana Vreeland as a curator through her innovative exhibition projects: a series of typical museum cases, will emphasize the elements that featured in exhibitions by Diana Vreeland. Obviously the mannequins will have a central role, alluding to the original installations by Diana Vreeland and ideated exclusively for the exhibition by Judith Clark along with the La Rosa company. The magazines (original issues of “Harper’s Bazaar” and “Vogue America”), the catalogues and the books released during the exhibitions she curated will be the last core of the exhibition: a complex editorial work reflecting her ability to catch in advance tastes and trends through the Nineties.

The exhibitions by Diana Vreeland also includes a series of dresses, many of them to be seen for the first time in Italy as items of Saint Laurent and Givenchy worn by Diana Vreeland and coming from the archives of the New York Metropolitan Museum of Art, in addition to some extraordinary Balenciaga items lent from the Balenciaga Museum, recently opened in Getaria, the most iconic creations by Saint Laurent from the Pierre Bergé-Yves Saint Laurent Foundation, precious items that marked the Nineties fashion coming from important private and institutional collections, including items of Chanel, Schiaparelli, Missoni, Pucci and the costumes of Russian Ballets.”

Are there an satellite events you organized around the exhibition?

The Iuav University of Venice – where I head the degree course in Fashion Design – organizes on 10th March 2012 during the opening of exhibition, an international meeting in collaboration with the London College of Fashion-University of the Arts London and the Centre for Fashion Studies of Stockholm University. The meeting, focused on the discipline of fashion curating features the most important names in International realm of fashion museum and curating of fashion exhibition as Harold Koda, Akiko Fukai, Kaat Debo, Alexandra Palmer, Amy de la Haye, Becky Conekin, Stefano Tonchi, Miren Arzalluz. It starts from the experience of Diana Vreeland at the Met and continues with a series of reflections about the topic of fashion curating and the relationship between fashion, installations and museums. I am involved in the day of studies which is part of the Curatorial Practices and fashion museography. The project in fashion, came out of the Department for research at the Iuav University of Venice. One more advance towards a better fashion presence between the academic disciplines in Italy”.

Do you think in our times there are other icons in the fashion system or publishing as powerful as Diana Vreeland?

“All of the stylists today are already genuine celebrities. They are photographed, featured on the blogs, editors of blogs where they show themselves and show their point of view about fashion. I think this genuine cult of personality is an evolution of what was already suggested by Diane Vreeland when she was a fashion editor at “Harper’s Bazaar” and later on as the editor-in-chief at “Vogue”. Now that the stylist has moved from the backstage to the center stage: it makes it more difficult (but maybe more interesting) to be unique and influential. The path towards a conscious self-styling, simultaneously detailed as well as visionary, makes it more difficult to rule”.

“Never fear being vulgar, just boring”, to which extent do you agree with the assertion of Diana Vreeland?

“The genius of Diana Vreeland was expressed above all by creating a grammar of excess. The exhibition and the release of the book – which coincides with the exhibition – is curated by me and Judith Clark and has the intention – of being naturally difficult – in order to reconstruct this visual and conceptual grammar. The intention is for the exhibition to create a setting for Diana Vreeland’s flamboyant vision of fashion, Diana talked about excess, allure, chic, pizazz, all terms that are now part of the fashion vocabulary. Naturally there is no fear of being vulgar, but there is still a need to measure the elements that give rise to excess. There is intuition, but also a specific algebraic system, allowing (or rather looking for) the mistake without losing sight of an equation of style, combining the natural with the artifice. A fashion algebra, which reminds me a lot of what Anna Piaggi tells us on her double pages” in Italian Vogue”.

What has changed in fashion print publishing, what stays from the past and what do we disguard?

“The magazine is here to stay. The double page is a fundamental unit for the construction of an issue and is an important element in expressing visual tales. We will always have the legacy left behind by great visionaries such as Alexey Brodovitch who was a graphic designer and art director of Harper’s Bazaar for nearly a quarter of a century including Diana Vreeland’s “Bazaar” years. He is the one that designed the mythological column by Vreeland, “Why don’t you…”.

What is your opinion about Diana Vreeland as a consultant to the Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art in New York (who wanted the exhibitions to look like a part of the present instead of the past)?

“It’s the force of interpretation the risk always assumed by a curator. It’s an approach that doesn’t question the rigorous and fundamental work of curator (reconstruction the history of an object, dress, describing that in its own materiality and inserting in the age it came from), but it uses these views to make arising further reflections about the culture and fashion history, with a view starting from the past to develop new stories and catch never explored path”.

