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David Bowie, photo by Albert Watson
A lots of concerts and events paid homage to David Bowie – legendary artist who passed away in January – that were held in New York as the “David Bowie Tribute” at the Carnegie Hall and “The Music of David Bowie” at the Radio Music City Hall. Recently David Byne, Kimbra and The Roots performed a cover of “Fame” – celebrated track Bowie wrote along with Carlos Alomar and John Lennon – during the opening of the induction ceremony of Rock & Roll of Fame 2016 edition, which took place in New York at the Barclays Center. These smashing events evidence a known fact, the relevance of a genius, an icon, David Bowie and his artistic heritage, which is eternal.
TRIBUTI, CELEBRAZIONI E OMAGGI A DAVID BOWIE
Svariati concerti ed eventi hanno reso omaggio a David Bowie – artista leggendario venuto a mancare a gennaio – che si sono tenuti a New York quali il “David Bowie Tribute” al Carnegie Hall e “The Music of David Bowie” al Radio Music City Hall. Recentemente David Byne, Kimbra e The Roots hanno eseguito una cover di “Fame” – celebre brano scritto da Bowie insieme a Carlos Alomar e John Lennon – in occasione dell’ apertura della cerimonia di ingresso di nuovi artisti dell’ edizione 2016 della Rock & Roll of Fame 2016 che ha avuto luogo a New York presso il Barclays Center. Questi formidabili eventi testimoniano un fatto notorio, l’ importanza di un genio, un’ icona, David Bowie e della sua eredità artistica che è eterna.
David Bowie, photo by Albert Watson
Leigh Bowery, photo by Ole Christiansen
26th March would have been the birthday of Leigh Bowery (who passed away in 1994), genius and legendary Australian performer artist, club promoter, actor, pop star, model, and fashion designer (also for the Michael Clark Dance Company), based in London and was part of London Blitz Kids, New York City Michael Alig’s Club Kids and founder along with Boy George in 1985 of Taboo Club during the times of new-romantic movement. Today I remember him who is considered one of the more influential figures in the 1980s and 1990s London and New York City art and fashion circles, influencing a generation of artists and designers. His influence reached through the fashion, club and art worlds to impact, amongst others, Meadham Kirchhoff, Alexander McQueen, Lucian Freud, Vivienne Westwood, Boy George, Antony and the Johnsons, John Galliano, Gareth Pugh, Rick Owens, the Scissor Sisters, David LaChapelle, Lady Bunny along with many bands and nightclubs in London and New York City which arguably perpetuated his avant-garde ideas featuring the grotesque as non-conventional standard of beauty. Many are the books, documentary films, exhibitions and the permanent collections at Museums that celebrate his sign, that visionary attitude going beyond time and energy I love and pay homage always and forever.
LEIGH BOWERY: SEMPRE & PER SEMPRE
Leigh Bowery, photo by Nick Knight
Il 26 marzo sarebbe stato il compleanno di Leigh Bowery (venuto a mancare nel 1994), geniale e leggendario performer artist australiano, club promoter, attore, pop star, modello e fashion designer(anche per la Michael Clark Dance Company) che ha vissuto a Londra ed ha fatto parte dei Blitz Kids di Londra, dei Club Kids di Michael Alig a New York ed ha fondato con Boy George nel 1985 il famoso locale Taboo ai tempi del movimento new-romantic. Oggi ricordo lui che è considerato una delle figure più emblematiche, avendo influenzato una generazione di artisti e designer. La sua influenza é giunta attraverso il mondo della moda, dei locali notturni e dell’ arte per avere impatto, tra gli altri, su Meadham Kirchhoff, Alexander McQueen, Lucian Freud, Vivienne Westwood, Boy George, Antony and the Johnsons, John Galliano, Gareth Pugh, Rick Owens, the Scissor Sisters, David LaChapelle, Lady Bunny unitamente a svariati gruppi e locali notturni a Londra e New York City che presumibilmente hanno perpetrato le sue avveniristiche idee di cui è protagonista il grottesco quale, anticonvenzionale e sovversivo standard di bellezza. Molteplici sono i libri, i documentari, le mostre e le collezioni permanenti nei musei che celebrano il suo segno, quell’ estro visionario oltre il tempo ed energia che amo e a cui rendo omaggio sempre e per sempre.
Leigh Bowery and Lucien Freud working on his portrait
Leigh Bowery by Lucien Freud, 1991, Tate Modern
Leigh Bowery/Alexander McQueen
Alexander McQueen
Alexander McQueen
Leigh Bowery/ Alexander McQueen
Alexander McQueen
Leigh Bowery/John Galliano
Leigh Bowery/John Galliano
John Galliano
Leigh Bowery/Jean Paul Gaultier
Jean Paul Gaultier
Leigh Bowery/Gareth Pugh
Gareth Pugh
Gareth Pugh
Leigh Bowery/Margiela
Maison Margiela Fall/Winter 2013
Martin Margiela
Margiela
Leigh Bowery/Michael Clark
photo by Sølve Sundsbø
Boy George
Boy George and Leigh Bowery at the Taboo
Beth Ditto
Leigh Bowery & Nicola Bateman/ Rick Owens Spring/Summer 2016
Costume for a female performer designed by Leigh Bowery and made by Mr Pearl for 1987 dance performance, “Because We Must” by Michael Clark Dance Company (Victoria & Albert Museum Collections)
Lady Gaga
Today I was on Facebook and I ran into a picture shared by a friend of mine coming from the Lady Gaga Facebook profile who was got ready to watch herself as the Countess. I saw her outfit and it reminded me the real Countess, my dear friend Alex Zapak, renowned, iconic persona from the NYC downtown art scene (who is the founder of art movement The Cunt Rock Revolution, band and artistic collective later turned into The Countess and Cun$t Rock Revolution and the Bank of Imaginations Theatre), that realm Lady Gaga quoted as reference which influenced her art and music. As it teaches the legendary fashion designer Karl Lagerfeld: to use or rather combine at least eight different references it does not stands as copying. What does it happen instead when do you copy the name, the look, some music and the image of another underground artist? It does not happen anything. Why? Because of the mass ignorance, emphasized, a weird paradox, by the web, the unstoppable flux of information which is not supported by any consciousness, autonomous thinking, gives rise to ignorance, word I focus by considering is Latin root or rather “i-gnosco” which means “not-knowing”. Then the result arising from all that is to not knowing. And it has to be known the facts especially during this times where it lacks any sedimentation of knowledge (being basically visual, lasting for the time the following image deletes the previous, it’s a perpetual motion creating emptiness) and people exchange for “new”, “innovative”, “visionary”, a bad reinterpretation or worst copy of past or present.
The Cunt Rock Revolution
Alex Zapak aka The Countess
These thoughts arise from a picture, but I am sure I am not the only who sees and knows it. Considering the Lady Gaga issue, her “references” to underground culture is very known. She “quoted” through her work many artists as Orlan (who unsuccessfully started a legal action against her), Colette(famous New York artist who made a public appearance behind the shop-windows of Barney’s over one year ago that hosted an installation ideated by Lady Gaga), Anne Pigalle and many others. Underground artists, though they are brilliant naturally fail behind a corporate marketing company which is Lady Gaga. They are the weakest because as “Nostalgia”, the song by Readers wives, tells about, “there is no money in the underground”. That is in the status quo of contemporary times. Knowledge is not marketing is of and for all the ones, thus it’s important to tell that and it’s relevant on a cultural profile to know and recognize all that. Mainstream culture will be always the mainstream culture, focused on increasing the mass homologation, corresponding to ideas, actions, habits and last but not least consumes – strictly connected to consumerism culture -, drawing often inspiration from the underground culture which will be always out of this circuit, the mass culture. Nevertheless, the minds of people, their eyes travel, therefore it must be given them the chance to develop an autonomous, free thinking.