“The trouble with this country is that they want to give the public what it wants. Well, the public wants what it can get, and it‘s up to the museum to teach them what to want public”, said Diana Vreeland, is this assertion still contemporary?

“The answer is a complex one as it needs to take into consideration different types of museums (decorative arts, contemporary art, fashion, etc.). It must be said that still in Italy we do not have a genuine fashion museum that is of a level that it can compete with the big International museums and institutions. There are a few significant realities, but it still lacks, for example, a workable mechanism of connection. I think this has more to do with the outdated status of Italian reflection about the fashion culture. With this exhibition we are trying to bring a higher level of the discussion of these themes with Italian fashion. One must be very contemporary and it is urgent to resolve this problem with an Italian fashion museum”.

Considering the eclecticism of your work, what is your approach to define, observe, dialogue and promote art, fashion, culture and innovation?

“To act as a curator means that we must give rise to reflections about the visual contemporary culture which embodies fashion and art works. In acting as the director of a fashion school, the degree Course in Fashion Design at the Iuav University of Venice: my intention is to create a place that is a fertile ground for academic research and which helps to form a new generation of fashion designers”.

GRAMMATICA DELLA MODA & CURATELA DI MODA: IL GENIO DI DIANA VREELAND RACCONTATO DA MARIA LUISA FRISA

Veruschka in Yves Saint Laurent, photo by Irving Penn, Vogue 1st September 1965

Maria Luisa Frisa, eclettica e brillante individualità che é il Direttore della Facoltà di Fashion Design della Università Iuav di Venezia, critico di moda, scrittrice fashion curator, parla recentemente dell’ ultimo progetto che la coinvolge, una mostra di moda da lei curata unitamente a Judith Clark, promossa dalla Fondazione Musei Civici di Venezia ed il Diana Vreeland Estate che si terrà a Venezia dal 9marzo al 26 giugno 2012 presso il Museo Fortuny che rende omaggio, ricostruisce e racconta il genio di Diana Vreeland – leggendaria fashion editor di “Harper’s Bazaar” e direttore editoriale di “Vogue” che ha influenzato il modo di percepire e catturare la moda ieri ed oggi come anche il modo di esporre la moda nei Musei, essendo stata curatrice al Costume Institute del Metropolitan Museum of the Arts di New York -, una felice occasione per parlare di moda e curatela di moda che è il tema di un convegno internazionale – organizzato in occasione della mostra dalla Università Iuav di Venezia in collaborazione con il London College of Fashion-University of the Arts London ed il Centre for Fashion Studies of Stockholm University – che si terrà il 10marzo 2012 come anche per esplorare la grammatica della moda ed il suo immaginario che Diana Vreeland ha contribuito ieri a consolidare ed esporre e che oggi Maria Luisa Frisa ricerca, definisce, racconta ed espone al meglio”.

Quale percorso hai scelto per ricostruire e raccontare nella mostra da te curata la carismatica Diana Vreeland?

“Sono particolarmente legata alla figura di Diana Vreeland, sia in quanto fashion editor ad “Harper’s Bazaar” (1936-1962) e poi visionario direttore a “Vogue America” (1962-1971), sia in quanto curatore di mostre di moda durante il suo periodo al Costume Institute del Metropolitan dal 1972 al 1989, anno della sua morte. Ho iniziato a lavorare sull’ eredità di Vreeland nel 2008 in occasione dell’installazione Vreelandesque, organizzata da Class Editori e da me curata che celebrava lo stile Vreeland e il suo approccio visionario alla moda attraverso una esposizione delle riviste a cui ha lavorato, come anche montaggi di immagini delle mostre che ha curato. Da quel progetto è nato il desiderio di portare a un livello più complesso la riflessione sulle mostre di moda e sul fashion curating e sul ruolo centrale di Diana Vreeland nell’evoluzione di questi due aspetti di quella complessa disciplina che è la moda.

La mostra, curata da Judith Clark e da me, promossa dalla Fondazione dei Musei Civici di Venezia e dal Diana Vreeland Estate, sarà allestita al Museo Fortuny, dal 9 marzo al 26 giugno 2012. Si tratta della prima mostra che riflette in modo esplicito sulla complessità del lavoro di Diana Vreeland, simultaneamente editor e curator e sulla sua capacità di usare la moda come straordinario volano per l’immaginazione. Non solo una mostra di moda, quindi, ma l’occasione per capire come e quando sono stati messi a fuoco buona parte degli immaginari della moda contemporanea.

La mostra cerca di restituire l’incedere immaginifico con cui Diana Vreeland ha attraversato la moda del Novecento: il percorso espositivo sarà articolato fra il piano nobile e il secondo piano del Museo Fortuny, un viaggio attraverso tre nuclei che crediamo possano raccontare Diana Vreeland molto bene. Si parte dagli elementi del suo stile personale e dalle sue ossessioni, fondamentali nel definire il suo atteggiamento curatoriale rispetto alla messa in scena e all’interpretazione della moda. Poi si prosegue nell’esplorazione di Vreeland come curatore attraverso i suoi innovativi progetti allestitivi: un serie di teche, elemento museale per eccellenza, enfatizzerà gli elementi che hanno caratterizzato le mostre di Diana Vreeland; ovviamente un ruolo centrale avranno i manichini che alludono agli allestimenti originali di Vreeland e sono progettati appositamente da Judith Clark insieme alla ditta La Rosa. Ultimo nucleo in mostra saranno le riviste (numeri originali di “Harper’s Bazaar” e “Vogue America”) e i cataloghi e i libri usciti in occasione delle mostre da lei curate: un complesso lavoro editoriale che attraverso il Novecento e riflette la sua capacità  di intercettare e anticipare gusti e tendenze.

Le mostre di Diana Vreeland includono da una serie di abiti, molti dei quali saranno visti per la prima volta in Italia quali i capi di Saint Laurent e Givenchy indossati da Diana Vreeland e provenienti dal Metropolitan Museum of Art di New York, alcuni straordinari pezzi di Balenciaga prestati dal Cristóbal Balenciaga Museum, recentemente inaugurato a Getaria, le creazioni più iconiche di Saint Laurent dalla collezione della Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, preziosi esemplari che hanno segnato la moda del Novecento provenienti da prestigiose collezioni private e aziendali fra cui capi di Chanel, Schiaparelli, Missoni, Pucci e costumi dei Balletti Russi”.

Hai organizzato altri eventi collaterali ad essa?

L’Università Iuav di Venezia – presso la quale dirigo il Corso di Laurea in Design della moda – in occasione dell’inaugurazione della mostra organizza il 10 marzo 2012 un convegno internazionale in collaborazione con il London College of Fashion-University of the Arts London e con il Centre for Fashion Studies della Stockholm University. Il convegno, dedicato alla disciplina del fashion curating, prevede la partecipazione dei nomi più importanti nel panorama internazionale dei musei della moda e della cura delle mostre di mode quali Harold Koda, Akiko Fukai, Kaat Debo, Alexandra Palmer, Amy de la Haye, Becky Conekin, Stefano Tonchi, Miren Arzalluz. Il convegno parte dall’ esperienza di Diana Vreeland al Met e continua con una serie di riflessioni sul tema del fashion curating ed il rapporto fra moda, allestimenti e musei. Ho allestito una giornata di studi che fa parte della ricerca Pratiche curatoriali e museografia della moda. Il progetto nella moda che rientra nelle attività dell’unità di ricerca del Dipartimento per la ricerca dell’Università Iuav di Venezia. Un altro passo verso una maggiore presenza in Italia della moda fra le discipline accademiche”.

Ritieni che oggi esistano altre icone nel fashion system o nell’ editoria della moda talmente formidabili come Diana Vreeland?

“Tutti gli stylist di oggi sono ormai delle vere e proprie celebrities. Sono fotografati, sono protagonisti dei blog, sono autori a loro volta di blog in cui si espongono ed espongono il loro punto di vista sulla moda. Credo che questo vero e proprio culto della personalità abbia che fare con una delle possibili evoluzioni di quello che ha suggerito Vreeland al tempo in cui era fashion editor a “Bazaar” e successivamente nelle vesti di come direttore editoriale a “Vogue”. Adesso gli stylist sono passati dal backstage al centro della scena: questo però rende più difficile (ma forse più interessante) essere unici e influenti. Il percorso verso un self-styling consapevole, simultaneamente preciso e visionario, è molto più arduo da stabilire”.

“Non bisogna aver paura di essere volgari, soltanto di esser noiosi”, in che misura sei d’ accordo con l’affermazione di Diana Vreeland?