CULTURA UNDERGROUND E CONSUMISMO, THE COUNTESS & L’ IGNORANZA DI MASSA
Alex Zapak aka The Countess & Lady Gaga
Oggi stavo su Facebook e mi sono imbattuta in una foto, condivisa da un’ amico, proveniente dal profilo di Facebook di Lady Gaga che era pronta per guardarsi nelle vesti di The Countess. Ho visto il suo outfit e mi ha ricordato The Countess, quella vera, la mia cara amica Alex Zapak, rinomato, iconico personaggio della scena artistica della downtown newyorkese che è fondatrice del movimento artistico The Countess & Cunt Rock Revolution, band e collettivo artistico successivamente trasformato in The Countess and Cun$t Rock Revolution e Bank of Imaginations Theatre), quell’ ambito che Lady Gaga ha citato quale riferimento che ha influenzato la sua arte e musica. Come insegna il leggendario fashion designer Karl Lagerfeld: usare o meglio combinare tra loro fino ad otto riferimenti diversi non equivale a copiare. Che succede invece quando si copia il nome, il look, qualche musica e l’ immaginario di un’ altro artista underground? Nulla accade. Perché? A causa dell’ ignoranza di massa, enfatizzata, un bizzarro paradosso, dal web, l’ irrefrenabile flusso di informazione che non è sostenuto da alcuna consapevolezza, da un pensiero autonomo, dà vita all’ ignoranza, lemma su cui mi soffermo considerando la sua radice latina ovvero “i-gnosco” che equivale “a non conoscere”. Quindi il risultato di tutto ciò è non sapere. E i fatti si devono sapere, specialmente durante questi tempi in cui deficie ogni sedimentazione della conoscenza ( che è essenzialmente visiva, dura il tempo che l’ immagine successiva cancelli la precedente, un moto perpetuo che genera vuoto) e la gente scambia per “nuovo”, “innovativo”, “visionario”, una brutta interpretazione o peggio copia del passato e del presente.
Alex Zapak aka The Countess
Queste riflessioni derivano da un’ immagine, ma son certa di non essere l’ unica che vede e sa ciò. Prendendo in considerazione la questione Lady Gaga, i suoi “riferimenti” sono alla cultura underground sono molto noti. Costei ha “citato” attraverso la sua opera svariati artisti come Orlan (che ha avviato senza successo un’ azione legale contro di lei), Colette (famosa artista di New York che è apparsa pubblicamente davanti alle vetrine di Barney’s, le quali ospitavano un’ installazione ideata da Lady Gaga), Anne Pigalle e molti altri. Gli artisti underground, benché siano brillanti naturalmente si fermano dinanzi a un’ azienda corporativa di marketing come Lady Gaga. Sono i più deboli perche come dice “Nostalgia”, la canzone dei Readers wives, “non c’è denaro nell’ underground”. Questo è lo stato di cose della contemporaneità. La conoscenza non è marketing è di e per tutti, pertanto è importante dire ciò ed è fondamentale da un punto di vista culturale sapere e riconoscere ciò. La cultura di mainstream sarà sempre cultura di mainstream, incentrata nell’ accrescimento dell’ omologazione di massa, che corrisponde a idee, azioni, abitudini e ultimo, ma non meno importante, consumi – strettamente legata alla cultura del consumismo -, la quale sovente trae ispirazione dalla cultura underground che resterà sempre fuori da questo circuito, dalla cultura di massa. Cionondimeno, le menti delle persone, i loro occhi, viaggiano, pertanto deve esser loro offerta la possibilità di consolidare un pensiero autonomo, libero.
Alex Zapak aka The Countess
Thom Browne Spring/Summer 2016
Successful overlaps of volumes make concrete the idea of repetition and diversity, redesigning the borders between conflicting elements as male and female, Eastern and Western. That is the alchemy which shines in the Spring/Summer 2016 by the genius fashion designer Thom Browne, a genuine masterpiece of sartorialism, presented during the New York Fashion Week. It’s a brilliant showcase of elegance which celebrates and subverts a highly evocative garment, the pleated schoolgirl skirt, sign of a conformist virtue which is fully subverted by a smashing combination of male elements – outerwear, jackets and accessories as ties and bow ties – and emphasized by the shirts descending below the skirts hems. It features the portrait of a vibrant individualism and style perfection, where the Western tailoring meets the Eastern ornamental motifs – as the chrysanthemum, the portrait of a geisha that turn into marvelous prints, details and decorations – which is enhanced by a palette of color including black, white, grey along with light colors.