“La genialità di Vreeland si è espressa soprattutto attraverso la messa a punto di una grammatica dell’eccesso. La mostra e la pubblicazione del libro – che coincide con la mostra – è da me sempre curata e da Judith Clark e si pongono come obiettivo – certamente difficile – quello di ricostruire questa grammatica visuale e concettuale. La finalità è la messa a punto per la mostra della visione flamboyant della moda di Diana Vreeland, Diana parlava di eccesso, allure, chic, pizazz, tutti termini che sono ormai entrati a far parte del vocabolario della moda. Sicuramente non bisogna aver paura di essere volgari, ma bisogna anche saper dosare gli elementi che innescano l’eccesso. C’è intuito, ma anche un preciso sistema algebrico che si permette (e anzi cerca) l’errore, senza perdere di vista un’equazione di stile che mescola naturalezza e artificio. Un’algebra della moda che mi ricorda moltissimo quella di cui parla Anna Piaggi a proposito delle sue doppie pagine su Vogue Italia”.

Cosa è cambiato nell’ editoria di moda cartacea, cosa resta del passato e cosa lasciamo?

“La rivista resterà sempre. La doppia pagina è un’unità fondamentale per la costruzione di un’ edizione ed è un importante elemento per l’ espressione dei racconti visuali. dedicati alla moda e ai suoi immaginari. Del passato resterà sempre l’ eredità di grandi visionari come Alexey Brodovitch che è stato grafico e art director di Harper’s Bazaar per circa un quarto di secolo, compresi gli anni di Diane Vreeland di “Bazaar”. Costui è colui che ha messo in pagina la mitologica rubrica di Vreeland, “Why don’t you…”.

Qual è la tua opinione sull’approccio seguito da Diana Vreeland nelle vesti di consulente del Costume Institute del Metropolitan Museum of Art di New York (la quale voleva le mostre apparissero come parte del presente invece del passato)?

“È la forza dell’interpretazione, il rischio sempre assunto da un curatore. Si tratta di un atteggiamento che non mette in discussione il lavoro rigoroso e fondamentale del curatore (che ricostruisce la storia di un oggetto, di un abito, descrivendolo nella sua materialità e collocandolo correttamente nel suo periodo di appartenenza), ma che utilizza questi aspetti per innescare riflessioni ulteriori sulla cultura e la storia della moda, con uno sguardo che parte dal passato per costruire nuove storie e intercettare traiettorie non ancora esplorate”.

“Il problema di questo paese è che vogliono dare al pubblico ciò che vuole. Ebbene il pubblico vuole ciò che non può ottenere e spetta al museo per insegnargli ciò che vogliono”, diceva Diana Vreeland, questa affermazione è ancora attuale?

“La risposta è complessa, soprattutto perché richiede di considerare diverse tipologie di musei (arti decorative, arte contemporanea, moda, ecc.). Mi limito semplicemente a sottolineare che in Italia manca ancora un vero e proprio museo della moda, in grado di confrontarsi con i grandi musei ed istituzioni internazionali. Ci sono alcune poche realtà significative, ma ancora manca, per esempio, un funzionale meccanismo di raccordo. Credo che tutto questo abbia a che fare con lo stato ancora arretrato della riflessione italiana sulla cultura della moda. La mostra e il convegno sono anche il tentativo di portare a un livello superiore il dibattito italiano rispetto a questi temi in relazione alla moda italiana. Una questione di grande attualità e urgenza è risolvere questo problema con un museo della moda italiana”.

Considerando l’eclettismo della tua opera qual è il tuo approccio per definire, osservare, far dialogare e promuovere arte, moda, cultura e innovazione?

“Agire come un curatore significa innescare riflessioni rispetto alla cultura visuale contemporanea che racchiude le manifestazioni della moda e quelle dell’arte. Agire come direttore di una scuola di moda, il corso di laurea in Design della moda dell’Università Iuav di Venezia:la mia intenzione è creare un luogo che sia un terreno fertile per la ricerca accademica ed aiuti a formare una nuova generazione di fashion designer”.

Veruschka in Valentino and De Barentzen, photo by Franco Rubartelli. Vogue 1st April 1967

Benedetta Barzini in Grès, photo by Irving Penn and the editorial by Diana Vreeland, Vogue 1st September 1967

Coat by Yves Saint-Laurent ( Fall/Winter 1969 collection) , photo by Duane Michals for Yves Saint Laurent, catalogue of the exhibition curated by della mostra Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 14th December 1983-2nd September 1984), New York, The Metropolitan Museum of Art, 1983

Costume worn by Joan Crawford in The Bride Wore Red (1937) made by Adrian, photo by Keith Trumbo featuring in the book by Dale McConathy with Diana Vreeland, Hollywood Costume. Glamour! Glitter! Romance!, New York, Harry N. Abrams, 1976, made after the exhibition Romantic and Glamorous Hollywood Design, curated by Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 21st December 1974-31st August 1975)

"Why don't you", the double pages by Diana Vreeland, Harper's Bazaar, December 1936 issue (first year Diana Vreeland works for “Bazaar”, who started on March 1936)

"Why don't you", the double pages by Diana Vreeland, Harper's Bazaar, May 1941 issue ( last time it appears the editorial)

Dress by Madeleine Vionnet (1925-1926), photo by Irving Penn featuring in Inventive Paris Clothes 1909-1939 (New York, The Viking Press, 1977), book made teaming with Diana Vreeland after the exhibition The 10s, The 20s, The 30s. Inventive Clothes 1909-1939, curated by Diana Vreeland (New York, The Costume Institute at The Metropolitan Museum of Art, 13th December 1973-3rd September 1974)

www.ashadedviewonfashion.com

www.museiciviciveneziani.it

 

 

 

A day to celebrate the twentieth birthday of 10 Corso Como, legendary Milanese concept-store created by the charismatic Carla Sozzani, showcasing the exclusive clothing collection made by Comme des Garçons for 10 Corso Como along with a smashing series of objects and boxes. Here the visitors are pampered with epicurean suggestions as prosecco, delicious chocolates and fresh sorbets while they look at the refined clothes and accessories, as Givenchy, Balenciaga, Azzedine Alaia, Yohji Yamamoto, Junya Watanabe, Stephen Jones, Nicholas Kirkwood and many other ones, succesfully evoking a contemporary, timeless elegance.

 

UN GIORNO PER FESTEGGIARE IL COMPLEANNO DI 10 CORSO COMO BIRTHDAY

Comme des Garçons for 10 Corso Como

 

Un giorno per festeggiare il ventesimo compleanno di 10 Corso Como, leggendario concept-store milanese creato dalla carismatica Carla Sozzani, che espone la collezione esclusiva realizzata da Comme des Garçons per 10 Corso Como unitamente ad una formidabile serie di oggetti e scatole. Ivi i visitatori sono coccolati con suggestioni epicuree prosecco, deliziosi cioccolatini e freschi sorbetti mentre osservano i raffinati abiti, accessori che inncludono brand quali Givenchy, Balenciaga, Azzedine Alaia, Yohji Yamamoto, Junya Watanabe, Stephen Jones, Nicholas Kirkwood e molti altri che evocano felicemente una eleganza contemporanea senza tempo.

10 Corso Como

 

The delicious chocolates available at 10 Corso Como

 

Dress by Paco Rabanne, private collection of Carla Sozzani

 

Hat by Stephen Jones

 

Shoes by Nicholas Kirkwood, hat by Stephen Jones

 

 

 

 

 

Givenchy Spring/Summer 2011

The smashing Spring/Summer 2011 men shoes collection of Givenchy – brand directed by the bright designer Riccardo Tisci – is under the sign of a sophisticated elegance, featuring intricate layered patterns including stars, leafy decorations and a suggestive leopard print shoe.

 

LA SOFISTICATA ELEGANZA DI GIVENCHY

Givenchy Spring/Summer 2011

La formidabile collezione primavera/estate 2011 di calzature da uomo di Givenchy – brand diretto dal brillante Riccardo Tisci – é all’insegna di una sofisticata eleganza di cui sono protagonisti intricati strati di motivi che includono decorazioni a forma di stelle e foglie e un modello con una suggestiva stampa leopardata.

Givenchy Spring/Summer 2011

Givenchy Spring/Summer 2011

Givenchy Spring/ Summer 2011

 

 

www.givenchy.com

Photo by Mert Alas & Marcus Piggot

The smashing adv campaign made by the photographers Mert Alas & Marcus Piggott presenting the Spring/Summer 2011 collection by Givenchy, brand directed by the bright designer Riccardo Tisci, features an elegant play of black and white, animalistic and futuristic suggestions,  successfully exploring the theme of double.