RIDISEGNARE I CONFINI TRA ELEMENTI CONFLIGGENTI: L’ ALCHIMIA SARTORIALE DI THOM BROWNE
Thom Browne Spring/Summer 2016
Felici sovrapposizioni di volumi concretizzano l’ idea di ripetizione e diversità, ridisegnando i confini tra elementi configgenti come il maschile e femminile, l’ orientale e l’ occidentale. Questa, l’ alchimia che splende nella collezione primavera/estate 2016 del geniale fashion designer Thom Browne, un autentico capolavoro di sartorialità, presentato durante la New York Fashion Week. Una brillante rassegna di eleganza celebra e sovverte un capo altamente evocativo, la gonna a pieghe da scolaretta, segno di una virtù conformista che è magistralmente sovvertita da una formidabile combinazione di elementi maschili – capi spalla, giacche e accessori quali cravatte e papillon – ed è enfatizzata da camicie che scendono sotto gli orli delle gonne. Protagonista, il ritratto di un vibrante individualismo e perfezione di stile, in cui il taglio occidentale incontra i motivi ornamentali orientali – come il crisantemo, il ritratto di una geisha che si trasformano in meravigliose stampe, dettagli e decori – ed è sottolineato da una palette di colori che include nero, bianco grigio unitamente a colori tenui.
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Thom Browne Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Visionary and experimentation on shapes, lines and volumes emphasized by technology and unusual materials as latex, crystals, digital-lace mesh, neoprene, 3d-prints are the signs impressed in the work by the brand Threeasfour, created by the fashion designers trio, formed by Gabi Asfour, Adi Gil and Angela Donhauser (coming from Lebanon, Israel and Tajikistan), which this year celebrated its 10th anniversary as well as the National Design Award for Fashion Design from Cooper Hewitt. A marvelous anatomical approach to design, play of asymmetries, curves and transparencies draws a weightless silhouette which shines in the Spring/Summer 2016 collection by the brand which has recently presented during the New York Fashion Week. Lightness, dynamism, sophistication and incisiveness features in garment for women and men shaping a sacred solemnity, marked by a minimal palette of colors including white, nude color, beige, light grey, mud and different shades of red (embodied in the smashing prints as well as in a wonderful dress).
LA VISIONARIETÀ E SPERIMENTAZIONE DI THREEASFOUR
Threeasfour Spring/Summer 2016
La visionarietà e sperimentazione su forme, linee e volume, enfatizzata dalla tecnologia e da materiali insoliti quali, latex, cristalli, maglia a rete effetto pizzo digitale, neoprene, stampe tridimensionali sono i segni impressi nell’ opera del brand Threeasfour, creato dal trio fashion designer formato da Gabi Asfour, Adi Gil and Angela Donhauser (provenienti da Libano, Israele e Tagikistan) che quest’ anno ha festeggiato il suo 10° compleanno ed anche il National Design Award per il Fashion Design da parte di Cooper Hewitt. Un meraviglioso approccio anatomico al design, un gioco di asimmetrie, sinuosità e trasparenze disegna una silhouette senza peso che splende nella collezione primavera estate del marchio che è stata recentemente presentata in occasione della New York Fashion Week. Leggerezza, dinamismo, raffinatezza e incisività sono i protagonisti di capi da donna e uomo che danno forma a una sacrale solennità, rimarcata da una palette minimale di colori, comprensiva di bianco, nudo, beige, grigio chiaro, fango e diverse nuances di rosso (racchiuse in splendide stampe come anche in un meraviglioso abito).