LA CAMPAGNA PUBBLICITARIA DI GIVENCHY A CURA DI MERT ALAS & MARCUS PIGGOT

Photo by Mert Alas & Marcus Piggott

La formidabile campagna pubblicitaria realizzata dai fotografi Mert Alas & Marcus Piggott che presenta la collezione primavera/estate 2011 di Givenchy, brand diretto dal brillante designer Riccardo Tisci, ha quale protagonista un’elegante gioco di bianco e nero, suggestioni animalier e futuristiche, esplorando felicemente il tema del doppio.

Photo by Mert Alas & Marcus Piggott

Photo by Mert Alas & Marcus Piggott

Photo by Mert Alas & Marcus Piggott

Obsedia, Givenchy

Obsedia”, the new bag – made of black leather, having a plexiglass cross-shaped catch – featuring in the Spring/Summer 2011 accessories collection of Givenchy, evokes the dark and gothic mood dark of Riccardo Tisci, creative director of the fashion house, available in the boutique Givenchy boutiques since late February 2011.

OBSEDIA, L’ULTIMA BORSA DI GIVENCHY

 

Obsedia, Givenchy

Obsedia”, la nuova borsa – in pelle nera e con una chiusura a croce in plexiglass – protagonista della collezione accessori primavera/estate 2011 di Givenchy, evoca il mood dark e gotico di Riccardo Tisci, direttore creativo della maison, disponibile nelle boutique Givenchy a partire dalla fine di febbraio 2011.

www.givenchy.com

 

Givenchy Fall/Winter 2010-2011 ready to wear collection

The evolution of the gothic-romantic  mood under the sign of existentialism mood shines in the latest Fall/Winter 2010-2011 collection of Givenchy, designed by Riccardo Tisci, presented during the Paris Fashion Week. Wonderful shapes, slim lines, featuring velvet, leather, lace, transparencies along with basic colors and red, fantasies evoking Bahaus emphasizing the female silhouette, depicting an assertive and elegant femininity.

LA FEMMINILITÀ  ELEGANTEMENTE ASSERTIVA DI GIVENCHY

Givenchy Fall/Winter 2010-2011 ready to wear collection

L’evoluzione del mood gotico-romantico all’insegna dell’ esistenzialismo splende nella collezione autunno/inverno 2010-2011 di Givenchy, disegnata da Riccardo Tisci, presentata in occasione della Paris Fashion Week. Meravigliose forme, linee slim in cui protagonista è il velluto, pelle e pizzo, trasparenze che unitamente a colori basici e rosso, fantasie che evocano il Bahaus, enfatizzano la silhouette femminile, dipingendo una femminilità elegantemente assertiva.

www.givenchy.com

Greta Garbo by Clarence Sinclair Bull

Greta Garbo, the mystery of style, exhibition – curated by Stefania Ricci, the director of Florence Museum Salvatore Ferragamo and prepared together with the architect Maurizio Baló – which will be held in Milan at Triennale Design Museum until April 4th 2010, showing the iconic style of the Hollywood star under the sign of essentiality. The exhibition hosts a wide range of costumes coming from museums, institutions and private collectors as the neck embroidered neck for the movie “Inspiration” and the item made for the movie “Queen Christina” as well as photo portraits made by Cecil Beaton and Clarence Sinclair Bull together with the dresses and accessories – never seen before – of diva, made by Valentina, Pucci, Givenchy and the Ferragamo shoes “Greta”, dedicated to her.

GRETA GARBO, IL MISTERO DELLO STILE

Greta Garbo, photo by Clarence Sinclair Bull

Greta Garbo, il mistero dello stile, mostra – curata da Stefania Ricci, il direttore del Museo fiorentino Salvatore Ferragamo ed allestita unitamente all’ architetto Maurizio Balò – che si terrà a Milan presso il Museo del Design della Triennale fino al 4 Aprile 2010, che espone l’ iconico stile della star di Hollywood all’insegna dell’ essenzialità. La mostra ospita un’ampia gamma di costumi, provenienti da musei, istituzioni and collezionisti private quali l’abito con scollo ricamato per il film “Inspiration” ed il capo realizzato per il film “La Regina Cristina” come anche i ritratti fotografici realizzati da Cecil Beaton e Clarence Sinclair Bull unitamente agli abiti ed accessori – mai visti prima – della diva, realizzati Valentina, Pucci, Givenchy e le scarpe “Greta” di Ferragamo a lei dedicate.

Greta Garbo, photo by Cecil Beaton

www.triennaledesignmuseum.it