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Threeasfour Spring/Summer 2016
Jeremy Scott
It has recently presented, during the New York Fashion Week, the shoes collection arising from the teaming between the renowned Brazilian brand Melissa and the celebrated fashion designer Jeremy Scott (who is currently the creative director of brand Moschino), featuring in the fashion show of Spring/Summer 2016 collection by Jeremy Scott ( it’s a dialogue between Sixties and Eighties made of pop patterns, color, lame, sequins and fun prints impressed on the garments – raincoats, knitwear, jackets, mini-skirts and dresses – the shapes and volumes pay homage to these times and remind the suggestions and art by Maripol). These colored creations, sandals and ankle boots are available worldwide in the Melissa flagship stores “Galeria Melissa” and in Italy exclusively at the Milan 10 Corso Como concept store.
NEL NOME DEL COLORE: LA DIVERTENTE COLLEZIONE DI MELISSA & JEREMY SCOTT
A model at the backstage of Jeremy Scott fashion show wearing the sandals by Melissa & Jeremy Scott
È stata recentemente presentata, in occasione della New York Fashion Week, la collezione di calzature che nasce dalla collaborazione tra il rinomato brand brasiliano Melissa ed il celebre fashion designer Jeremy Scott ( l’ attuale direttore creativo del marchio Moschino), protagonista della sfilata della collezione primavera/estate 2016 di Jeremy Scott (un dialogo tra gli anni Sessanta e Ottanta, fatto di motivi pop, colore, lamé, paillettes e divertenti stampe impresse sui capi – impermeabili, maglieria, giacche, minigonne e abiti – le forme e i volumi rendono omaggio a queste epoche e richiamano alla mente le suggestioni e l’ arte di Maripol). Queste colorate creazioni, sandali e stivaletti sono disponibili in tutto il mondo nei Melissa flagship stores “Galeria Melissa” e in Italia esclusivamente nel concept store di Milano 10 Corso Como.
A model at the backstage of Jeremy Scott fashion show wearing the sandals by Melissa & Jeremy Scott
A model along with the sandals by Melissa & Jeremy Scott at the backstage of Jeremy Scott fashion show
Melissa & Jeremy Scott shoes at the backstage of Jeremy Scott fashion show
Melissa and Jeremy Scott
Melissa and Jeremy Scott
Melissa and Jeremy Scott
Melissa and Jeremy Scott
Melissa and Jeremy Scott
Bruce LaBruce
Bruce LaBruce, brilliant Canadian filmmaker, photographer and author, who uses queercore, a non conventional aesthetics which questions about the contemporary times, is bringer of libertine and libertarian ideas, turned into films as the celebrated cult-movie “The Raspberry Reich” (the word “Reich” is a clear reference to the psychiatric and philosopher Wilhelm Reich), featuring the slogan “The revolution is my boyfriend”. That became a book, “The Revolution is my boyfriend: The Raspberry Reich and the Subversive Power of Political Porn”, embodying his vibrant thought as well as fashion or rather a collection of t-shirts made in collaboration with Poppsychic including some of the categorical imperatives that are in this movie as “Join the homosexual intifada”. The overwhelming creativity of Bruce also experienced with the olfactive design, giving rise along with the nose Kim Weissange to the perfume “Obscenity by Bruce LaBruce”, fragrance which has launched during the exhibitions, held time ago in Madrid at the La Fresh art gallery and in New York at The Hole gallery, focused on the theme of holy and profane, naturally reinterpreted in his unique way, emphasizing fetish suggestions, grotesque visions and including also a marvelous picture of the iconic actress Rossy de Palma. The packaging of scent, which is available in two editions, the gold and silver one, is as itself a suggestive work, designed by Jonathan Johnson, which depicts a naked woman kneeled on the top of bottle and a drop going down. The bouquet of “perfume is associated” – as Bruce says – “with occult or religious rituals (vetiver, labdanum and oud) along with others aromas that are considered as aphrodisiacal” like patchouli and sandalwood and makes concrete the idea of obscenity (word reminding me the poetry by Carmelo Bene who, considering the theatre, defined the “porn”, “oscene” – to be off the stage as it arises from the ancient Greek language – as the physical place where the act becomes exclusively performative, neither metaphoric, nor representative, as well as it happens in the realm of sport- It’s the body into the porn which is the scene and space of action) or rather the absence of conflict between the religious and sexual, they should be completely complementary”. “The fragrance” – Bruce tells – “is meant to stimulate you sexually, but it also contains holy elements”, that perhaps have healing properties as the water from Lourdes. The launch of this perfume was accompanied by a commercial shot by the filmmaker which poked fun the realm of mainstream perfumes’ commercials and talked about an ethereal woman, who seemed like an angel, went out during the evening, was desperate and got drunk, then came back home and saw her lover, a black male, standing on the bed, image evoking the idea of wild eroticism. Irony, framing a keen mind, is another feature of the artist, also impressed in his latest work in the realm of jewelry, a series of fun sterling silver and rhodinated sterling silver rings (some of them embody the word “LA Zombie”, being the title of a movie he made”), arising from the teaming with the designer Jonathan Johnson. It’s picturesque the Bruce’s universe, peopled by many signs talking about freedom.
OSCENITÀ & RIVOLUZIONE: MODA, FOTOGRAFIA, DESIGN OLFATTIVO, GIOIELLI & LE ALTRE MERAVIGLIE DI BRUCE LABRUCE
Bruce LaBruce, brillante regista, fotografo e scrittore canadese che si avvale del queercore, un’ estetica non convenzionale, la quale critica la contemporaneità, è portatrice di idee libertine e libertarie, trasformate in pellicole quali il celebre cult-movie “The Raspberry Reich” (la parola “Reich” è un chiaro riferimento allo psichiatra e filosofo Wilhelm Reich), in cui appare lo slogan “The revolution is my boyfriend”( “La rivoluzione è il mio ragazzo”). Ciò è divenuto un libro, “The Revolution is my boyfriend: The Raspberry Reich and the Subversive Power of Political Porn”, che racchiude il suo vibrante pensiero come anche moda ovvero una collezione di t-shirt realizzate in collaborazione con Poppsychic, comprensiva di alcuni degli imperativi categorici che ci sono in questo film come “Join the homosexual intifada”(“Unitevi alla intifada omosessuale”). L’ irrefrenabile creatività di Bruce sia è anche sperimentata nel design olfattivo, dando vita insieme al naso Kim Weissange al profumo “Obscenity by Bruce LaBruce”, fragranza che è stata presentata durante le mostre, tenutesi tempo fa a Madrid presso la galleria La Fresh gallery ed a New York presso la galleria The Hole gallery, incentrate sul tema di sacro e profano, naturalmente reinterpretato nel suo modo unico, che enfatizza suggestioni fetish, visioni grottesche e include anche una meravigliosa immagine dell’ iconica attrice Rossy de Palma. Il packaging del profumo, disponibile in due edizioni, gold e silver, è di per sé un’ opera suggestiva, disegnata da Jonathan Johnson, raffigura una donna nuda inginocchiata sulla parte superiore della bottiglia e una goccia che cade giù. Il bouquet del “profumo è associato” – come dice Bruce – “ai rituali del mondo occulto e della religione (vetiver, labdano e oud) unitamente ad altri aromi che sono considerate afrodisiaci” come il patchouli e il sandalo e concretizza felicemente l’ idea di oscenità ( lemma che mi ricorda la poetica di Carmelo Bene, che, prendendo in considerazione il teatro , definiva il “porno”, “l’ osceno” – l’ esser fuori dalla scena, significato derivante dal greco antico – come luogo fisico in cui l’ atto si fa esclusivamente performativo, né metaforico, tantomeno rappresentativo, come avviene nell’ ambito dello sport. È il corpo stesso all’ interno del porno a costituire lo scenario e spazio dell’ azione) o meglio l’ assenza di conflitto tra il religioso e il sessuale, che dovrebbero essere totalmente complementari”. “La fragranza” – racconta Bruce – “è rivolta alla stimolazione sessuale, ma contiene anche elementi sacri, che probabilmente hanno anche proprietà guaritrici come l’ acqua di Lourdes. Il suo lancio è stato accompagnato da una pubblicità girata dal regista che beffeggiava le pubblicità dei profumi di maistream e parlava di una donna eterea, dalle sembianze angelica, la quale usciva fuori la sera, disperata, si ubriacava, poi, una volta tornata a casa trovava il suo amante, un uomo di colore, a letto, immagine che evoca l’ idea di erotismo selvaggio. L’ ironia, che incornicia una mente acuta, è un’ altro tratto dell’ artista, impresso anche in un suo recente lavoro nell’ ambito dei gioielli, una serie di divertenti anelli d’ argento e argento rodiato( alcuni dei quali incorporano la parola “LA Zombie” che è il titolo di un suo film) che nascono dalla collaborazione con il designer Jonathan Johnson. Un variopinto universo, quello di Bruce, popolato da svariati segni che parlano di libertà.
Bruce LaBruce teaming with Poppsychic
Bruce LaBruce teaming with Poppsychic
Bruce LaBruce teaming with Poppsychic
Bruce LaBruce teaming with Poppsychic
Rossy De Palma, photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
photo by Bruce LaBruce
Obscenity by Bruce LaBruce
Obscenity by Bruce LaBruce Silver edition
Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson
Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson
Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson
Bruce LaBruce teaming with Jonathan Johnson
David Byrne, photo by Catalina Kulczar
“Contemporary color” is a show conceived by David Byrne which joins the tradition of color guard and music, commissioned by the Toronto Luminato Festival and the Brooklyn Academy of Music, which will feature 10 teenage color guard teams from Canada and United States with musicians (St. Vincent, How To Dress Well, Devonté Hynes, Zola Jesus, Nelly Furtado, Nico Muhly and Ira Glass, tUnE-yArDs, Lucius, Ad-Rick and Money Mark along naturally with David Byrne), who will provide a live original soundtrack for the performance of teams. The show will be premiered 22nd and 23rd June 2015 in Toronto at the Air Canada Center, later it will be staged on 27th and 28th June 2015 in New York at the Brooklyn Barclays Center. A not to be missed happening to enjoy the work by a vibrant and eclectic artist.
“CONTEMPORARY COLOR”, LO SPETTACOLO DI DAVID BYRNE CHE RENDE OMAGGIO ALLA TRADIZIONE DELLA COLOR GUARD
Contemporary Color
“Contemporary color” é uno spettacolo ideato da David Byrne che ha voluto reinterpretare in modo personale e contemporaneo la tradizione della color guard (disciplina tipicamente americana in cui un gruppo danza, usando cerchi, bandiere o altri attrezzi, enfatizzandone l’ effetto scenografico), commissionato dal Luminato Festival di Toronto e dalla Brooklyn Academy of Music, il quale avrà quali protagonisti 10 squadre di teen-ager di color guard provenienti dal Canada e dagli Stati Uniti e celebri musicisti (St. Vincent, How To Dress Well, Devonté Hynes, Zola Jesus, Nelly Furtado, Nico Muhly e Ira Glass, tUnE-yArDs, Lucius, Ad-Rick e Money Mark insieme naturalmente David Byrne) che eseguiranno dal vivo un’ apposita colonna sonora per l’ esibizione delle squadre. Lo show sarà presentato in anteprima il 22 e 23 giugno 2015 a Toronto presso l’ Air Canada Center, successivamente andrà in scena il 27 e 28 giugno 2015 a New York presso il Barclays Center di Brooklyn. Un evento imperdibile per apprezzare il lavoro di un vibrante ed eclettico artista.
Mx Justin Vivian Bond, photo courtesy of Justin Vivian Bond
The brilliant and iconic artist Justin Vivian Bond – writer, singer, painter, performer artist and actor who wrote “TANGO: My Childhood, Backwards and in High Heels” (Feminist Press Editions), awarded with the Lambda Literary Prize and “Susie Says”, a collaboration with Gina Garan (Powerhouse books), released V’s debut CD “Dendrophile”” in 2011 and “Silver Wells” in 2012, featured in the exhibition “The Fall of the House of Whimsy” at the New York Partecipant Inc. as well as on the stage in many productions like the one with The Big Art Group and appeared in John Cameron Mitchell’s film “Shortbus” – will feature on 10th June 2014 in New York at Le Poisson Rouge along with other artists to celebrate 20 years in New York. A not to be missed happening to enjoy a vibrant artist.
MX JUSTIN VIVIAN BOND CELEBRA A LE POISSON ROUGE 20 ANNI A NEW YORK: FELICE TRANSANNIVERSARIO!
Justin Vivian Bond
Il brillante e iconico artista Justin Vivian Bond – scrittore, cantante, pittore, performer artist e attore che ha scritto “TANGO: My Childhood, Backwards and in High Heels” (Feminist Press Editions), insignito del Premio Letterario Lambda e “Susie Says”, una collaborazione con Gina Garan (Powerhouse books), ha pubblicato il suo CD di debutto “Dendrophile”” nel 2011 e “Silver Wells” nel 2012, è stato protagonista della mostra “The Fall of the House of Whimsy” presso la Partecipant Inc. di New York come anche sul palcoscenico in molteplici produzioni quali quella con The Big Art Group ed è apparso nella pellicola di John Cameron Mitchell “Shortbus” – sarà protagonista il 10 giugno 2014 a New York presso Le Poisson Rouge unitamente ad altri artisti per celebrare 20 anni a New York. Un evento imperdibile per apprezzare una vibrante artista.
The People L.E.S.
The New York artistic collective Big Art Group, headed by Caden Manson, will feature on 9th and 10th May 2014, at 8:00 pm, in New York at the Abrons Arts Center with “The People L.E.S.”, a site-specific performance, created in collaboration with Lower East Side community members and Abron’s Urban Youth Theater, starring the community of artists from the Lower East Side. It’s a smashing combination of live theater and large-scale, real-time video projection recreating the atmosphere of the Greek tragedy by Aeschylus “Oresteia”. The work is constructed from interviews conducted with local community members who express their thoughts about democracy, war, terrorism and justice related to their personal histories. All that is embodied in the screens giving rise to a kind of living television while the performer artists interact with the audience which becomes part of show. It shines the idea of community dialogue and democracy impressed in the Oresteia and depicted in a performative way which inverts the established relationship between mass-media and private exchange in order to create a form of self-government. A not to be missed happening to enjoy smashing and visionary artist and think about the idea of democracy and freedom.
L’ ORESTEA E L’ ARTE MULTIMEDIALE DI BIG ART GROUP PRESSO L’ ABRONS ARTS CENTER DI NEW YORK
Il collettivo artistico newyorkese Big Art Group, guidato da Caden Manson, sarà protagonista il 9 e 10 maggio 2014, alle ore 20:00, a New York presso l’ Abrons Arts Center con “The People L.E.S.”, una site-specific performance, creata in collaborazione con i membri della comunità della Lower East Side e l’ Abron’s Urban Youth Theater, di cui sarà protagonista la comunità di artisti della Lower East Side. Una formidabile combinazione di teatro dal vivo e video-proiezioni a larga scala in tempo reale che ricreano l’ atmosfera della Greek tragedia greca di Eschilo “Orestea”. L’ opera è costruita da interviste effettuate a membri della comunità locale che esprimono il loro punto di vista in merito a democrazia, guerra, terrorismo e giustizia in relazione alle loro personali esperienze. Tutto ciò è racchiuso negli schermi e dà vita a una sorta di televisione vivente mentre i performer artists interagiscono con il pubblico che diventa parte dello spettacolo. Splende l’ idea di dialogo comune e democrazia impresso nell’ Orestea, colto in modo performativo che inverte la relazione convenzionale tra mass-media e scambio privato al fine di creare una forma di auto-governo. Un evento imperdibile per apprezzare vibranti e visionari artisti e pensare all’ idea di democrazia e libertà.
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